El ojo dorado

Editorial Febrero 2012

2012-02-28T20:53:00.000-08:00

Después de un mes de angustioso calor y merecidas vacaciones*, nos encontramos en la recta final para el premio más importante de la industria del cine. La ceremonia del Oscar, que se celebra el 24 del mes corriente, parece que ya está más o menos decidida: gana El Artista. Podremos ver la película francesa, muda, y en blanco y negro el 16 de febrero.

La principal competencia es La invención de Hugo Cabret (9/2), de legendario Martin Scorsese. Pero también está George Clooney en la nueva película de Alexander Payne: Los Descendientes (2/2) y la nominada sorpresa (de verdad: ¿alguien esperaba que estuviera entre las candidatas?) Tan Fuerte y Tan Cerca (23/9) conocida también como Extremely loud and incredibly close. Ah, y también la película del muchachito ese, el que dirigió unas películas sobre marcianos, otra sobre dinosaurios y otra sobre el Holocausto. Caballo de Guerra, del semi-dios Steven Spielberg llega a los cines el 16 de febrero.

Hay más Oscar: Meryl Streep como Margaret Thatcher en La Dama de Hierro (2/9) y Ryan Gosling como el conductor sin nombre en Drive (16/2). Hablando de Drive, también se estrena otra película independiente con u director de moda en el cine independiente: Shame: Sin Reservas, de Steve McQueen, está programada por ahora para el 16. Y para cerrar el círculo oscarizable, tenemos a Gary Oldman como El Topo, en un juego de espías muy británico, muy inteligente y muy frío, también, para el 16.

No sólo del Oscar se vive: vuelve Harry Potter, ahora en una película de terror que quiere resucitar al clásico estudio Hammer, con La Dama De Negro. Hay más terror, esta vez español, en Mientras Duermes, de uno de los directores de REC. Hasta tenemos re-estrenos: La Guerra de las Galaxias: Episodio I - La Amenaza Fantasma, en 3D.

*Como habrán visto los seguidores del blog, durante enero no se pudo actualizar la página. Además de las ansiadas vacaciones, y por más increíble que parezca, sufrí la pérdida no de una, sino de mis tres computadoras de trabajo. Así que debajo podrán ver algunas de las calificaciones de enero y febrero.

Estrenos de enero, febrero, y calificaciones (se actualiza):

5/1:
- Misión Imposible: Protocolo Fantasma (Mission: Impossible - Ghost Protocol) 8/10
- Las Aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin) 8/10
- 50/50 (50/50) 7/10

12/1:
- Los Muppets (The Muppets) 8/10
- Historias Cruzadas (The Help) 6/10
- Sherlock Holmes: Juego de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows) 5/10

19/1:
- La Chica del Dragón Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo) 8/10
- Secretos de Estado (The Ides of March) 7/10
- Robo en las Alturas (Tower Heist) 5/10

26/1:
- J. Edgar (J. Edgar) 6/10
- Inmortales (Inmortals) 4/10

2/2:
- Los Descendientes (The Descendants) 8/10
- La Dama de Hierro (The Iron Lady) 4/10

9/2:
- La Invención de Hugo Cabret (Hugo) 10/10
- La Dama de Negro (The woman in black) 6/10

El material del que están hechos los sueños

2012-02-08T22:58:00.000-08:00

«My friends, I address you all tonight as you truly are;

wizards, mermaids, travelers, adventurers, magicians... Come and dream with me.»

La Invención de Hugo Cabret es ni más ni menos que una declaración de amor a la máquina de la invención de los sueños, una oda al amor, un relato fantástico y mágico, una reflexión sobre el paso del tiempo, la nostalgia y la necesidad de conservar las obras de arte. Martin Scorsese consiguió otra obra maestra, lo que no es poca cosa si tenemos en cuenta que estamos hablando del director de Taxi Driver, Buenos Muchachos, Toro Salvaje y Los Infiltrados. A diferencia de esos films, este es el primero apto para todo público, en el sentido más amplio de la palabra. Lo disfrutarán en su máxima expresión aquellos familiarizados con la historia del cine, pero también es una opulenta carta de presentación para aquellos interesados en acercarse los films clásicos de fantasía.

La película centra su núcleo en la historia del joven huérfano Hugo Cabret (Asa Butterfield), escondido en los ductos de una red laberíntica en una estación parisina. El plano secuencia de introducción establece una singular conexión entre este jovenzuelo escurridizo como un roedor y un juguetero amargado (Ben Kingsley). Pero también envuelve la historia de un guardia bastante severo y rígido (literalmente) interpretado por Sacha Baron Cohen, en un distintivo uniforme azul, la pequeña nieta del juguetero (Chlöe Grace Moretz, la perturbadora belleza de Déjame Entrar y Kick-Ass) una niña que desconoce el verdadero significado de las aventuras más allá de los libros y hasta las breves pero loables apariciones de Jude Law, Christopher Lee y Michael Stuhlbarg (Un Hombre Serio) como el historiador René Tabard.

Todos estos son personajes unidos por un singular amor. Cada uno tiene varias aristas, aunque al principio se revelen como meros comic-reliefs. Pensemos, por ejemplo, en el obstinado guardia con cazar al pequeño Hugo. La revelación del trasfondo emocional de este personaje es típica, es un clisé, pero realmente lo creemos cuando lo vemos enamorado, torpe, dominando los cinco tipos de sonrisa. Incluso el ritmo cómico es soberbio, en la misma escena donde él trata de acercarse a la florista y queda abochornado por el claqueteo metálico de su pierna. El más interesante de todos es aquel interpretado por Kingsley, porque es un hombre con miedo, derrotado por la vida y resentido con su propia obra, a la que alguna vez amó. No es una casualidad que hasta los personajes secundarios más secundarios, estén en busca del amor.

¿Amor por qué? Hugo Cabret trata de encontrar la llave que hará funcionar al autómata -único legado de su padre antes de morir- que tiene forma de corazón. Las máquinas, por más cursi que suene, también necesitan amor para funcionar. El ferrocarril siempre estuvo ligado a la historia y los comienzos del cine. Desde El Gran Robo Al Tren (cuyo primer plano de un hombre disparando a la cámara espantaba a la audiencia en 1903, por mencionar un caso que no aparece en este film) pasando por El Maquinista De La General (Buster Keaton y acaso, los mejores gags que se hayan visto en la pantalla) hasta, bueno, la mismísima La Invención De Hugo Cabret. El cine es una combinación de distintas formas artísticas, pero también complementa las artes humanísticas con maquinarias de ingeniería. Nos asombramos cuando vemos un corredor girar, porque creemos que Fred Astaire desafía la gravedad o que Joseph Gordon Levitt realmente está en los sueños de otra persona.

Si las referencias literarias del autor original del libro (Brian Selznick) se pueden encontrar en Charles Dickens, por citar alguno, sería imposible mencionar todas las referencias más o menos directas, visuales y sonoras con las cuales Scorsese rinde homenaje a otros grandes directores. Buster Keaton, Harold Lloyd, los hermanos Lumiere, Georges Mélies y hasta Alfred Hitchcock (la famosa toma de Vértigo). Todos, empezando por el director, están en la cima de su juego. Thelma Schoonmaker, la multipremiada montajista; Dante Ferreti, el diseñador de producción, quien junto a Francesca Lo Schiavo, seguramente termine ganando el Oscar por estos escenarios fantásticos; Robert Richardson que mantiene la magia y el color aún cuando el 3D parece oscurecer la fotografía; Howard Shore, colaborando con Zaz para componer no sólo la banda sonora, sino el tema de los créditos. Quizás el trabajo más objetable de todos sea el de John Logan. La adaptación es maravillosa, pero a veces se puede volver un poco solemne, otras veces los personajes tienen diálogos demasiado explicativos...... en fin, detalles que no afectan al todo.

La Invención de Hugo Cabret entiende el pasado mirando el presente. Por eso es, desde Avatar, la película que mejor utiliza el 3D, del cual que tantos agoramos la pronta muerte. Como en la película de James Cameron, la profundidad de campo es más importante que los objetos que salen de la pantalla. Estamos inmersos en la película y no al revés. Incluso por momentos ayuda a crear cierta atmósfera mágica, como si estuviéramos delante de figuras troqueladas. Hay varias secuencias espectaculares, pero no vale la pena mencionarlas, para evitar arruinar la sorpresa. Sí aclarar que causó un efecto en mí que hace años no sentía: el asombro, la maravilla. Mientras veía esas imágenes tan bonitas, tan poéticas, tan -perdonen la reiteración- maravillosas, me preguntaba si algo así debían sentir los espectadores que iban por primera vez a soñar a una sala de cine.

Esta no es una película que imagine viendo fuera de otro lugar que no sea el cine, ni en otro formato que no sea en 3D. Porque de eso se trata el cine: de una experiencia colectiva. Y qué experiencia más maravillosa que poder soñar junto a otras personas. Ni más ni menos, lo que nos propone Scorsese.

______________________________________________________________
Hugo:
Título en Argentina: La Invención de Hugo Cabret
Dirección: Martin Scorsese
Guión: John Logan
Basado en el libro de: Brian Selznick
Música: Howard Shore
Fotografía: Robert Richardson
Edición: Thelma Schoonmaker
Con: Asa Butterfield (Hugo Cabret). Chlöe Grace Moretz (Isabelle). Ben Kingsley (Georges Mélies). Sacha Baron Cohen (Inspector)
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 83/100
ARG: Todaslascríticas: 90%
IMDb: 8.3/10
______________________________________________________________

La fortuna y el infortunio

2012-02-03T19:04:00.000-08:00

En uno de los momentos clave de Los Descendientes, Matt King (George Clooney) conduce para encontrar al hombre que -no está seguro- contribuyó a arruinar la relación con su mujer. En el asiento de atrás está Alex (de Alexandra: es una chica... ¡y qué chica!) con su novio Sid (Nick Krause) que lanza, inoportunamente, no uno sino dos comentarios desubicados, valga la redundancia. Ese instante deviene en una amalgama emocional para el espectador: pasamos del enojo a la risa y de la risa a la angustia. Esa es la maestría que Payne ya había demostrado en sus otras grandes películas: Las Confesiones del Sr. Schmidt y Entre Copas. Lejos de señalar, condenar o santificar, los personajes de sus comedias se muestran humanos, creíbles. Podemos simpatizar con ellos porque son como nosotros.

Matt King es el protagonista y el centro de la historia. Su mujer sufrió un accidente y está en coma, con las horas de vida contadas. Sus hijas tienen 17 y 10 años y él no tiene la más mínima idea de cómo criarlas, mucho menos de cómo relacionarse con ellas. Al mismo tiempo está a punto de vender unas parcelas de tierras vírgenes en su tierra natal, Hawaii. Este no es un dato menor porque la historia se desarrolla en Hawaii y es indispensable que así sea. Los hawaianos tienen una cultura muy arraigada sobre el cuidado de su tierra, aunque lo primero que haga la película sea desmentir algunos mitos turísticos sobre los hawaianos. Pero Matt sí resume el espíritu hawaiano: es un hombre de negocios, multimillonario, que piensa en las consecuencias antes de actuar y trata de evitar hacer daño a los demás, aunque parece recibirlo constantemente.

George Clooney encarna a Matt en cuerpo y alma. Es notable como el actor mantiene su estilo aún con personajes tan disimiles como en El Fantástico Sr. Zorro, El Amor Cuesta Caro o Michael Clayton. Va más allá de la versatilidad: su impronta queda en esos seres que a la vez tienen vida propia. Hay un antes y un después en la vida de todos los personajes de Los Descendientes (no por nada el título hace referencia a los antepasados). La película encapsula un momento clave en la vida de uno de ellos y Clooney lo entiende. Payne también. Sabe cuándo es necesario mover la cámara y como reforzar una idea, un sentimiento. Los directores clásicos casi nunca movían la cámara (vean sino, las películas de John Ford). Cuando termina la reunión familiar y Matt avisa a todos la pronta muerte de su mujer, cae rendido en el césped. La temperatura de la imagen nos indica que la postal idílica de Hawaii puede existir en otro lado, pero no en ese.

Esta no es una comedia liviana, pero sí es una película de esas que los norteamericanos denominan como feel-good movies. Los personajes quieren hacer el bien, aún cuando las cosas no les salgan como desearían. Son creíbles porque son inestables, porque ríen, porque sufren, porque lloran. Payne logra una película contemporánea y clásica al mismo tiempo. No es condescendiente ni cruel con ellos, algo muy común en la mayoría de las comedias de Hollywood. Logra que pensemos y reflexionemos, aún si no estamos de acuerdo con el camino que toman las cosas.

Los Descendientes, como todo el cine de Payne, es difícil de encasillar. Se mueve con ligereza e inteligencia entre el drama y la comedia. Es provocadoramente humana. Matt King es un personaje noble, bueno, porque toma decisiones evaluando las consecuencias y pensando en su entorno. Está llena de personajes ricos pero también gracias a un elenco enorme, encabezado por una de las mejores interpretaciones de Clooney, pero con actores de reparto tan esenciales como él. Basta ver unos segundos a Shailene Woodley para entender que estamos ante una gran actriz y una enorme película.

______________________________________________________________
The Descendants:
Título en Argentina: Los Descendientes
Dirección: Alexander Payne
Guión: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash.
Basado en la novela de: Kaui Hart Hemmings
Música: -
Fotografía: Phedon Papamichael
Edición: Kevin Tent
Con: George Clooney (Matt King). Shailene Woodley (Alexandra King). Amara Miller (Scottie King).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 82/100
ARG: Todaslascríticas: 78%
IMDb: 7.8/10
______________________________________________________________

El mal oculto en el invierno

2012-02-03T05:49:00.000-08:00

La música es triste y algo tenebrosa: no escuchamos ni siquiera el rugido del león de MGM. Lo primero que vemos es un paneo de una isla, cubierta por la nieve. Oímos la charla entre dos hombres, ambos igual de frustrados. Lo que queda al descubierto es una planta en un marco: el mensaje del asesino de Harriet Vanger, que ha estado enviando esas postales durante cuarenta años al tío de la desaparecida. Comienza el tema de Karen O. (un cover de The Inmigrant Song, de Led Zeppelin) que parece una mezcla entre una película de Fincher y una de Bond, y desde ese momento la película nunca se detiene. Esa quizás sea la única queja plausible.

La novela de Stieg Larsson, Los Hombres Que No Amaban A Las Mujeres, retrataba la historia de un periodista en decadencia que debía investigar la desaparición de una jovencita hace 40 años (asesinato, según su tío Henrik Vanger). Como las buenas novelas de Raymond Chandler, la investigación policial es intrigante pero más aún los personajes: desde el propio periodista hasta la familia Vanger. Como el patriarca anuncia al investigador: «Estarás investigando a ladrones, matones, miserables: la colección más detestable de gente que puedas encontrar. Mi familia.». Hay violaciones, asesinatos, neo-nazis y otras cosas que hacen decididamente de esto una historia para adultos.

Este repertorio de seres desquiciado y principalmente, la coprotagonista, Lisbeth Salander (Rooney Mara) encajan perfectamente en el universo de David Fincher. Al director de El Club de la Pelea, Zodíaco y Red Social, siempre le interesaron aquellos excluidos -bien por decisión propia o ajena- de la sociedad. Esa gente, sí, antisocial y menospreciada que termina superando los obstáculos en el camino. No tomen esto como un clisé sino como una suerte de prueba de superación que los mismos personajes se imponen (no importa si es moralmente condenable o no). Todos los personajes aquí parecen encerrar una suerte de génesis de la maldad, pero la clave está en ver qué hacen con eso.

Ahora bien, siempre las películas de Fincher son algo truculentas y las historias esconden otro significado. En La Chica del Dragón Tatuado lo más interesante es la película romántica escondida en la investigación policial. Mikael Blomkvist (Daniel Craig) y Lisbeth Salander son una peculiar y atípica pareja. Ella es una hacker con una estética punk y una actitud bastante rebelde. Mara le da vida a un personaje para que no sea pura estética, logra conseguir que parezca una chica frágil y autosuficiente al mismo tiempo. Craig hace un trabajo tan bueno como el de ella: un tipo algo torpe, pero de buenas intenciones. Es como el 007 de Casino Royale, aquel que tropezaba con todos los obstáculos pero tenía una fuerza de voluntad avasalladora.

Sí, están todos los elementos presentes que hacen a Fincher unos de los autores (aunque no escriba sus propios guiones) más interesantes del cine norteamericano. Este film noir cuenta con todo el equipo técnico que lo acompañó en Red Social y las ideas aquí son igual de interesantes. El problema acaso es que esta es una historia que merece un poco más de tiempo (la película dura dos horas y cuarenta minutos, que nunca se resienten). Se nota que Fincher aceleró las secuencias, como hace en todos sus films, algo que en estas historias de detectives es a la vez un acierto y una contra. Por un lado tenemos menos tiempo para reflexionar sobre lo que hay en pantalla. Por otro lado, los diálogos, las situaciones y los climas pasan con más fugacidad.

Jeff Cronenweth es el director de fotografía. En estas islas el clima gélido y las casas son, perdonen el lugar común, personajes. El diseño de producción y la edición de sonido contribuyen a hacer más ricos a todos estos empresarios y los secretos que ocultan, presten especial atención al sonido del viento, sino. Hay dos viejos proverbios suecos que sintetizan no sólo la estética sino también la idea central. Uno de ellos es: «El mal será combatido con el mal» y el otro, más interesante reza «Lo que está oculto bajo la nieve se revela con el deshielo». No es casualidad, entonces, que a medida que la investigación avance la primavera también se acerque.

______________________________________________________________
The Girl With The Dragon Tattoo:
Título en Argentina: La Chica Del Dragón Tatuado
Dirección: David Fincher
Guión: Steve Zaillian
Música: Trent Reznor, Atticus Ross.
Fotografía: Jeff Cronenweth
Edición: Kirk Baxter, Angus Wall
Con: Daniel Craig (Mikael Blomkvist). Rooney Mara (Lisbeth Salander). Christopher Plummer (Henrik Vanger).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 71/100
ARG: Todaslascríticas: 77%
IMDb: 8.1/10
______________________________________________________________

Nostalgia del presente

2012-02-02T08:51:00.000-08:00

«No hay mayor dolor en el infortunio

que recordar el tiempo feliz.»

La Divina Comedia. Dante Alighieri

Gil recorre maravillado las calles de París que no son otras que aquellas con las que ha soñado toda su vida. Frente a sus ojos pasan sus ídolos literarios: Hemingway, Scott y Zelda Fitzgerald. En realidad, está en el lugar correcto en el momento equivocado. Cuando vuelve al tiempo que pertenece, su vida parece entumecerse en los ojos del melancólico Owen Wilson. Ya no habla con la gente que quiere, tiene que soportar a una mujer que odia caminar bajo la lluvia, a sus burdos padres y a un insufrible crítico de arte, Paul, el "pedante". La explicación es fácil: Gil es un romántico. Cree que pertenece a otra época, que no podría congeniar con nadie en el tiempo en el que vive, que todo tiempo pasado fue mejor. Ese el síntoma que aquejó a las grandes producciones de Hollywood en el 2011: recordar aquellos buenos y, por sobre todo, viejos tiempos.

«Time is everything.»

Claude en La invención de Hugo Cabret

En La Invención de Hugo Cabret (Hugo) Martin Scorsese rinde homenaje al cine y realiza un poema visual con algunas de las películas que se encarga de citar directamente. Es la historia -entre muchas otras- de un hombre que lucha por ocultar un pasado demasiado doloroso, pero también es sobre la necesidad de preservar y cuidar las películas. En 1993, el director de Toro Salvaje envió una carta a Universal para que restauraran Vértigo (Vertigo, 1958, de Alfred Hitchcock) una película que al estrenarse fue ignorada por el público y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. En la famosa entrevista de Truffaut al director de Psicosis, este último incluso habla con cierto recelo y tristeza de ese film. Hoy en día es considerado uno de los clásicos indiscutidos de la historia del cine, referente visual de las grandes obras contemporáneas. Sin ir más lejos, la supuesta próxima ganadora del Oscar, El Artista (The Artist) utiliza durante todo el último tercio, la partitura que Bernard Herrmann compuso para ese film con Kim Novak y James Stewart.

«I made one decision on my life based on money.

And I swore I would never do it again.»

Billy Beane en El Juego de la Fortuna

La vida de Billy Bean parece signada por el fracaso. Vive bajo la sombra del recuerdo de la decisión que cambió su vida. Aceptó una oferta millonaria para jugar en las grandes ligas de baseball, dejando de lado su carrera universitaria. Ahora, como manager, lucha contra un sistema de compra y venta de jugadores anticuado, el mismo sistema que pronostico una carrera brillante para él y lo terminó zanjando en un futuro pobretón, muy distinto del prometido. El pasado se puede idealizar o se puede ver con rencor. Beane es un hombre maduro porque aprendió de los errores, hizo que el pasado aumentara de valor. La pregunta que consolida su amistad con Peter Brand es: «¿Tu me hubieses contratado por esa cantidad de dinero?» A lo que Brand responde: «No.»

«I know bad things happen. But you can still live.

You can still live.»

Joe Lamb en Super 8

No son sólo las historias de estas películas las que giran en torno a un pasado mejor que el doloroso presente. Todas las producciones de Hollywood parecen mirar con demasiada añoranza una forma pasada de hacer cine. J.J. Abrams rinde homenaje al cine de Steven Spielberg con Super 8, un calco sin la fuerza estética del Maestro, pero con un corazón igual de grande.. En la secuencia más emotiva de la película, los personajes recuerdan el pasado... viendo una película. La odisea interior del protagonista pasa por dejar ir algunas cosas. Es la madre que no está más y sólo cobra vida en las viejas cintas de Super 8, una tecnología considerada obsoleta. En Tan Fuerte y Tan Cerca (Extremely Loud and Incredibly Close, de Stephen Daldry) Oskar Schell revive a su padre a través de las filmaciones caseras. También en El Artista se reviven viejos momentos a través del cine.

«Don't laugh George! That's the future!»

Al Zimmer en El Artista

De las 9 nominadas a Mejor Película, sólo dos son contemporáneas. El resto, se puede considerar como cine de época (no en los términos victorianos a los que nos tiene acostumbrados la categoría de Diseño de Vestuario). Caballo de Guerra, Historias Cruzadas, El Árbol de la Vida, todas ambientadas en momentos históricos que podemos identificar fácilmente. ¿Por qué hay tanta nostalgia en el cine? El Artista parece ganar el Oscar y sus mayor es contar una historia como si fuese una película de 1927. Es que acaso Hollywood nos está tratando de decir que, en medio de tanto sonido metálico y robots en 3D ¿añoramos las buenas, simples y divertidas historias clásicas? Parece recuperar la noción romántica de que todo tiempo pasado fue mejor. Sólo hace dos años ganaba una película vanguardista sobre la guerra en Irak. Hoy se mira para otro lado, para otra época.

«Nostalgia is the denial - denial of the painful present... the name for this denial is golden age thinking- the erroneous notion that a different time period is better than the ones living in - it is a flaw in the romantic imagination of those people who find it difficult to cope with the present.»

Paul en Medianoche en París

Precaución: se develan elementos de la trama de Medianoche en París, La Invención de Hugo Cabret y El Artista

La cita pertenece a Paul, el «pedante» que parece ser demasiado cínico cuando Gil habla enamorado del pasado. Sin embargo, Paul tiene razón y a Gil le lleva toda la película entenderlo. Hacia el final, él mismo socaba la imaginación romántica de otra soñadora. Entiende que el tiempo que nos toca es el que nos toca y acaso, el mejor para nosotros. En La Invención de Hugo Cabret, George Mélies deja de ver con dolor al pasado y abraza el presente, ante un auditorio que lo ovaciona de pie. George Valentin, la estrella de cine mudo en El Artista, finalmente habla y el futuro ingresa en su vida y en la película misma. Joe Lamb, en Super 8, finalmente se desprende del collar de su madre y deja que se evapore en el cielo. Pero las películas (incluso la de Scorsese, que utiliza el 3D como innovación técnica de manera inteligente y eficaz) evocan estética y/o narrativamente tiempos pasados. Quizás, como todos estos personajes, esta sea una dolorosa carta de despedida de Hollywood hacia esos buenos y viejos tiempos. El cine evoluciona constatemente, pero las películas del 2011 parecen tener una gran nostalgia... por el presente.

Editorial Diciembre 2011

2011-12-31T20:47:00.000-08:00

Se acaba otro año más. No lo decimos porque sea Diciembre, sino porque con la llegada de fin de año se acercan dos cosas que nos indican que el ciclo termina (y vuelve a empezar). La primera son las fatídicas fiestas en sí. Ya saben: recibir al tío jodón (que generalmente, termina borracho), a los primos que no se ven durante todo el año, a los parientes que uno acaba de conocer... es decir, el caos familiar... para algunos. Para Tim Burton, por ejemplo, la navidad es sinónimo de soledad. Sus películas (como tantos clásicos "navideños") nos hablan sobre el sufrimiento de aquellos que ni siquiera pueden quejarse las familias caóticas alla Arnaud Desplechin con Un Conte de Noël. Pero sin embargo, también son oportunidades para la redención y el reencuentro. Por lo pronto pueden ver más recomendaciones aquí.

Justamente, en el mes navideño se estrena OPERACIÓN REGALO. Una película animada por computadora, de Aardman Animation, la factoría que dio a luz a Pollitos en Fuga y Wallace & Gromit. Pero esta no es una película animada con plastilina en stop-motion, ni tampoco una que lo emula (como Lo Que el Agua se Llevó). Tiene suficiente identidad propia como para disparar algunas secuelas, pero eso no nos importa por ahora. Sus personajes tienen tanto o más brillo que los alegres escenarios en los que se desarrolla la película, todos verdaderamente "animados". Es una película "para Navidad" (están los valores familiares a la orden del día) con suficiente irreverencia y humor genuino, ese que el cine de animación parecía haber olvidado entre la solemnidad de Pixar y la ironía gastada de Dreamworks. En cines desde el 1 de Diciembre.

El otro indicio es el estreno de AÑO NUEVO. Otra de esas películas corales donde la gente encuentra el amor, la paz, la alegría. ¿Les suena conocido? Y sí: Realmente Amor marcó tendencia, parece. El elenco de esta película, sin repetir y sin soplar: Halle Berry, Ashton Kutcher, Robert De Niro, Katherine Heigl, Sienna Miller, Zac Efron, Jessica Biel, Sarah Jessica Parker, Julie Andrews, Till Schweiger y más. Sabremos si es otra copia o una obra con brillo propio el 8 de Diciembre.

Tenemos otro estreno animado este mes. Antonio Banderas en el que quizás sea su rol más famoso: EL GATO CON BOTAS. Este spin-off de Shrek tiene la ardúa tarea de probar que puede sostenerse por sí solo. Bueno, quizás con un poco de ayuda: hay una gatita (Salma Hayek) y un huevo traicionero (Zach Galifianakis, en la versión en inglés) que deberán enfrentarse a jabalíes, guardias (el comandante es ¡Guillermo Del Toro!) y hasta gansos para llegar al cielo y robar huevos de oro. Ver para creer. También, va el 8 de Diciembre.

¿Qué nos queda? Ah, sí, la temporada de Oscars. Llega uno de los tanques fuertes para recibir varias nominaciones (¿y estatuillas?) EL JUEGO DE LA FORTUNA (o Moneyball) con Brad Pitt como un entrenador de baseball que junta un equipo de supuestos fracasados, armado en base a estadísticas de computadora. Suena raro, pero la película está dirigida por Bennett Miller (de esa genialidad llamada Capote) y el guión viene de Steve Zaillian y Aaron Sorkin, ambos ganadores del Oscar. Por La Lista de Schindler y Red Social. Nada mal, eh. Veremos si cumple las expectativas el 15 de Diciembre.

Mientras, claro, seguimos con más de la carrera al Oscar (ahora que ya empezaron a aparecer premios de asociaciones de críticos que nadie conocía, damos más que iniciada la competencia) y más informes navideños. Podríamos hacer incluso una lista de regalos cinéfilos, si es que les gusta. Sin más, que tengan felices fiestas. Zuzu's petals!

Top 10 de estrenos en Argentina

2011-12-14T16:13:00.000-08:00

De todos los estrenos comerciales en Argentina (y sin importar la puntuación, ciencia inexacta, claro está) acá van mis diez favoritas. El orden de preferencia no afecta el hecho de que sean todas grandes películas:

1: El Árbol de la Vida (The Tree of Life, Estados Unidos, 2011, de Terrence Malick)

¿Por qué?

El Árbol de la Vida no es una película perfecta y su mayor defecto es su ambición. Malick parece calcar algunos planos de 2001: Una Odisea del Espacio e intentar crear, sí, la película más grande que la vida misma. Basta con leer el argumento: amalgama la creación y la destrucción del universo (desde los primeros organismos unicelulares, pasando por los dinosaurios hasta el fin de los tiempos) con la historia de una familia religiosa que vive y muere junto al sueño americano. Es una película muy personal, casi como si fuera una oración, una plegaria, una rareza y a la vez un oasis en estos tiempos. Pero allí donde se podría perder el toque humano, los personajes de El Árbol de la Vida, se sienten vivos, reales, frágiles, finitos. Ya vi la película tres veces y todavía la sigo disfrutando casi tanto (o más) que la primera vez. Lástima el final pomposos por demás y con un espiritualismo que parece salido de algún libro de gurúes espirituales y predicadores new age.

Es la historia...

De un una familia en norteamerica durante la década del '50, los O'Brien, guardadas en la memoria del hijo mayor que afloran en el aniversario de la muerte de su hermano menor. El padre, que gobierna el hogar con disciplina muy estricta (en una primera visión me pareció así, luego era un hombre intentando hacer lo mejor que podía), la madre demasiado bondadosa y la relación que tienen con sus dos hijos.

La secuencia:

No, no es la creación (y destrucción) del Universo. Son los primeros minutos de El Árbol de la Vida, narrados con la celestial voz de Jessica Chastain: "Las monjas nos enseñaron que hay dos caminos en la vida: el camino de la gracia y el de la naturaleza. Tú tienes que elegir cuál de los dos seguir", frase que determinará la vida de los O'Brien, mientras vemos imágenes hermosas (casi una redundancia decir eso en esta película) que se debaten entre esas dos opciones. Al final, el personaje agrega: "La única manera de vivir es amando. A menos que ames, tu vida será un parpadeo". El mundo, millones de años después, explotará y los O'Brien habrá sido una minúscula, ínfima, parte de él.

______________________________________________________________

2: El Cisne Negro (Black Swan, Estados Unidos, 2010, de Darren Aronofsky)

¿Por qué?

El Cisne Negro es una película caótica. No es que esté mal editada (la famosa teoría del cine caótico al que Nolan suscribe) sino porque nunca sabremos si es un film que verdaderamente intenta ser kistch y artificial o muy por el contrario, serio y dramático. Amo la combinación tan desprolija de ambos estilos. Donde hay tanta superproducción calculada, El Cisne Negro es un espectáculo de verdad, truculento, ficticio, delirante. El mejor film, lejos, de Aronofsky.

Es la historia...

De una ballerina que es frágil, delicada, consentida por su mamá y bastante inocente. O no. Para ganar el rol protagónico de la nueva versión del Lago de los Cisnes debe ser el cisne blanco (ya lo es) y el cisne negro. Para eso tiene ser sacar su lado oscuro. Tan simple y directo (tonto, dirán algunos) que termina siendo efectivo.

La secuencia:

Nina Sayers baila frente al escenario mientras se convierte (¡con plumas y todo!) en su alter ego, el cisne negro. Entendemos por qué tanto primer plano y por qué Natalie Portman merecía el Oscar (tan desquiciada y exacerbada como la mismísima película). Todo termina en un gran aplauso del público del teatro, aunque en realidad ella estaba bailando también para nosotros, los espectadores.

______________________________________________________________

3: El Juego de la Fortuna (Moneyball, Estados Unidos, 2011, de Bennett Miller)

¿Por qué?

Porque transforma el subgénero deportivo. De Rocky (no cuento a Toro Salvaje, que es un paréntesis excelso del subgénero) en adelante siempre se trató del perdedor que conseguía una chance para pelear por el título. No importaba si perdía o ganaba: importaba el entrenamiento, el esfuerzo para superarse a sí mismo. Era la fábula del self-made man de clase media. En El Juego de la Fortuna, todo parece armarse en función de la historia clásica, pero se trata de muchas cosas. De la intuición, el azar, las estadísticas y del fracaso. No hay momentos edulcorados en una de las películas más inteligentes de los últimos años del cine norteamericano.

Es la historia...

De Billy Beane. Un gerente general de un club de baseball signado por el fracaso en su vida. Con ayuda de un nerd graduado en Ciencias Económicas, arma un equipo de jugadores menospreciados basándose en estadísticas matemáticas de efectividad. Debe lidiar con dos cosas: la reticencia de los que llevan más años como buscadores de talento (el baseball -el deporte- parece tratarse de la pasión) y de las malas decisiones que ha tomado en el pasado que lo han llevado a fracasar en reiteradas ocasiones.

La secuencia (spoilers):

En un film que parece demasiado frío y cerebral, se encuentra una de las secuencias más emotivas del 2011. Billy Bean, luego de que su equipo haya perdido (¡de nuevo!) en la ronda eliminatoria del torneo de baseball, parece frustrado. Su amigo y asistente Peter Brand lo llama para que vea un video. En él, un jugador de baseball bastante gordo, batea y corre a primera base. Nunca corría, pues su gran temor era hacer el ridículo (tiene una voluminosa panza). Al llegar, no sólo tropieza, cae y rueda, sino que ni siquiera toca la base. Todo el mundo se para y ríe. Su peor pesadilla hecha realidad. Pero lo que no vemos en el video es el verdadero motivo de las risas: el hombre había anotado un home run. Es una metáfora de la vida y los supuestos fracasos.

______________________________________________________________

4: El Discurso Del Rey (The King's Speech, Inglaterra, 2010, de Tom Hooper)

¿Por qué?

De toda la lista, esta debe ser la película más calculada. Calca el clásico modelo hollywoodense, edulcora la historia del rey George VI, y se convierte en esa película grande que complace a toda la audiencia. No hay nada nuevo o vanguradista, pero hay que admirar los esfuerzos que pone Tom Hooper para que la historia ya conocida tome vuelo y vuelva a emocionarnos, con todos esos micrófonos enormes y deformados por los grandes angulares que ya son marca registrada del director. Gran trío protagónico que hace el film suyo y lo convierte en lo que es: una comedia sutil antes que un melodrama insoportable.

Es la historia...

De George VI, rey del Reino Unido, que no podía hablar ante los micrófonos por ser tartamudo. Por supuesto, eso tiene un trasfondo psicológico. Con ayuda de Lionel Logue, descubre que en realidad el problema es otro, más allá de las dificultades para el habla. Y debe pronunciar el discurso de guerra frente a la Alemania nazi, como si fuera poco.

La secuencia:

No me gusta la solemnidad y esta película la evita bastante bien (salvo en algunas secuencias que amenazan con arruinar todo, como la visita real a la casa de Logue: "¿se quedarán sus majestades a cenar?"). Al final, George y Logue se quedan en el cuarto donde el micrófono aguarda las palabras de aliento para una nación a punto de entrar en guerra contra la Alemania nazi. El silencio es insoportable. Quedan segundos para salir al aire. No puede fallar el puntapié inicial que decidirá la suerte de muchos. Ante tanta presión (y los ojos vidriosos de Colin Firth, que parecen pedir socorro) Logue le dice: "Olvídese de todo lo demás y dígamelo a mí. Dígamelo a mí, como un amigo".

______________________________________________________________

5: De Dioses y Hombres (Des Hommes et des Dieux, Francia, 2010, de Xavier Beauvois)

¿Por qué?

La mayoría de las películas no le dan la importancia que merece al silencio. Seguro, lo usan como herramienta para crear suspenso, pero pocas entienden lo liberador que es. La música -los cantos religiosos de los curas- en De Dioses y Hombres es un elemento central. Hay reflexiones acerca de la vida y la muerte, pero a fin de cuentas es una película sinceramente conmovedora y demoledora en su reflexión final.

Es la historia...

De unos curas que resisten el avance de unos fundamentalistas islámicos en un pueblo pobre que necesita de su compañía (además de refuerzo espiritual, los curas tienen un médico y medicamentos). Posiblmente mueran cuando los rebeldes llegue a su aldea y ese es el punto central. ¿Deben marcharse y ayudar a otros que necesiten su ayuda o quedarse hasta el final y morir como mártires?

La secuencia:

Una noche inquietante. Todos han decidido, finalmente, quedarse. No saben cuánto tiempo de vida les queda. Están por cenar y uno de los curas mayores, para romper el silencio, pone música. Es El Lago de los Cisnes. Todos escuchan, ni siquiera comen. Y las lágrimas caen de sus ojos, llenos de felicidad.

______________________________________________________________

6: Super 8 (Super 8, Estados Unidos, 2011, de J. J. Abrams)

¿Por qué?

J. J. Abrams rinde homenaje a Steven Spielberg, uno de los maestros indiscutidos del cine de Hollywood (del cine, a secas). Crea una experiencia visual y sonora sin necesidad de 3D o efectos visuales deslumbrantes (son funcionales a la historia). Muestra para contar: es el punto donde tantos otros pálidos imitadores fallan y cuentan para mostrar. El resultado es una película objetable desde varios puntos de vista, pero con un corazón enorme. Eso depende de quien la vea, claro, como todo el buen cine.

Es la historia de...

Un grupo de chiquitos que está haciendo una película berreta, de esas de zombies. Su pasión por el cine hace que presencien el descarrilamiento de un tren que llevaba un extraterrestre enorme. Cosas muy extrañas suceden en el pueblito donde viven. Pero lo central es la relación de Joe, el joven protagonista, con su padre y su difunta madre, y cómo todos deben madurar en orden para superar los nuevos obstáculos.

La secuencia:

Joe está enamorado de Alice, una chica más grande. Ella es la hija del hombre por el que indirectamente, su madre falleció. Cuando Alice visita a Joe, la luz vuelve a la ciudad y una cinta de Super 8 (una tecnología considerada obsoleta) empieza a rodar, con imágenes de la madre de Joe. Ella llora y le dice que su padre lamenta todos los días haber faltado al trabajo ese día. Que desearía haber sido él el que muriera, y ella también. Llora pero Joe no le guarda surtimiento ni está emocionado. No puede sacarle los ojos de encima, porque la ama. Es uno de los comentarios más hermosos y poéticos sobre la relación de las personas a través del cine.

______________________________________________________________

7: Temple de Acero (True Grit, Estados Unidos, 2010, de Ethan y Joel Coen)

¿Por qué?

El cinismo de los hermanos Coen encaja bastante bien con una revisión del clásico western que llevó a John Wayne a ganar su único Oscar. Cuando la vi por primera vez me pregunté la necesidad de hacer la remake: no me parecía tan necesaria y distinta de la original. Pero con el tiempo recurrí nuevamente a ella y me di cuenta que era una historia pura y llanamente de aventuras, clásica, con personajes entrañables y situaciones increíbles. Jeff Bridges nunca trata de imitar a John Wayne, pero cada aparición suya llena la pantalla de carisma. The Dude es una presencia, no como The Duke, pero presencia al fin y al cabo.

Es la historia de...

Mattie Ross, la joven que busca vengarse del forajido Tom Chaney por asesinar a su padre. Pero como el buen western norteamericano, todo se trata de un viaje y de las relaciones que surgen a través de él. En este caso, con el afectado Texas Ranger LaBeouf y con el alcohólico y desbaratado Rooster Cogburn.

La secuencia:

La (segunda) presentación de Rooster Cogburn. No sólo porque la fotografía de Roger Deakins es brillante (vemos a través de los ojos de Mattie, entra la multitud, a una figura sentada con desdén en un estrado, iluminada por un haz de luz natural) sino porque pocas veces se ha podido establecer tan bien la personalidad de un personaje en tan poco tiempo. Cogburn es un ser embustero, viejo, y con mucha astucia. Mattie se decide a contratar a este hombre con temple de acero para emprender su cruzada. Es lo mismo que hubiésemos hecho nosotros.

______________________________________________________________

8: Carlos (Carlos, Francia, 2010, de Olivier Assayas)

¿Por qué?

Olivier Assayas filmó esta superproducción de casi 6 horas que terminaría siendo estrenada en el Festival de Cannes recibiendo ovaciones y que luego sería dividida como una miniserie de 6 capítulos. La versión que se estrenó en nuestro país dura un poco más de dos horas y media, y si bien mantiene el ritmo inagotable de la original, se nota que varios fragmentos han sido editados para estrenar una versión más "amena" en los cines. No afecta demasiado al producto final, que es una de las más bravas, entretenidas e inteligentes historias sobre terrorismo contadas en los últimos años. Además, Edgar Ramírez se luce en la que es una de las mejores actuaciones del 2010.

Es la historia de...

Carlos el Chacal, un terrorista venezolano. Desde sus comienzos como apenas un matón hasta la fundación (y caída) de su red internacional de terrorismo, con el secuestro a los miembros de la OPEP como bisagra fundamental en la vida del hombre. Cuestiones políticas al margen, es interesante cómo el film plantea la relación de Carlos con la violencia y el sexo, y especialmente con la política y la fama. Casi que estamos hablando de un rockstar, por momentos.

La secuencia:

Carlos y los terroristas secuestraron a los miembros de la OPEP. La tensión in crescendo los debilita física y psicológicamente. Sus compañeros se ponen cada vez más violentos. Están atrapados en un avión, secuestradores y rehenes, ya que ningún país ofrece asilo político. Cuando llega la llamada desesperada, la oferta de dinero a cambio de la liberación de rehenes, no hay idealismo que valga. Reticiente -no al dinero, sino a lo que supone para sus supuestos ideales- Carlos discute, argumenta y trata de convencer cuál será su decisión final. El dinero, obviamente.

______________________________________________________________

9: Blue Valentine: Una Historia de Amor (Blue Valentine, Estados Unidos, 2010, de Derek Cianfrance)

¿Por qué?

En primer lugar, los dos actores "del momento" (pero grandes de verdad) se lucen como una pareja en crisis, luego de intensos años de romance. Ellos son Ryan Gosling (si no lo saben, la estrella de la inminente Drive, recuerden ese título) y Michelle Williams la pronta ganadora del Oscar por Una Semana con Marylin (digo esto sin que ella esté nominada, ¿me arriesgo demasiado?). Es también una de las historias románticas más inteligentes en cuanto al desorden temporal en el que se narran los hechos. Sabemos como terminó y como empezó, pero lo que nos interesa es la parte del medio, que es el nexo perfecto entre ambas historias.

Es la historia de...

Una pareja que se enamora, vive un romance intenso, pero poco a poco esa llama se apaga. Los intentos desesperados por reavivar el amor son vanos. ¿Cómo llegaron a eso?

La secuencia:

Dean trata de animar a Cindy alquilando un cuarto erótico ambientado como si fuera una cuarto espacial futurístico. Pero lejos de encender nada, lo que sucede allí es incómodo para nosotros y para ellos. Definitivamente, las cosas no van bien y no parecen ir a buen puerto.

______________________________________________________________

10: Copia Certificada (Copie Conforme, Francia, 2010, Abbas Kiarostami)

¿Por qué?

Podría argumentar "Juliette Binoche" y eso bastaría. La mujer está tan linda, tan delicada y emotiva que me hace olvidar del Oscar por El Paciente Inglés. Pero aunque ella es uno de los grandes (enormes) pilares del film, lo que me llamó la atención y fue creciendo en mi memoria es la construcción del relato. ¿Es real, es falso? ¿Qué es? Parece hasta un homenaje de Kiarostami a Antes del Atardecer, la película romántica de Linklater. Perdón, pero Binoche está tan bien que, aún cuando el co-protagonista William Shimmel no trabaja mal, todos alrededor quedan como parte del decorado.

Es la historia de...

Una pareja que se reencuentra después de muchos años. O no, quizás sea la historia de una pareja que nunca se encontró. O es la historia de dos personas ensayando un (des)encuentro. ¿Qué es? Hay que ver la película.

La secuencia:

El escritor y la dama entran a un café, como para conocerse un poco más. Conversan. Él sale a atender una llamada. La camarera se acerca y habla con ella. Cuando el vuelve, la relación cambió totalmente. Parecen una pareja en crisis. Cuando salen del café, parecen conocerse hace años.

Menciones de Honor: 127 Horas, Lazos de Sangre, El Hombre Que Podría Recordar sus Vidas Pasadas, Poesía Para El Alma, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2, Rango, Un Año Más, Rápidos y Furiosos 5: Sin Control, X-Men: Primera Generación, El Estudiante, Un Amor, Incendies.

Estrenos en DVD/¨Blu Ray Diciembre 2012

2011-12-11T00:21:00.000-08:00

El Planeta de los Simios: (R)Evolución (Rise of the Planet of the Apes, 2011, de Rupert Wyatt)

Take your stinking paws off me, you damn dirty Tim Burton!

Extras: Pendiente.

Comentario del film:
En un año donde no hubo grandes películas de acción, la nueva entrega de El Planeta de los Simios se coronó reina. En este caso la ciencia ficción pasa a segundo lugar: no importan tanto los dilemas morales del científico interpretado por James Franco sino más bien los dilemas psicológicos de su creación, Cesar. A decir verdad, ningún humano importa demasiado en la que podríamos denominar, la mejor película de animales del año (lo lamentamos por el delfín discapacitado, pero así es). Los efectos visuales seguramente la conviertan en una Ganadora del Oscar. Fox actualmente está haciendo campaña para que Andy Serkis (el actor sometido a la captura de movimientos para darle vida a Cesar y Gollum) reciba un Oscar honorario. ¿Podrán?
____________________________________________________________________

Noche de Miedo (Fright Night, 2011, de Craig Gillespie)

Colin Farrell como vampiro... meh. David Tennant como Criss Angel: Yay!

Extras: -

Comentario del film:
Ok, muchos de los que amaron la original (titulada en Argentina "La Hora del Espanto") salieron horrorizados (en el mal sentido) después de ver Noche de Miedo. A decir verdad, es una buena película trash que mezcla demasiados géneros por su propio bien. Por momentos pareciera que los personajes de Superbad están atrapados en alguna película de terror berreta (ay, esos efectos CGI a estas alturas ya son clásicos del cine clase B). Por ahí también está Colin Farrell como un vampiro diabólico y David Tennant como Peter Vincent (Peter Cushing + Vincent Price) que sigue siendo lo mejor de la película. Y la secuencia donde se saca todo el disfraz, pura genialidad.

____________________________________________________________________

Hanna (Hanna, 2011, de Joe Wright)

Saoirse Ronan dejó de escribir cartas maliciosas y ahora se dedica a descuartizar personas.

Extras: Pendiente.

Comentario del film:
Había una época en la que Joe Wright hacía películas para damas sensibles, como Orgullo y Prejuicio y Expiación: Deseo y Pecado. Poco a poco fue abandonando ese terreno hasta llegar a una película de acción experimental, donde Saoirse Ronan es una pequeña Nikita que asesina, mutila y quiebre los huesos de todo aquel que se interponga en su camino. Eric Bana es el padre-entrenador y Cate Blanchett la villana de la película. Bana apreta un botón y se desata un tour-de-force con planos secuencia impresionantes incluidos. También está la música de The Chemical Brothers y la historia de Alicia en el País de las Maravillas revisionada. Obviamente esta excentricidad no les gustará a todos, pero es más que un buen ejercicio de estilo.
____________________________________________________________________

Glee: El Concierto (Glee: The 3D Concert Movie, 2011, de Kevin Tancharoen)

Glee es tan empalagoso que hace que Grease quede como una película seria.

Extras: -

Comentario del film:
Los personajes de Glee se dan la mano en este concierto que reúne los mejores momentos de la gira por Estados Unidos. Hay remixes y covers de Britney Spears, Queen, Cee Lo y Katy Perry. Alguno podría argumentar que las elecciones de las canciones a homenajear no son las mejores y tendría razón. Otro podría criticar las entrevistas con los fanáticos de la serie, que se siente igual de artificiales y empalagosas que el resto de la serie, y también tendría razón. Pero el lado bueno es que los jóvenes (no aparecen los profesores, o sea que adiós al cameo de Jane Lynch, pero hola a Gwyneth Paltrow) ponen tanto entusiasmo como para que la cosa sea mucho más llevadera y alegre. No está mal.

Con razón no dice nada de "feliz"...

2011-12-10T23:35:00.000-08:00

Looking Closer:
1: Zac Efron y Michelle Pfeiffer se pelean el podio para la peor pareja romántica jamás vista.
2: Al menos la historia de Ashton Kutcher y Lea Michele, está llena de clichés, pero es simpática. Algo así.
3: Hale Berry y Robert DeNiro tienen los peores roles. Puro golpe bajo.
______________________________________________________________
New Year's Eve:
Título en Argentina: Año Nuevo
Dirección: Garry Marshal
Guión: Katherine Fugate
Música: John Debney
Fotografía: Charles Misnky
Edición: Michael Tronick
Voces: Michelle Pefeiffer (Ingrid). Katherine Heigl (Laura). Hilary Swank (Claire).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 22/100
ARG: Todaslascríticas: 43%
IMDb: 4.7/10
______________________________________________________________

En esta película hay tanta publicidad de Nivea que cuando vemos una multitud atiborrada en Times Square para ver a un cantante de rock (Jon Bon Jovi), todos usando sombreros azules con la marca de la crema, no podemos dejar de pensar si no se trata de algún mensaje subliminal para prevenir al espectador. Se entiende por qué el título de la película no incluye un "Feliz": es imposible encontrar la felicidad mientras uno ve Año Nuevo.

Esta película responde a la cadena generada por Realmente Amor (Love Actually) aquella simpática película del 2003 donde había declaraciones de amor, joyeros que parecían Mr. Bean, canciones empalagosas, abrazos en aeropuertos y muchas -pero muchas- caras conocidas. Pensar que lo último es la receta para el éxito parece ser un craso error. Garry Marshal (según IMDb, el responsable de esta atrocidad) ya había fotocopiado a esa película con Día de los Enamorados (Valentine's Day). Ahora es el turno de otra festividad. No quiero pensar cuando llegue el Día de Acción de Gracias o Halloween...

Hay muchos actores respetables aquí (por no decir todos) lo que a uno lo lleva a pensar en cuánto vale un buen director. Ningún personaje se siente mínimamente real. Esta es una de las películas más fantasiosas del año y no estamos hablando del género, precisamente. Dos personas atrapadas en un ascensor. Una de ellas es un hombre con el corazón roto que no cree en la Navid... perdón en el Año Nuevo (¿?). La otra es una chica simpática que trabaja como corista del cantante de rock más famoso de Nueva York pero alquila (o vive, se mudó hace poco) en un departamento de mala muerte en el que los ascensores no funcionan. Otra historia es sobre un enfermo terminal cuyo último deseo es ver caer la bola de fin de año (¿? de nuevo). La enfermera que lo atiende quiere saludar a su esposo, combatiente en Irak. La empleada de una prestigiosa firma debe hacer que la bola de fin de año caiga (y hay un chiste del tipo "don't let the ball to drop"). Hay más: un electricista con acento ruso que resulta ser una eminencia, una embarazada que se enfrenta panza a panza a otra, un padre con acento alemán que estaba mejor matando nazis, una cocinera escotada morocha y latina (latina o lo que el director entiende que es el estereotipo de latina) y otra cocinera con escote disimulado rubia y norteamericana. Todavía no les dije que Michelle Pfeifer hace de una señora mayor neurótica de la que sería imposible que alguien se enamore y que Sarah Jessica Parker hace de... Sarah Jessica Parker.

Ahora bien, ¿vale la pena todo el rejunte de estrellas? La respuesta en este caso es "no". Traten de recordar dos nombres de los tantístimos personajes vistos. No van a poder porque ninguno de ellos es real aún dentro de la mismísima fantasía de la película. Siguen siendo los actores que ya conocíamos. Los diálogos son atroces a tal punto que nos llevan a la pregunta elemental: ¿esta gente sabe lo que es vivir? Digo, hay más emoción en cualquier momento del día (incluso cuando dormimos) que en las eternas dos horas de Año Nuevo.

Algo más que guirnaldas y luces de colores

2011-12-10T22:50:00.000-08:00

Looking Closer:
1: Arthur es el hijo torpe -mas nada tonto- de Santa.
2: La duende envuelve-regalos es el mejor comic relief de la película.
3: Hay muchas aventuras en una propuesta simpática y algo inocente sobre la Navidad.
______________________________________________________________
Arthur Christmas:
Título en Argentina: Operación Regalo
Dirección: Sarah Smith
Guión: Sarah Smith, Peter Baynham
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Jericca Cleland
Edición: James Cooper, John Carnochan.
Voces: James McAvoy (Arthur). Hugh Laurie (Steve). Bill Nighy (Abuelo). Jim Broadbent (Santa).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 68/100
ARG: Todaslascríticas: 71%
IMDb: 7.2/10
______________________________________________________________

Operación Regalo comienza casi como si fuera una película de acción: miles de duendes trabajan por la noche para entregar todos los regalos, en tiempo y forma. Parece un adelanto de la nueva película de Misión: Imposible. Alejado de todo el trajín, la acción y el vértigo, en el Polo Norte, se encuentra Arthur, un muchacho alto, largo y bastante torpe (con reminiscencias de Linguini, el chef caótico de Ratouille) pero con un corazón de oro. Su cuarto está iluminado con lamparitas navideñas y su labor consiste en leer y responder las cartas que los niños le envían a su padre, Santa.

Esa es su posición en el negocio familiar y pronto entendemos por qué: el muchacho hace que hasta la tarea más simple -como llevar una carta a su hermano, Steve- parezca una odisea homérica. Ni hablar de dejar las puertas abiertas (no tanto por el frío nórdico, sino por los osos polares). Nadie en su familia parece atesorar lo que todavía queda en Arthur y ese es el verdadero espíritu navideño. Su hermano quiere reemplazar al viejo en la tarea anual para siempre, pero el hombre de la bolsa no planea retirarse. Para más, el abuelo (el linaje de Santa Claus es legendario, parece) quiere probar que puede hacer las cosas mucho mejor sin la ayuda tecnológica. Todos están preocupados por sí mismos, menos el pobre Arthur, que desea entregar el último regalo de Navidad antes de que sea demasiado tarde.

El film es predecible y sus personajes están basados en estereotipos demasiado conocidos, pero -como la película- tienen suficiente personalidad como para ser recordados con simpatía. Steve, el hermano perfecto de Arthur, vive monitoreando todas las operaciones. Los planos son angulares, como para enfatizar su soledad frente a la fría mecanización moderna, opuesta a la cálida y minúscula (un poco empalagosa, para mi gusto) habitación del protagonista. Noté que incluso los personajes secundarios (esos parlanchines que alivian el relato siendo elementos puramente cómicos) brillan. Tomemos por ejemplo, la elfa empaquetadora. Uno puede ver que más allá de sus apariciones en pantalla, la muchacha era una avocada al trabajo en los envoltorios.Parte del crédito es del guionista Peter Baynham quien trabajó en Arthur (la comedia con Russell Brand) y Borat. Mezcla buenos gags con un humor, por momentos, irreverente. Después de tanta solemnidad con el cine de Pixar (que lo amamos, pero eso no quita que sea solemne o pretencioso) y del cinismo de Dreamworks (que se agotó junto con la saga de Shrek) se agradece un poco de diversión y aventura genuina.

Los estudios Aardman Animation fueron responsables de clásicos como Pollitos en Fuga y la serie de Wallace & Gromit. Es injusto comparar Operación Regalo con esos títulos porque esta se trata de una película animada por computadora, mientras que las otras -más "artesanales"- eran capturas de movimientos de muñequitos de plastilina. A diferencia de Lo Que el Agua se Llevó, que intentaba copiar ese estilo de animación en el mundo digital, Operación Regalo acepta lo que es y se dedica a relatarnos una bella fábula sobre la Navidad.

Editorial de Noviembre 2011

2011-11-30T23:50:00.000-08:00

Antes que nada, unas cuántas palabras de (re)introducción:
Bienvenidos a todos los seguidores y nuevos visitantes a un nuevo mes en El Ojo Dorado. Los primeros sabrán que este mes las actualizaciones fueron pocas. Últimamente, el diseño del blog indicaba en la portada los estrenos, divididos en las semanas que tenga el mes. Sé que a muchos les gustaba como era, pero decidimos cambiar, tener una plantilla más "limpia" y cambiar la elección de los colores. Antes predominaba el negro como para que uno se relaje y pensara en una sala de cine, mientras que ahora optamos por el blanco de fondo en las entradas principales, para así facilitar la lectura de las notas y/o críticas. Esperamos que nos acompañen y nos digan qué les gusta y qué no del nuevo formato. Ahora incluimos en la portada la editorial mensual, los estrenos semanales y las entradas destacadas. Esperamos que les guste.

Ahora sí, vamos con el mes que nos compete. Noviembre 2011. Ya estamos por terminar el año. ¿Tan pronto? Sí. Comenzamos el año con el re-estreno en los cines argentinos de Volver al Futuro, un éxito de taquilla (casi 50.000 espectadores), tuvimos el discreto reestreno de Top Gun (que tuvo una salida mayor y una recepción demasiado tibia) y ahora nos toca El Padrino. La obra maestra de Francis Ford Coppola, considerada por muchos una de las 10 películas fundamentales de la Historia del cine se reestrena en los cines digitales. Ya no se discute la película, sino su visionado: ¿se verá tan bien en digital como en fílmico?. Pero claro, el gozo mayor es poder disfrutarla en la pantalla grande.

El cine nunca morirá. Las buenas películas no son viejas o nuevas. Así lo demuestra Un Amor, el film de Paula Hernández que mezcla la vida de tres personas (dos, enamoradas de una tercera) y recupera sus vivencias de chicos para exponer sus vidas de adultos. Hernández es la prueba de que al cine nacional no le faltan buenas directoras: Lucrecia Martel, Ana Katz, Celina Murga, Lucía Puenzo, ofrecen un cine con el que no siempre se puede estar de acuerdo, pero que no deja de ser interesante, revelador y potente. En mi caso, sus películas también me resultan emocionantes.

También tenemos estrenos de los "nuevos". Comenzamos con La Piel Que Habito, lo nuevo (ahora sin comillas) de Pedro Almodóvar. Está bastante bien: incluso una obra despareja suya es mucho mejor que el promedio de los estrenos. No me convenció demasiado Antonio Banderas -el científico/Frankestein obsesionado con crear la piel perfecta- pero va a tener su oportunidad para redimirse con el que quizás sea su personaje más famoso: El Gato con Botas. Un spin-off de la serie Shrek. ¿Podrá sostener una película? Veremos. Otro animalito que viene con todo es el pingüino Happy Feet, esta vez con Happy Feet 2.

Vuelve Crepúsculo con una "nueva" película: Amanecer: Parte1. Siguiendo los pasos de Harry Potter, los chupasangre y los licántropos, dividieron el final de la serie en dos partes. Este año vemos la primera. ¿Será mejor que el resto? El 17 de Noviembre lo sabremos.

Novedades Noviembre 2011

2011-11-30T17:20:00.000-08:00

Todos los estrenos, semana a semana.

17/11 - 23/11
- Estrenos

10/11- 16-11
- Estrenos

3/11 - 9/11

- Estrenos
- Crítica: La Profecía del 11/11/11

Predicciones para el Oscar 2011: Parte II

2011-11-28T15:06:00.000-08:00

En la primera parte hicimos un recorrido por las películas que más chances tenían de llegar al Oscar. Creo que hubo grandes movimientos. No voy a volver a analizar una por una, solamente aquellas que salieron de las favoritas (y las que entraron, claro).

Entonces...

Casi seguras:

- Extremely Loud and Incredibly Close
- War Horse
- The Artist
- The Descendants
- Moneyball

Con muchas posibilidades:

- Hugo
- Midnight in Paris
- The Help

Casi afuera, casi adentro:

- The Tree of Life
- The Girl with the Dragon Tattoo

Con pocas probabilidades:

- The Ides of March
- J. Edgar
- Tinker Taylor Soldier Spy
- Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2

The Descendants, la nueva película de Alexander Payne (Sideways, About Schmidt) con George Clooney como un hombre en la crisis de la mediana edad (y van...) ahora figura entre las casi seguras. No es una movida exagerada, teniendo en cuenta que la mayoría de los votantes son hombres mayores.

Hugo de Martin Scorsese fue un relativo fracaso en su semana de estreno en los Estados Unidos (pero tenía competencia dura y a decir verdad, los trailers no vendían muy bien el film). El tema, el director y el apoyo crítico son cartas demasiado favorables como para menospreciar así nomás. Midnight in Paris, aunque ciertamente no la mejor película de Woody Allen, ya parece otra carta segura para las apuestas: fue bien recibida por la crítica y más importante, es una de esas crowd-pleasers: películas taquilleras no muy sofisticadas que encantan a la audiencia. Sinceramente no creo que merezca nada más que guión original pero los Oscar tratan de complacer a todos (a veces). The Help también fue una de esas películas, pero seguramente tendrá alguna nominación más en las categorías para actores (no hay que descartar un paso importante por los SAG).

Ese factor "crowd pleaser" es lo que deja "definitivamente" afuera a The Tree of Life. Sin embargo no me animo a dejarla totalmente afuera de la competencia, ya que a quienes de verdad nos gustó, nos gustó mucho. Si tenemos en cuenta que tiene que recibir el 2% del total de los votos como película favorita del año, no es tan descabellado pensar en la gran nominación. Pasa lo mismo con la remake de David Fincher en The Girl with the Dragon Tattoo.

Ahora vienen mis elecciones más polémicas. Me atrevo a decir que salvo algunas nominaciones técnicas (maquillaje, vestuario, guión) y Leonardo Di Caprio como mejor actor protagónico, la carrera de J. Edgar prácticamente se terminó. Me encanta el cine de Clint, pero las críticas demasiado mixtas (entre muy buenas y malas) y el desdén de los académicos hacia las últimas películas del director de Gran Torino, parecen sellar su destino. De todos modos es un desdén relativo: no se puede decir que no tenga nominaciones.
Harry Potter seguramente cosechará nominaciones también en los apartados técnicos. Pero por más críticas positivas y récords de taquilla que haya obtenido, todavía es Harry Potter. La campaña For Your Consideration ya empezó y con esta película viene pisando fuerte, pero no creo que llegue al galardón mayor. Menos suerte tendrán Tinker Taylor Soldier Spy y The Ides of March, que parecen ser films demasiado prolijos o cerebrales para competir por los premios mayores.

Mucho ruido y pocas nueces

2011-11-16T14:37:00.000-08:00

Looking Closer:
1: Bella y Edward bailan la zamba brasilera. Hay un plano del Cristo Redentor, claro.
2: Jacob quiere defender a su amada de lo que podría ser la muerte.
3: Típico de jóvenes en luna de miel: jugar al ajedrez.
______________________________________________________________
The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 1:
Título en Argentina: Amanecer: Parte 1
Dirección: Bill Condon
Guión: Melissa Rosenberg
Basado en la novela de: Stephenie Meyer
Música: Carter Burwell.
Fotografía: guillermo Navarro.
Edición: Virginia Katz.
Con: Kristen Stewart (Bella Swan). Robert Pattinson (Edward Cullen). Taylor Lautner (Jacob Black)
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: --/100
ARG: Todaslascríticas: --%
IMDb: 4.0/10
______________________________________________________________

Los films de la serie Crepúsculo a esta altura se han convertido en un fenómeno comercial, intrascendente para la historia del cine. Para bien o para mal, han vuelto a poner en el mapa de la cultura popular a los vampiros y los licántropos -vedados, hasta no mucho tiempo atrás, para algunos pocos fanáticos del cine de terror fantástico- pero en clave romántica. En los films anteriores, la joven humana (Bella Swan) debía decidirse entre el pálido (el inmortal Edaward) o el morocho (el peludo, CGI mediante, Jacob Black).

Establecida formalmente con Edward (con boda, familiares, seres sobrenaturales, luna de miel y todo) el punto culminante de la serie parece llegar demasiado pronto en la (primera) parte final. Tienen relaciones sexuales, con el consabido riesgo que ello implica para Bella: la muerte. La prueba de fuego es superada, pero nace un nuevo riesgo cuando ella queda embarazada y su vida corre peligro. El melodrama ahora pasa por conservar la vida de la joven madre, que necesitará de todos sus amigos (de la raza que sean) para superar el desafío. Claro: habrá reproches, momentos de tensión, desmayos y ocasionales peleas.

Que todo el drama parezca una sinopsis de la telenovela de la tarde no es tan molesto como el mal que sigue aquejando a la serie: todo está en palabras de los personajes. No encontré un solo momento en Amanecer donde los hechos no estén explicitados en las palabras del hombre-lobo o los vampiros. Incluso hasta en los momentos románticos está la necesidad de expresar con palabras lo que ya quedaba claro en imágenes. Si los personajes no hablan, entonces escuchamos música de las bandas que completan la banda sonora. Mal de males, Melissa Rosenberg, pródiga para los diálogos, hace que los actores repitan líneas risibles. Sumen (o resten) a eso que ni Taylor Lautner ni Robert Pattinson son buenos actores (Pattinson hasta parece bueno al lado de Lautner) y la carga dramática se evapora en un par de gritos histéricos.

El otro gran problema está ligado a ese sinfín de palabras: la falta de emoción proveniente de verdaderos momentos cinematográficos. No hay mucho que decir más allá del resumen de la historia, porque la película tampoco ofrece secuencias memorables. Si me preguntan qué recuerdo del film: plano y contraplano de adolescentes debatiendo en una cabaña en medio del bosque. Cuando pareciera que la verdadera emoción está por llegar, esos momentos se diluyen esperando la segunda parte. Es como si el clímax se obviara en pos del "omitido" tercer acto. Algo así pasaba con las últimas dos entregas de Harry Potter. La diferencia es que en ambas había momentos e imágenes icónicas, difíciles de olvidar (¿o nadie recuerda el castillo iluminado por la barrera mágica?).

Bill Condon, el director de De Dioses y Monstruos y Soñadoras, se esfuerza en crear los climas de tensión y suspenso, más que nada en la segunda hora de película. Cuesta saber cuánta libertad puede haber tenido a la hora de decidir las cuestiones más importantes, en una película donde todo está (pre)calculado por los productores. Hablar en términos más comerciales que artísticos frente a esta película ("aceptable", "mediocre" podrían ser los términos promedio para referirse a ella) no está mal. Después de todo, el título nos indica qué es lo que importa: el dinero.

Las vendas -los recuerdos- que nos unen

2011-11-09T23:03:00.000-08:00

Looking Closer:
1: Elena Roger, Luis Zeimbrowski y Diego Peretti, el formidable triángulo amoroso.
2: La relación de los dos personajes masculinos atravesada por la llegada de una nueva vecina...
3: Cualquiera de las dos historias (tanto la de los chicos como la de los grandes) tiene la misma intensidad.
______________________________________________________________
Un Amor:
Título en Argentina: Un Amor
Dirección: Paula Hernández
Guión: Paula Hernández
Basado en la historia de: Sergio Bizzio
Música: Axel Krygier
Fotografía: Guillermo Nieto
Edición: Rosario Suarez
Con: Diego Peretti. Elena Roger. Luis Ziembrowski.
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: --/100
ARG: Todaslascríticas: --%
IMDb: --/10
______________________________________________________________

El tercer film de Paula Hernández la establece como una de las mejores directoras de la reciente filmografía argentina, lo cual no es poco teniendo en cuenta algunos de los nombres que podemos encontrar ahí (desde Lucrecia Martel hasta Ana Katz). Construye un relato conmovedor que gira alrededor de tres personajes, atrapados en un triángulo amoroso que nunca olvidarán ni dejarán del todo. Pocas películas logran con tanta rapidez y facilidad la conexión con el espectador: sospecho que esta es una de ellas. Gracias a la sutileza conque se maneja la historia de los personajes, podemos sentir lo que ellos están viviendo.

Lalo y Bruno (Alan Daicz y Agustin Pardella) son dos amigos inseparables. Lalo es de perfil más bien bajo: ese tipo de personas calladas, que miran todo el tiempo al piso y no quieren dañar a los demás. Bruno es más efusivo, más directo, aunque en el fondo también comparte la inocencia y el miedo de su amigo. Los cimientos de sus mundos son sacudidos ante la llegada de Lisa (Denise Groesman) una jovencita que parece decidida a tener su primera experiencia sexual con alguno de ellos dos. A partir de ese momento el nombre de Lalo cambiará: será Concha. Tanto su amigo como su amor (¿imposible?) lo llamarán así. Las cosas no parecen ir mejor para Bruno, que entablará una relación con Lisa pero no sabrá cómo mantenarla.

Esa descripción de la historia parece adelantar demasiado, pero no: lo que importa aquí no es cuán original es, sino cómo está llevada a la pantalla grande. Es allí donde se luce todo el elenco, de tan buen nivel interpretativo que cuesta elogiar a uno por sobre el resto. Incluso los más chicos están bastante bien. Luis Ziembrowski (Bruno adulto) y Elena Roger (Lisa adulta) establecen una relación profunda y sincera, basada en las miradas, los gestos y las caricias. Es un placer verlos juntos en la pantalla y a la vez, una tristeza enorme. Igual que las breves apariciones del confundido Lalo (Peretti) que no sabe bien cómo reaccionar. La música Axel Krygier es bella y melancólica: hermosa. Pero a veces está en primer plano y parece indicarnos qué debemos sentir ante tal secuencia o momento climático. Es una pena, en un film cuya principal fortaleza es la sutileza conque maneja las historias dramáticas.

Mientras la miraba recordaba situaciones de mi propia vida: cuando una película, además de ser una amalgama emocional, me retrotrae a distintas etapas de mi vida, la considero un suceso en mi corazón. Son esas a las que vuelvo con el paso del tiempo para reveerlas con el mismo interés (o quizás mayor). Más aún si el título es Un Amor. No hay mejor descripción posible.

Estrenos 10/11/11

2011-11-09T21:51:00.000-08:00

Un Amor (Un Amor, 2011, de Paula Hernández)

Puntaje: 3.5/5
Con: Diego Peretti. Luis Ziembrowski. Elena Roger.
Comentario: El tercer film de Paula Hernández la ubica en el podio de las grandes directoras argentinas, lo cual no es poca cosa teniendo en cuenta algunos de los nombres con los que "compite". Esta vez es una historia sobre tres personajes involucrados en una relación amorosa complicada: dos de ellos, inseparables amigos de la infancia (soberbias interpretaciones de Diego Peretti y Luis Ziembrowski, este último se destaca con un trabajo más sútil, casi invisible, pero perceptible) hasta la llegada de una nueva vecina (Elena Roger) que sacude sus vidas. El disparador es el re-encuentro en sus vidas adultas: cómo cada uno retomará y releerá el pasado. Si bien en algunos momentos la música puede inducirnos a pensar que se cae en sentimentalismos, se nota que la película está hecha con tanta inteligencia, maestría y solidez como para no apuntar a golpes bajos o lecturas simplistas de la misma. El trío de actores está muy bien, pero sobresalen los tres jóvenes (Alan Daicz, Agustín Pardella, Denise Groesman) que se complementan muy bien con sus yo futuros.

Las Nuevas Aventuras de Caperucita Roja (Hoodwinked Too! Hood vs. Evil, 2011, de Mike Disa)

Puntaje: 2/5
Voces: Glenn Close. Hayden Panettiere.
Comentario: La secuela del film animado de 2005 (aquella donde la historia de Caperucita era contada a través de múltiples puntos de vista, casi como si fuera Rashomon para niños) no se siente como una verdadera secuela, en el sentido de la animación y la narración parece de la década pasada. ¿De qué se trata? Caperucita y sus amigos (la abuela, el lobo, el leñador) tienen que salvar a Hansel y Gretel de la bruja malvada. Poco para una película animada menor.

Estrenos 3/11/11

2011-11-02T17:42:00.000-07:00

La Profecía del 11/11/11 (11/11/11, 2011, de Darren Llyn Bousman)

Puntaje: 1.5/5
Con: Timothy Gibbs. Michael Landes. Wendy Gleen.
Comentario: El director y guionista de las primeras películas de la serie El Juego del Miedo (más conocida como Saw) deja de lado el terror de serial killers y se mete con el mundo de los fantasmas. El problema no es cuánta sangre se desparrame: el problema es que no sabe como crear al menos una secuencia que de verdad funcione. La historia de un hombre que se debe reconciliar con la fe (un escritor que toma demasiadas pastillas) tiene muchos giros (sí: como en El Juego del Miedo) pero ninguno es sorprendente. Todo el relato se torna caótico e insoportable y para el tercer acto (que en una película de terror buena, siempre es el más tenso, el más desesperante) la película se termina por derrumbar hundiéndose en la peor de las profecías: cine género y del malo.

Johnny English Recargado (Johnny English reborn, 2011, de Oliver Parker)

Puntaje: 2/5
Con: Rowan Atkison. Rosamund Pike. Gillian Anderson.
Comentario: Rowan Atkison es mundialmente conocido por su criatura televisiva Mr. Bean: allí y en sus posteriores adaptaciones cinematográficas, combinaba un humor muy inocente con gags y slapstick de la vieja escuela. Algo similar intentó con la serie de Johnny English, decididamente para todo público a pesar de tratarse de un espía -parodia de James Bond- seductor que no para de meterse en problemas. Esta vez Johnny debe detener un complot para asesinar al Primer Ministro chino.
Aquí el ingenio no prima en las situaciones humorísticas que son poco innovadoras y tienden a repetirse. Pero ese no sería tanto el problema: el verdadero problema es que las escenas de acción (que las hay y son bastantes) son soporíferas.

La Piel Que Habito (La Piel Que Habito, 2011, de Pedro Almodóvar)

Puntaje: 3.5/5
Con: Antonio Banderas. Elena Anaya.
Comentario: Pedró Almodovar aún con altibajos sigue siendo uno de las más prolíficos e interesantes directores vivos que todavía siguen filmando. Su fascinación por el cine negro, los personajes oscuros (que esconden matices que hacen que el espectador pueda, a veces, llegar a simpatizar con ellos) y el humor negro se dan la mano en La Piel Que Habito, un intenso relato donde un cirujano plástico, acarreado por sus fantasmas del pasado -la muerte de su esposa- quiere crear una piel indestructible. Para eso, una joven ignota será su conejillo de indias, su criatura, mientras él adoptará la postura del Dr. Frankenstein.

Novedades de Octubre 2011

2011-10-31T13:31:00.000-07:00

Semana 27/10 - 2-11
- Estrenos

Semana 20/10 - 26/10
- Estrenos
- Crítica: Glee 3D: La Película

Semana 13/10 - 19/10
- Estrenos
- Crítica: Don Gato y su Pandilla
- Crítica: Detrás de las Paredes
- Estrenos en DVD/Blu Ray

Semana 6/10 - 12/10:
- Estrenos
- Crítica: Gigantes de Acero
- Crítica: Pina

Estrenos 27/10/11

2011-10-29T16:47:00.000-07:00

Los Tres Mosqueteros (The Three Musketeers, 2011, de Paul W.S. Anderson)

Puntaje: 3/5
Con: Logan Lerman. Milla Jovovich. Matthew MacFadyen. Christoph Waltz. Orlando Bloom.
Comentario: Paul W.S. Anderson es el principal responsable (y culpable) detrás de las adaptaciones al cine del videojuego Resident Evil. Son películas de acción que carecen de la más mínima gracia y del más pequeño atisbo de emoción. Aunque algunos de los problemas de esa serie se repiten aquí (peleas coreografiadas, en cámara lenta, movimientos imposibles, remates humorísticos mal hechos) al menos se puede percibir algo del espíritu de la aventura. No es que esta sea una adaptación fiel de la novela de Alexandre Dumas. En lo más mínimo: hay barcos voladores, reyes demasiado adolescentes y mosqueteros que parecen sintonizar más con dobles de riesgo de Piratas del Caribe que otra cosa. Pero entre todo eso Anderson, magia del cine o quizás de la misma novela, capta la esencia del cine de aventuras, ese de Erroll Flynn y sus inolvidables películas de ladrón y pirata.

Tres Hermanos, Tres Destinos (Hors-la-loi, 2010, de Rachid Bouchareb)

Puntaje: 3/5
Con: Jamel Debbouze. Roschdy Zem.
Comentario: Son tres historias, afectadas en distintas maneras por el movimiento independentista de Argelia. De las tres, la más interesante es la del hermano que se une al ejército para pelear en Indochina: el punto fuerte de la película son las escenas de acción, que están bien filmadas (son prolijas y uno puede seguir a los participantes). Pero en el plano político, esta película nominada al Oscar Mejor Película Extranjera (por Argelia) es bastante simplona, al punto de comparar el movimiento de liberación de una nación con una vieja vendetta personal. Nos quedamos en el plano de la acción, mejor.

Contagio (Contagion, 2011, de Steven Soderbergh)

Puntaje: 3/5
Con: Kate Winslet. Laurence Fishburne. Gwyneth Paltrow. Matt Damon. Marion Cotillard. Jude Law.
Comentario: El director ganador del Oscar por Traffic -y una de las jóvenes promesas del cine en la década de 1990- anunció su retiro al finalizar el rodaje de Che: El Argentino. Pero volvió a dirigir: esta vez se trata de una historia coral con grandes nombres (que además, son grandes actores) envueltos en el pandemonio que acarrea una epidemia desconocida, causando estragos en la población mundial. Algunas de las historias son más interesantes que otras (principalmente, las de Kate Winslet, Jude Law y Fishburne) otras no tanto (la de Matt Damon, que para peor, sería la columna vertebral del film) y casi hablamos de cameos para las restantes (el de Paltrow y la políticamente correcta Cotillard en la subtrama menos inspirada). En el balance, Contagio es una película notable pero sin demasiada personalidad. Faltaba más emoción en una película -casi- sobre el fin del mundo.

Estrenos 20/10/11

2011-10-19T18:09:00.002-07:00

Glee 3D: La Película (Glee: The 3D Concert Movie, 2011, de Kevin Tancharoen)

Puntaje: 2.5/5
Con: Lea Michele. Heather Morris. Chris Colfer.
Comentario: Los personajes de la serie de televisión llegan a la pantalla grande a través de la gira que realizaron en el 2011 en Estados Unidos. Según el propio director, la idea es poder acercar la experiencia a aquellos a los que no pudieron asistir. En ese sentido la película cumple: está bien filmada, el sonido envolvente y el 3D ayudan a crear la inmersión; pero hay dos problemas. El primero es que la mayoría de las canciones no son clásicos pop, sino más bien recientes. Hay grandes temas (Fuck You! de Cee Lo Green, por ejemplo, cantado por Gwyneth Paltrow) pero ni siquiera en esos momentos se llega a un nivel de producción espectacular como el del show. El otro problema es que el director cree que no es suficiente con el edulcorado espectáculo sobre el escenario y decide intercalarlo con historias "reales" de marginales. De eso se trata Glee, como ya sabemos. Pero todo se reduce a un show, un artificio, y no de los mejores.

Actividad Paranormal 3 (Paranormal Actitivy 3, 2011, de Jim Sheridan)

Puntaje: 3/5
Con: Daniel Craig. Rachel Weisz. Naomi Watts.
Comentario: La serie de Actividad Paranormal (las dos norteamericanas y la japonesa) se caracterizó por ser un éxito de marketing antes que un éxito de cine. Si bien es cierto que lo que más nos asusta es aquello que no podemos ver (y a veces: los grandes directores rompen esa regla) esta premisa parecía llevada al extremo cuando se nos obligaba a ver 75 minutos de inactividad para conseguir uno o dos golpes de efecto. Esto se termina con Actividad Paranormal 3, que apunta a eso: el golpe de efecto puro y certero. Todavía hay tiempos muertos que hacen que la película sea tediosa, pero al menos hay un juego de cámaras más interesante y personajes mucho más creíbles. Es lo suficientemente buena como para provocar, sí, algo de tensión genuina en el espectador.

Top Five estrenos de Enero - Septiembre:

2011-10-16T21:35:00.001-07:00

Septiembre:
1: El árbol de la vida (The tree of life, 2011, de Terrence Malick) // Puntaje: 4.5/5
2: Un año más (Another year, 2010, de Mike Leigh) // Puntaje: 4/5
3: Mi primera boda (Mi primera boda, 2011, de Ariel Winograd) // Puntaje: 4/5
4: Damas en guerra (Bridesmaids, 2011, de Paul Feig) // Puntaje: 3.5/5
5: Amigos con beneficios (Friends with benefits, 2010, de Will Gluck) // Puntaje: 3.5/5

Agosto:
1: Super 8 (Super 8, 2011, de J.J. Abrams) // Puntaje: 4/5
2: El planeta de los simios: (R)evolución (Rise of the Planet of the Apes, 2011, de Rupert Wyatt) // Puntaje: 3.5/5
3: Cowboys y Aliens (Cowboys & Aliens, 2011, de Jon Favreau) // Puntaje: 3/5
4: En un mundo mejor (In a better world, 2010, de Susanne Bier) // Puntaje: 3/5
5: El mundo según Barney (Barney's version, 2010, de Richard J. Lewis) // Puntaje: 3/5

Julio:
1: De dioses y hombres (Des hommes et de dieux, 2010, de Xavier Beauvois) // Puntaje: 4/5
2: Copia certificada (Copy Conforme, 2010, de Abbas Kiarostami) // Puntaje: 3.5/5
3: Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2 (Harry Potter and the deathly hallows: Part 2, 2011, de David Yates) // Puntaje: 3.5/5
4: Loco y estúpido amor (Crazy, stupid, love., 2011, de John Requa y Glenn Ficarra) // Puntaje: 3/5
5: Capitán América: El primer vengador (Captain America: The first Avenger, 2011, de Joe Johnston) // Puntaje: 3/5

Junio:
1: Carlos (Carlos, 2010, de Olivier Assayas) // Puntaje: 4/5
2: Blue Valentine: Una historia de amor (Blue Valentine, 2010, de Derek Ciafrance) // Puntaje: 4/5
3: El laberinto (Rabbit Hole, 2010, de John Cameron Mitchell) // Puntaje: 3.5/5
4: 8 minutos antes de morir (Source Code, 2011, de Duncan Jones) // Puntaje: 3.5/5
5: X-Men: Primera generación (X-Men: First Class, 2011, de Matthew Vaughn) // Puntaje: 3.5/5

Mayo:
1: Incendies (Incendies, 2010, de Denis Villeneuve) // Puntaje: 4/5
2: Rápidos y Furiosos 5: Sin Control (Fast Five, 2011, de Justin Lin) // Puntaje: 3.5/5
3: Culpable o inocente (The Lincoln lawyer, 2011, de Brad Furman) // Puntaje: 3.5/5
4: Winnie the Pooh (Steven J. Anderson y Don Hall) // Puntaje: 3/5
5: Poder que mata (Fair game, 2010, de Doug Liman) // Puntaje: 3/5

Abril:
1: El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (Lung Bunmi raleuk chat, 2010, de Apichatpong Weerasethakul) // Puntaje: 4/5
2: Ajami (Ajami, 2010, de Scandar Copti y Yaron Shani) // Puntaje: 3.5/5
3: Los Marziano (Los Marziano, 2011, de Ana Katz) // Puntaje: 3.5/5
4: Scream 4 (Scream 4, 2011, de Wes Craven) // Puntaje: 3/5
5: Thor (Thor, 2011, de Kenneth Branagh) // Puntaje: 3/5

Marzo:
1: Rango (Des hommes et de dieux, 2011, de Gore Verbinski) // Puntaje: 3.5/5
2: Un feriado particular (Pranzo di Ferragosto, 2009, de Gianni di Gregorio) // Puntaje: 3.5/5
3: Nunca me abandones (Never let me go, 2010, de Mark Romanek) // Puntaje: 3.5/5
4: Un despertar glorioso (Morning glory, 2010, de Roger Michell) // Puntaje: 3/5
5: Infierno al volante 3D (Drive angry 3D, 2011, de Patrick Lussier) // Puntaje: 3/5

Febrero:
1: El discurso del rey (The king's speech, 2010, de Tom Hooper) // Puntaje: 4/5
2: El cisne negro (Black swan, 2010, de Darren Aronofsky) // Puntaje: 4/5
3: Temple de acero (True Grit, 2010, de Ethan y Joel Coen) // Puntaje: 4/5
4: Lazos de sangre (Winter's bone, 2010, de Debra Granik) // Puntaje: 4/5
5: 127 Horas (127 Hours, 2010, de Danny Boyle) // Puntaje: 4/5

Enero:
1: Volver al futuro (Back to the future, 1985, de Robert Zemeckis) // Puntaje: 4/5
2: Imparable (Unstoppable, 2010, de Tony Scott) // Puntaje: 3.5/5
3: Más allá de la vida (Hereafter, 2010, de Clint Eastwood) // Puntaje: 3/5
4: Enredados (Tangled, 2010, de Byron Howard y Nathan Greno) // Puntaje: 3/5
5: De amor y otras adicciones (Love and other drugs, 2010, de Edward Zwick) // Puntaje: 3/5

Atrapada en su propio laberinto

2011-10-15T17:49:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Daniel Craig y Rachel Weisz (ahora pareja en la vida real) en una casa embrujada.
2: La bellísima Naomi Watts juega un papel importante en otra película de sueños.
3: Esperemos que vuelva Bond, pronto.
______________________________________________________________
Dream House:
Título en Argentina: Detrás de las Paredes
Dirección: Jim Sheridan
Guión: David Loucka
Música: John Debney
Fotografía: Caleb Deschanel
Edición: Glen Scantlebury, Barbara Tulliver
Con: Daniel Craig (Will Atenton). Naomi Watts (Ann Paterson). Rachel Weisz (Libby).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 35/100
ARG: Todaslascríticas: 49%
IMDb: 5.4/10
______________________________________________________________

¿Qué tan mal puede salir una película que tiene como principales actores al actual 007 (Daniel Craig) y a dos de las actrices más bonitas que el cine haya visto (la ganadora del Oscar Rachel Weisz y Naomi Watts, que para quien suscribe, es la actriz más linda en la actualidad)? La respuesta a esta pregunta está en Detrás de las Paredes, que de todos los misterios que esconde (y son muchos), quizás ese sea el más interesante. La narración del film es un desastre: los giros -supuestamente reveladores- son demasiado previsibles, los personajes toman decisiones que nadie puede entender (según sus propias reglas y su propio mundo) y para más, la película tiene una crisis de identidad. Mezclar géneros es un indicio de maestría, algo que Jim Sheridan obviamente no ha logrado. Detrás de las Paredes comienza como una película de terror fantástico, pero rápidamente se vuelca al thriller psicológico, para pasar al policial más simple y chato y culminar (spoiler: puede pasar al párrafo siguiente si prefiere) con una nota pseudo romántica/fantástica. La música de los créditos finales así refleja todo esto, sin mencionar que el título original es Dream House. Si los films de Scorsese y Nolan sobre los sueños fueron justamente criticados (aún con sus aciertos, que los tienen) imaginen este film.
Detrás de las Paredes narra la historia de un escritor que cansado de la vida urbana decide mudarse con su familia a un lugar más tranquilo. Pero lo que sus vecinos nunca le dijeron es que en la nueva casa se cometieron terribles asesinatos. Casualmente, un hombre enloqueció y asesinó a su esposa y a sus dos hijas. Adivinaron: el personaje de Daniel Craig tiene una esposa y dos hijas. Para más, una vecina tiene una mirada sospechosa, pero más nos hace sospechar a nosotros que está involucrada en algo mucho más importante que lo que parece, no sólo porque sea Naomi Watts, sino porque nunca se puede esconder que ese personajes "secundario" es, en realidad, bien "primario". Del mismo modo no se pueden evitar que las revelaciones estallen frente a nuestros ojos, seamos espectadores avezados o no, mucho antes de que ocurran. Lo que queda es un film que se siente como rutina pura, y ni siquiera prolija.

Animación en 1D

2011-10-15T17:19:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Los pocos gags que funcionan son los de la serie de televisión...
2: Si hasta los personajes tienen errores gráficos, imaginen los escenarios.
3: Sabemos que no es su culpa, Don Gato...
______________________________________________________________
Don Gato y su Pandilla:
Título en Argentina: Don Gato y su Pandilla
Dirección: Alberto Mar
Guión: Kevin Seccia, Tim McKeon
Música: Leoncio Lara
Voces: Rául Anaya (Don Gato). Jorge Arvizu (Benito). Mario Castañeda Partido (Lucas Buenrostro).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: --/100
ARG: Todaslascríticas: 59%
IMDb: 5.2/10
______________________________________________________________

En esta época donde toda película se promociona en 3D, todavía hay algunas que no entienden que el cine es en 3D sin necesidad de anteojitos. Que haya que trabajar la profundidad en 2D es otra cosa. El problema es cuando, aún con los anteojos puestos (o sin ellos, es lo mismo), ni siquiera se logra un mínimo de profundidad de campo. No digo que las caricaturas en pantalla parezca realizadas en el Antiguo Egipto -sólo porque no están de perfil todo el tiempo- sino que nunca logran "despegarse" del fondo. Esta es una producción argentina-mexicana, pero el resultado es muy pobre. No sólo porque la animación es fea (escenarios pixelados, mandíbulas mal "recortadas") sino porque "lo demás" (hablando de una película animada, no es poco) es catastrófico.
Una secuencia involucra una persecución entre Matute (el oficial de policía degradado por el villano de turno, que vigila la ciudad con cámaras de vigilancia y robots) y Don Gato (el gato que con mucho ingenio se las arregla para conseguir lo que quiere): termina en un choque múltiple con un violinista, gente despavorida huyendo de un teatro, y una lluvia artificial de extintores activados por accidente. Nada de lo que sucede en pantalla resulta gracioso (el slapstick es muy básico) y los remates o one-liners no ayudan en nada, incluso resultan un poco ofensivos (uno de los gatos de la banda, Demóstenes, decide crear una distracción vendiendo caramelos y anuncia a los gritos: "La gorda da 10 pesos por un chocolate: ¿quién da más?". Más tarde habrá perros metálicos, perros que se creen gatos, gorilas con moños (en una de las secuencias más increíbles, en el peor de los sentidos, de la película), mafiosos, caballos elegantes, y villanos feos que se creen lindos. Es una mezcla que nunca se siente orgánica, como si por poner todos esos elementos que distan de ser originales, el producto fuera gracioso per se. La sensación que deja Don Gato y su Pandilla es que los gags que realmente funcionan son los que eran parte de la serie (los de la secuencia de introducción y algunos más) pero el resto es silencio. Hablando de una película que apunta a divertir a los más chicos, es un silencio inquietante y molesto.

Filmar sobre danza

2011-10-12T18:06:00.000-07:00

Looking Closer:
1: La película es toda una inmersión en el mundo de la danza contemporánea.
2: La hermosa secuencia de Vollmond es toda celebración.
3: La compañía de bailarines de Pina Bausch rinde tributo a su Maestra.
______________________________________________________________
Pina:
Título en Argentina: Pina
Dirección: Wim Wenders
Guión: Wim Wenders
Música: Thom
Fotografía: Hélène Louvart
Edición: Toni Froschhammer
Con: Pina Bausch. Tanztheater Wuppertal.
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: --/100
ARG: Todaslascríticas: 81%
IMDb: 7.9/10
______________________________________________________________

Thelonious Monk decía que escribir sobre música era como bailar sobre arquitectura. Algo así se siente al intentar abordar la nueva y ambiciosa obra que Wim Wenders, el director de París, Texas, planeó junto a Pina Bausch. Es un proyecto que nació en la década de 1980 y recién se materializó en este 2011. Entre medio muchas cosas han cambiado y todo el documental estuvo a punto de quedar en la nada cuando la famosa coreógrafa falleció en el 2009. Pero la tristeza por la pérdida de una de las más grandes bailarinas de la danza contemporánea se convirtió en una celebración: a un estilo, a una estética, y a una forma de ver la vida y el arte.
Sin seguir los lineamientos estrictos de un documental, Wenders realiza, junto a la compañía de danza Tanztheater Wuppertal, un homenaje a Pina. Su carrera a través de Café Müller, Le sacre du Printemps, y Vollmond -con un escenario lleno de agua-, entre otros, es especialmente conmovedora. Uno puede no "entender" de danza contemporánea, pero difícilmente salga impávido ante la belleza de los movimientos de los bailarines, acompañados por sus propios recuerdos de la Maestra (aunque algunos de estos testimonios, con voz en off y dirigidos al espectador, interrumpan la danza).
Wim Wenders quiere que esta sea una experiencia totalmente inmersiva: que el espectador se sienta atraído por estas imágenes tan bonitas. Así lo logra: combina el material de manera que resulte conmovedor, pero principalmente alegre y cómico. No hay tristeza en esta película: solo el regocijo por disfrutar el legado de una artista. Se entiende así la utilización del 3D que desde Avatar (de James Cameron) hasta ahora, es de lo mejor que se ha visto en el cine. No es casualidad que ambos directores filmaran sus respectivos películas con las cámaras Real 3D. Es fundamental que no sea un trabajo de producción y que Wenders entienda que el 3D está pensado en un plano bidimensional. Borrando las fronteras de cine comercial y cine de autor, esta es una película que puede ser disfrutada por cualquiera, aún cuando le resulte complicado expresar por qué le gustó lo que le gustó.

Estrenos 13/10/11

2011-10-12T16:43:00.000-07:00

Don Gato y su Pandilla (Top Cat, 2011, de Alberto Mar)

Puntaje: 1/5
Voces: Rául Anaya, Jorge Arvizu.
Comentario: Los clásicos personajes de Hanna-Barbera hacen su primera aparición en la pantalla grande en su quincuagésimo aniversario, por una coproducción entre Argentina y México. Don Gato y sus amigos (Benito, Panza, el oficial Matute y más) se verán en una encrucijada cuando el villano Lucas Buenrostro controle la ciudad con unos sofisticados robots. Poco del humor de la serie quedó en esta versión, que si apenas logra ser simpática, es por mérito de los personajes inoxidables del viejo show. La animación es decadente y demasiado pobre, pero eso no irrita tanto como una película que no tiene gracia ni humor, que es en definitiva, la mejor descripción que se puede hacer de Don Gato y su Pandilla.

Detrás de las Paredes (Dream House, 2011, de Jim Sheridan)

Puntaje: 2/5
Con: Daniel Craig. Rachel Weisz. Naomi Watts.
Comentario: Una familia se muda a una casa en las afueras de la ciudad. La vivienda parece tranquila y romántica hasta que se enteran que un terrible asesinato sucedió allí. El padre, un escritor, empieza a investigar sólo para que las pistas lo lleven más y más a una inquietante sorpresa. Hay muchos giros en el guión de Dream House, que confunde todo el tiempo el thriller psicológico con el terror, la fantasía y hasta el cine romántico. Ese es uno de los problemas: el otro es que por más vueltas de tuercas que se le dé, esta es una película previsible en el peor de los sentidos. Apenas el trío protagónico la salva.

Asesinos de Elite (Killer Elite, 2011, de Gary McKendry)

Puntaje: 2.5/5
Con: Jason Statham. Clive Owen. Robert De Niro.
Comentario: Una historia de espías, asesinos por encargos, agentes retirados, traiciones, persecuciones y peleas a muerte. De eso se trata Asesinos de Elite, que por momentos consigue congeniar todo en un buen producto. Jason Statham es un ex-agente del servicio secreto británico contratado para asesinar a distintas personas acusadas, a su vez, de haber eliminado a los hijos de un poderoso jeque árabe. Clive Owen es el ex-miembro de SAS (Special Air Service) que rastrea a Statham y su equipo. Robert De Niro es el mentor, cautivo en manos de los árabes. Este juego de espías cruza cualquier frontera para llevar los engaños y las explosiones a cualquier parte del mundo, aunque a veces resulte más bien confusa.

Demasiado acero y poca sangre

2011-10-08T17:24:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Obviamente, está la típica secuencia de entrenamiento. Zzz...
2: Los modelos de los robots están bastante bien y tienen personalidad. Casi más que los humanos.
3: Hugh Jackman es el perdedor que hace unos años interpretó Mickey Rourke, pero en versión para chicos.
______________________________________________________________
Real Steel:
Título en Argentina: Gigantes de Acero
Dirección: Shawn Levy
Guión: John Gatins.
Basado en la historia de: Dan Gilroy, Jeremy Leven.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Mauro Fiore.
Edición: Dean Zimmerman.
Con: Hugh Jackman (Charlie Kenton). Dakota Goyo (Max). Evangeline Lilly (Bailey). Anthony Mackie (Finn).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 56/100
ARG: Todaslascríticas: 72%
IMDb: 7.0/10
______________________________________________________________

Hugh Jackman es Charlie, un perdedor que se la pasa viajando en su casa rodante con los pedazos de chatarra de lo que alguna vez fueron grandes robots. Los modelos, otrora campeones, quedan reducidos a pedazos cuando él se encarga de dirigirlos. En el futuro los boxeadores son reemplazados por gigantes mecánicos que no hacen más que obedecer las órdenes de sus dueños. Uno creería que deberían ganar siempre aquellos con el mejor equipamiento que el dinero pueda comprar y en efecto así es. El actual campeón está comandado por fríos directivos que hacen del deporte un negocio. Casi como una parábola de esta película (dirigida por Shawn Levy, de La Pantera Rosa y Una Noche en el Museo) que sigue al pie de la letra el manual de las películas de boxeo y se sostiene demasiado en la simpatía que nos puedan causar sus estereotipados personajes.
Cuando el personaje que más gracia y corazón inspira es un robot (Atom, la fábula del underdog que tiene una chance en su vida) se nota que estamos en problemas. Charlie es una versión adaptada para los más chicos de Randy "The Ram" (Mickey Rourke) en The Wrestler, que de por sí era una suerte de parodia a estos personajes re-interpretados hasta el cansancio. Dakota Goyo es Max, el hijo que llega por obligación (el padre acepta cuidarlo por unos meses a cambio de dinero) pero es demasiado listo para preocuparse por su progenitor. La dinámica entre los dos, un poco conflictiva al principio, no tardará en dar sus frutos. Empezarán una travesía alrededor del país entrenando al robot que parece ser el indicado, sólo ante la vista del menor. ¿La moraleja? Todos pueden tener su oportunidad. Esa es la conocida. Por otro lado se plantea una más o menos "nueva": las relaciones humanas todavía pueden darle batalla a las frías organizaciones ultra-sofisticadas y su avanzada tecnología. Es una lástima que no haya un corazón latente en esta película, que se siente demasiado estereotipada como para ser sincera con lo que nos está diciendo. Todo se trata de terminar y lograr que los niños quieran comprar algún juguete de los robots. Al menos están bien diseñados y la película, en términos puramente técnicos, está bien. ¿Suficiente? Depende el grado de simpatía que logre usted con los personajes.

Estrenos 6/10/11

2011-10-08T16:47:00.000-07:00

Actividad Paranormal 0: El Origen (Paranômaru akutibiti: Dai-2-shô: Tokyo Night , 2010, de Toshikazu Nagae)

Puntaje: 1.5/5
Con: Noriko Aoyama, Aoi Nakamura
Comentario: Después del éxito de la película original (por si alguno no lo sabe: una película de terror independiente que gracias a una inteligente campaña de marketing terminó siendo uno de los grandes blockbusters del año) llega Actividad Paranormal 0, que es casi la misma película pero ahora en Japón. Es un decir, porque la cámara está casi todo el tiempo confinada a una habitación, siempre a la espera de que suceda algo. Ese "algo" que debería funcionar como terror psicológico no lo hace y la espera se hace interminable. El "0" del título termina siendo profético para la emoción que causa ver esta película, donde poco y nada es rescatable.

Justicia Final (Conviction, 2010, de Tony Goldwin)

Puntaje: 2.5/5
Con: Hilary Swank. Sam Rockwell.. Melissa Leo.
Comentario: Hilary Swank interpreta a una muchacha de un pueblo rural de Estados Unidos que sospecha que su hermano ha sido encarcelado de por vida, injustamente. Claro, al hombre (Sam Rockwell) no le faltan motivos para que uno sospeche que la sentencia fue adecuada, pero la película nos sugiere que algo extraño hay en el caso. Así, la protagonista pasa a ser una heroína en la vida, mientras estudia abogacía para liberar a su hermano y lucha para no descuidar su vida personal, como si fuera Erin Brokovich. Basado en una historia real, este film no duda en apelar al sentimentalismo y algunos trucos no siempre efectivos para generar algo de emoción en el espectador.

Gigantes de Acero (Real Steel, 2011, de Shawn Levy)

Puntaje: 2.5/5
Con: Hugh Jackman. Evangeline Lilly.
Comentario: La historia de un boxeador retirado que se gana la vida -bueno, es una forma de decir- con robots de pelea. Parado en el lugar del entrenador, se lamenta con cada nueva adquisición: no puede ni siquiera ganarle a un toro de rodeo, mucho menos entrar en el campeonato mundial de box. Hasta que recibe la llegada de su hijo, de 11 años, del cual apenas sabe el nombre. La relación entre un hombre poco preparado para ser padre y un chico bastante inteligente dará frutos en la vida y en el ring. Shawn Levy inyecta a la historia con todos los clichés del subgénero de box: eso hace que los personajes se queden en estereotipos y apenas algunos robots se sientan verdaderamente humanos.

Pina (Pina, 2011, de Wim Wenders)

Puntaje: 3.5/5
Con: Regina Advento. Malou Airaudo.
Comentario: El director alemán de Paris, Texas dirige este documental sobre Pina Bausch. Pero no es una película sobre su vida, como todos suponemos. Este es más bien un homenaje a su obra, a su arte, con coreografías interpretadas por diversos artistas. Las diversas interpretaciones son interrumpidas por las palabras de los que están en pantalla que recuerdan a la mujer (fallecida en 2009) y su legado en la danza contemporánea. Los diversos homenajes al aire libre y con un ingenioso juego de cámaras, están ayudados por el efecto 3D (se filmó con las mismas cámaras que Avatar, de James Cameron) que logran crear una atmósfera particular y envolvente.

El Rey León (The Lion King, 1994, de Roger Allers, Rob Minkoff)

Puntaje: 4/5
Voces: Matthew Broderick. James Earl Jones. Jim Cummings.
Comentario: Más de 10 años después de su salida original, se re-estrena este clásico de la segunda etapa de oro de Disney (aquella que incluye otros musicales como La Sirenita, La Bella y la Bestia y El Jorobado de Notre Dame). La reconversión en 3D resta antes que sumar (la animación está concebida en profundidad y en el tono cromático para ser vista en 2D) y algo del efecto se pierde. De todos modos, es una película que todavía no ha perdido la fuerza. Las canciones son pegadizas (incluyendo Can You Feel The Love Tonight, por la cual Elton John ganó el Oscar) y los personajes son muy simpáticos. Quizás no sea el clásico más grande de Disney, pero hoy en día es el mejor estreno de la semana.

Novedades de Septiembre 2011

2011-09-30T10:03:00.000-07:00

Semana 29/9 - 5/10

- Estrenos
- Crítica: El Árbol de la Vida
- Crítica: Conan, el Bárbaro
- Predicciones para el Oscar 2011

Semana 22/9 - 28/9

- Estrenos
- Entrevista: Santiago Palavecino, director de La Vida Nueva
- Crítica: Damas en Guerra

Semana 15/9-21/9

- Estrenos

- Crítica: Noche de Miedo
- Estrenos en DVD/BD
- Notas: Las 10 mejores películas del 2010

Semana 8/9-14/9
- Estrenos
- Crítica: Amigos con beneficios
- Estrenos en DVD/BD

Semana 1/9-7/9
- Estrenos
- Crítica: Mi primera boda
- Crítica: Destino Final 5
- Estrenos en DVD/BD
- Mejores estrenos: Enero-Agosto

<<Ver mes anterior

De espadas, sangre, monstruos y pocos sesos

2011-09-28T19:42:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Jason Momoa puede aspirar más a ser el próximo gobernador de California que a tener una digna carrera en el cine.
2: Las chicas con las chicas y los chicos con los chicos.
3: Puede haber invertido la plata que quiera, pero el resultado se ve barato (por no decir feo).
______________________________________________________________
Conan the Barbarian:
Título en Argentina: Conan: El Bárbaro
Dirección: Marcus Nispel
Guión: Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer, Sean Hood.
Basado en la historia de: Robert E. Howard
Música: Tyler Bates
Fotografía: Thomas Kloss
Edición: Ken Blackwell
Con: Jason Momoa (Conan). Stephen Lang (Khalar Zym). Rachel Nichols (Tamara). Ron Perlman (Corin).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 36/100
ARG: Todaslascríticas: 44%
IMDb: 5.3/10
______________________________________________________________

El problema con Conan: El Bárbaro, no es que el nuevo protagonista (Jason Momoa, ocupando el lugar de Arnold Schwarzenegger en el film de culto de 1982) no tenga gracia. Eso hasta podría ser un acierto, porque el film no intenta hacer de Conan -el personaje- un tipo simpático o agradable. El guerrero cimerio es bruto, salvaje y por demás violento. Está bien, es un bárbaro, y su rutina en Hybora incluye liberar prisioneros (aunque casi los mate a todos, en su intento de rescate), quedarse con las mujeres más bellas, decapitar nigromantes y pelear contra bestias míticas. Ni siquiera importa que sea la venganza su única motivación (¿cuántas historias -atrapantes- hay de venganza?). El verdadero problema es que Marcus Nispel nunca puede darle algo de alma a unapelícula que se siente como rutina pura.
El otro problema es Jason Momoa. Cualquiera de los actores secundarios es más interesante que él. Stephen Lang (el militar que bebía café mientras derribaba árboles en Avatar) es un poderoso hechicero que ansía revivir a su fallecida mujer, con ayuda de su hija, la engañosa Marique (Rose McGowan, con un manquillaje que hace que su belleza sea tétrica). La búsqueda de sangre de Conan no se detendrá mientras ambos sigan con vida. En el camino conocerá algunos aliados y enemigos, de breves minutos en pantalla. Cada uno cumple el rol indispensable en una película moderna de aventuras. Está el estafador cobarde, el torpe y bruto guardia carcelero, el amigo (también bruto) pero de buen corazón. Claro, que los verdaderamente importantes son el padre de Conan (Ron Perlman, en otro desastre de fantasía y batallas, después de Cacería de Brujas) y el interés romántico, protagonizado por la ignota Rachel Nichols.
Sí: hay escenas cruentas de batallas, hechizos, monstruos descomunales, sexo, violencia, y hectolitros de sangre. Decididamente esta vez la fantasía no es una propuesta para chicos. No hay nada de malo en eso, pero nada se siente como un conjunto orgánico (parecen injertos para tratar de complacer a los fanáticos). Si a eso le sumamos que aún con todos los miles de dólares invertidos todo se ve falso (especialmente la barba de Perlman y los tentáculos de un pulpo gigante) lo único que nos queda es un Conan, bárbaro, sí, pero nada memorable.

Estrenos 29/9/11

2011-09-28T18:28:00.000-07:00

El guardián del zoológico (Zookeeper, 2011, de Frank Coraci)

Con: Kevin James. Rosario Dawson. Leslie Bibb. Ken Jeong.
Comentario: Griffin es el guardián del zoológico. Sabe como cuidar, jugar y alimentar a cada uno de los animales, pero su trabajo no parece ser lo suficiente para conseguir la atención -el compromiso- de la chica de sus sueños. Decide abandonar su trabajo y conseguir uno mejor, pero los animales, que pueden hablar (aunque no lo hagan en público) planean retenerlo y "entrenarlo" para conquistar a la chica. Algunos chistes físicos funcionan, pero Kevin James no aporta demasiada gracia a una rutina bastante desgastada. Ni hablar los animales, que parece una mala mezcla de animación computarizada con hombres escondidos en trajes de gorilas. Puntaje: 2/5

Conan, el bárbaro (Conan the Barbarian, 2011, de Marcus Nispel)

Con: Jason Momoa. Stephen Lang. Rachel Nichols. Ron Perlman.
Comentario: La historia llena de venganza y violencia de Conan, el cimerio, que busca a los asesinos de su padre a través de todo el reino de Hyboria. Hay nigromantes, bestias mitológicas, sangre, descuartizamientos, estafadores, brujas y damas en peligro. Todo el conjunto de clichés fantásticos a la orden del día, en una película que decididamente no es para menores (abundan las decapitaciones, el sexo y el lenguaje adulto). Remake con bastantes libertades del film de culto de título homónimo, protagonizado por Arnold Schwarzenegger. En este caso, el protagonista es Jason Momoa, que sufre del mismo mal que la película: pareciera no tener alma. Puntaje: 2/5

La princesa de Montpensier (La princesse de Montpensier, 2010, de Michel Leclerc)

Con: Mélanie Thierry. Lambert Wilson.
Comentario: Adaptación de la novela de Madame de La Fayette de 1662, narra la historia de una joven francesa cuya casamiento es forzado por su padre, el rey. Pero ella secretamente sigue amando a su anterior prometido. La reconstrucción de época y la ambientación seguramente llamará la atención de los amantes del (sub)género. Incluyendo secuencias de batalla, esta historia épica romántica, atraviesa distintos géneros y varios puntos de interés (los casamientos por conveniencia, la relación entre de amistad entre el Conde y el Príncipe, las guerras católicas). Puntaje: 3/5

El Árbol de la Vida (The Tree of Life, 2011, de Terrence Malick)

Con: Brad Pitt. Jessica Chastain. Sean Penn.
Comentario: La historia de la creación (y el fin) del Universo, la aparición de la vida en la Tierra y la relación de un niño (Hunter McCracken) con su padre y su madre. Es una película ambiciosa, desmesurada, una proeza visual, un relato poético y emotivo sobre todas las cosas que nos maravillan de la vida. Es la épica sobre la humanidad y su conexión con la naturaleza y la gracia divina. En dos horas veinte, Terrence Malick se propone una tarea titánica y logra establecer una verdadera conexión humana con los imágenes deslumbrantes (su principal referente visual es 2001: Odisea del Espacio, de Kubrick) que vemos en pantalla. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, es una de las grandes películas del año. Seguramente despertará enojos y amores igualmente pasionales (de hecho, en Estados Unidos pusieron carteles aclarando que no devolvían el dinero por la película y en España sí lo devolvían si uno se retiraba antes de los 30 minutos) pero de eso se trata: cada uno es libre de interpretar y sentir como le plazca una obra de arte. Puntaje: 4.5/5

Tan compleja, triste y hermosa como la vida misma

2011-09-27T20:22:00.000-07:00

Looking Closer:
1: El film utiliza como vértebra la relación entre el padre (Brad Pitt) y el protagonista (Hunter McCracken).
2: Está lleno de momentos donde hay sólo "imágenes lindas" pero se complementan con la visión general.
3: A veces los símbolos son demasiado obvios. Más que nada en el tercer acto.
______________________________________________________________
The Tree of Life:
Título en Argentina: El Árbol de la Vida
Dirección: Terrence Malick
Guión: Terrence Malick
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Edición: Billy Weber, Hank Corwin, Jay Rabinowitz, Daniel Rezende, Mark Yoshikawa.
Con: Brad Pitt (Mr. O'Brien). Jessica Chastain (Mrs. O'Brien). Hunter McCracken (Jack, joven). Sean Penn (Jack, adulto).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 85/100
ARG: Todaslascríticas: 88%
IMDb: 7.6/10
______________________________________________________________

Unless you love, your life will flash by.

En casi dos horas veinte, Terrence Malick se propone a englobar toda la alegría, la tristeza, el drama y la épica que significa ser humano. Al lado de eso, la creación y la destrucción de la Tierra (del universo, también) queda como algo... pequeño. Es un film demesurado y desproporcionado pero en el buen sentido: la odisea (del espacio) visual remite a 2001, de Stanley Kubrick, sólo por hablar de uno de sus referentes. Pero en esa visión bigger (¿o deberíamos decir equal?) than life lo primordial son todos los aspectos que nos constituyen como personas; el vínculo que establecemos con la naturaleza y la religión.
En esta aventura ambiciosa, Malick pone especial atención a los pequeños detalles de las vivencias de Jack (Hunter McCracken, el verdadero protagonista de la película) en su hogar de clase media en Texas, alrededor de la década de 1950. La cámara capta con ángulos panorámicos todas aquellas cosas hermosas que nos llaman la atención: desde la cara de un bebé reposando en el hombro de la madre, hasta el andar del padre por una fábrica nueva y limpia, luego vieja y corroída por el paso del tiempo. Esas son las cosas que verdaderamente interesan. La magnitud de lo que vemos en pantalla nos recuerda que somos seres finitos, apenas "algo" en el cosmos. Jack, el menor, crece entre el orden (el cosmos) representado por el padre (en una primera visión puede parecer demasiado estricto: no lo es) y el desorden (el caos) representado por la madre. Para Pitágoras el universo se rige entre la armonía musical y la armonía cosmológica: en la película todo tiene un rol musical, incluso los silencios. Escuchamos composiciones de Brahms, Taverner, Berlioz, mezclados con la música original de Alexandre Desplat (como siempre, una gran partitura nunca altisonante, nunca en primer plano, que se complementa con el resto de los "apartados técnicos"). Toscanini es el referente del Señor O'Brien (Brad Pitt que compone en cada gesto, cada mirada, cada arranque de furia, no un concepto, sino a un personaje). Él trata de llevar la orquesta, su familia, con armonía, pero pronto descubre que es una tarea bastante complicada. Sigue el camino de la gracia (como anuncia la madre al principio: "Hay dos caminos en la vida: el de la gracia y el de la naturaleza. Hay que elegir a cuál seguir") pero cuestiona las cosas que le suceden, no entiende ni comprende como es que Dios permite que sucedan las cosas que, efectivamente, suceden. Aunque a veces los voice-over de la madre irritan un poco (parecen llenos de filosofía new-age, explicativos y pretenciosos) el film nos recuerda que se adopta al punto de vista de esta familia tradicional norteamericana de religión católica. Desde esa cosmovisión interpreta el resto.
Si Akira Kurosawa filmó Ran siempre por encima del hombro los personajes, dando la sensación de que veíamos todo desde el punto de vista de un Dios, Malick parece embobarse, maravillarse, con tantos planos en contrapicado de edificios, personas, luces, sombras... es como si viera todo como la más grande y bella creación. La creación del universo, los girasoles, las nubes, todo está filmado con extrema delicadeza. Es cierto que eso mismo se parodiaba en la grandísima Adaptation. (El ladrón de orquídeas, de Spike Jonze) pero aquí todo está tan bien hecho, con tanto decoro y prolijidad que lo que hubiese sido banal termina siendo poético. No se trata de descifrar símbolos, como si fuera una película de Ingmar Bergman. Walter Lippmann decía que todos creemos en imágenes preexistentes en nuestras mentes (los tan mentados preconceptos o prejuicios) y convertimos las ideas en símbolos. Malick deconstruye todas estas imágenes inconexas a priori, para que el sentido se lo otorgue el espectador. El ritmo, la deconstrucción, permite que se derriben todos esos prejuicios, esas ideas preconcebidas de esto y aquello. Eso, claro, hasta el tercera acto, donde -sin adelantar nada-, la película nos dice, nos indica qué es lo deberíamos pensar y sentir. Es un error donde muchos grandes cineastas han caído (recientemente, Peter Jackson con The Lovely Bones y Clint Eastwood con Hereafter).
Brad Pitt no es el único actor que brilla. Desde el pequeño Hunter McCracken, la mística Jessica Chastain -uno de los nombres más promisorios del cine, de aquí en más con su voz celestial y pasiva-, hasta la breve aparición de Sean Penn, todos son funcionales al relato. A veces el tono filosófico agota, los personajes hablan poco pero pareciera que hablan de más (otra vez: el voice-over el personaje de Chastain), alguna secuencia onírica molesta (de nuevo, involucra a Chastain, esta vez, volando) y el tercera acto que sí bordea lo banal. Pero son reparos más bien menores en una obra con tantos aciertos. Es como si el protagonista desquiciado, rebelde, enorme, que se devora la película, fuera la película misma. Ya saben: el ciudadano Kane, el Daniel Plainview, es el mismo director. Necesitamos de la épica en nuestras vidas, y también en el cine. Este es un relato épico, no sólo por la escala, sino por la atención con la que está realizada. David Lean borraba las huellas que dejaba la producción y los camellos antes de cada toma en Lawrence de Arabia. Tal trabajo no se puede apreciar, pero nos da una idea enorme de lo que es la película.
La primera vez que salí de la sala de cine, experimenté cierta confusión: admiraba la película y había podido conectar emocionalmente, pero también comprendía algunas de las quejas con la narración del film. Luego de verla por segunda vez, comprendí que la narración no es compleja. Hasta se podría decir que es clásica, salvo por un par de saltos temporales. También entendí que todos los "grandes temas" que recorre la película quedan pequeños, porque se centra en algunos puntos en cuestión, no en todos. Ahí está el acierto: la familia es la columna vertebral del film, el modo en que la entendamos hará que veamos una obra mayor o menor. De eso se trata el arte: de interpretar y conmovernos. No de imágenes grandilocuentes o temas serios. El Árbol de la Vida, ante todo, conmueve.

Predicciones para el Oscar 2011: Parte I

2011-09-25T21:09:00.000-07:00

Lo que sigue es una lista de predicciones para la categoría Mejor Película para el Oscar 2011. Los académicos decidieron volver a cambiar las reglas: no habrá necesariamente 10 nominadas. El mínimo es 5, el máximo es 10, pero recién sabremos cuántas quedarán en la categoría el día que anuncien las nominaciones. La lógica indica que quedarán 7 u 8 películas, pero... ¿quién sabe? Casi en orden, acá van mis predicciones. Debajo de la lista el comentario sobre por qué elegí cada una.

Casi seguras:

- War Horse
- The Artist
- Extremely Loud and Incredibly Close
- Moneyball

Con muchas posibilidades:

- Tinker, Tailor, Soldier, Spy
- J. Edgar
- The Descendants

Casi afuera, casi adentro:

- The Tree of Life
- The Help
- Midnight in Paris

Con pocas probabilidades (por ahora):

- A Dangerous Method
- Shame
- The Girl with the Dragon Tattoo

Casi seguras:

War Horse: Steven Spielberg adapta una obra de teatro ganadora del premio Tony (el Oscar del teatro, ejem) donde un soldado arriesga su vida buscando a su caballo en la Primera Guerra Mundial. La película se podría haber llamado OSCAR y listo.

The Artist: Película muda, en blanco y negro, en formato 4:3, sobre un actor de cine mudo al que se le viene el mundo abajo cuando llega el cine sonoro. Todos talentos franceses desconocidos para la mayor parte de la población mundial. Para los cinéfilos, del director y actor de las grandes OSS 117. Produce Harvey Weinstein (El paciente inglés, Shakespeare apasionado, El discurso del rey).

Extremely Loud and Incredibly Close: Tom Hanks y Sandra Bullock protagonizan este drama sobre un chico que busca la llave para abrir un cofre que le dejó su papá, fallecido en el atentado del 11 de Septiembre. Dirige Stephen Daldry, nominado por Billy Elliot, Las Horas y El lector.

Moneyball: Este podría ser (como podría no ser) el año de Brad Pitt. Interpreta al técnico de un club de baseball que salió del fracaso a la gloria. Segunda película de Bennett Miller, el director de Capote. Produce Scott Rudin (Red Social).

Con muchas posibilidades:

Tinker, Tailor, Soldier, Spy: Siempre hay algún comodín del Reino Unido (Enseñanza de vida, El discurso del rey). En este caso, Gary Oldman interpreta a un espía que seguramente lo lleve a una nominación como actor protagónico. Estilizado thriller que rememora a los films de espías -serios- de los '70. Dirigida por Tomas Alfredson (Criatura de la noche o Let the right one in).

J. Edgar: Las últimas películas del viejo Clint (dicho con cariño) fueron totalmente ignoradas para los premios mayores (aún cosechando nominaciones para los rubros de actores). Pero el drama de época sobre el creador del FBI, J. Edgar Hoover, quien parece que nunca salió del clóset, seguramente lo acerque al premio mayor de nuevo. Con guión de Dustin Lance Black (Milk).

The Descendants: Alexandre Payne (Entre copas) dirige una nueva comedia dramática sobre hombres con la crisis de la mediana edad. En este caso, George Clooney es el principal caballito de batalla. Los académicos son hombres mayores que gustan (mucho) de estas historias.

Casi afuera, casi adentro:

The Tree of Life: Ganar la Palma de Oro en Cannes y quedar nominada al Oscar es casi un milagro (ya que, aparentemente, premian visiones antagónicas de hacer cine). Ni hablar del montaje de Terrence Malick que no sólo hizo enojar al público (en Estados Unidos los cines tenían que aclarar que no devolvían el dinero después de la película) sino también a Sean Penn, quien salió a decir que nada de la emoción del guión quedó en el film.

Midnight in Paris: Muchos han amado la nueva película del Woody Allen europeo. Es la más taquillera de la historia del director y guionista de Annie Hall (que le ganó el Oscar a Star Wars). Pero aún los más fervorosos y enamorados de Midnight in Paris se preocupan en aclarar que si bien es simpática, no llega a la altura de la mencionada (ni de Hannah y sus Hermanas, ni de tantas otras).

The Help: Aunque con la crítica no le fue tan bien, fue un éxito de público. Historia ambientada en los '60 sobre la discriminación de las señoras bien a las criadas negras. Comedia. No hay que descartarla: ¿recuerdan The Blind Side? Bueno, esta podría ser la nueva.

Con pocas probabilidades:

A Dangerous Method: David Cronenberg es el director de clásicos como La Mosca, Una Historia Violenta y Promesas del Este. Películas poco refinadas para el gusto académico (todo lo que sea cine de terror, automáticamente queda afuera de cualquier competencia para el Oscar). Ahora dirigió un drama "serio" sobre Carl Jung y Sigmund Freud. Viggo Mortensen y Keira Knightley están, pero la verdadera estrella este año parece ser Michael Fassbender (Magnetto en X-Men: Primera Generación y el protagonista de Shame).

Shame: Se habrán preguntado ¿cuál es "Shame"? Bueno, es la nueva película de Steve McQueen, el director de Hunger (2008). El artista plástico ahora cineasta puede no agradarle a todo el mundo, pero los que aman su cine, de verdad lo aman. Igualmente, el cupo de "películas del Reino Unido" ya se agotó con TTSS.

The Girl with the Dragon Tattoo: David Fincher, el director de películas como Se7en, El Club de la Pelea y Red Social. Ahora estrena la remake de Los hombres que no amaban a las mujeres, la película sueca basada en el best-seller de Stieg Larsson. Un thriller, claro. Hay un buen elenco. ¿Pero será suficiente para los académicos, que ya han probado que a David Fincher lo quieren poco y nada?

Mucho más que una comedia para mujeres

2011-09-24T13:27:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Kristen Wiig prueba que es tan buena (o mejor) comediante en el cine como en la TV.
2: Rose Byrne como la amiga insoportablemente perfecta.
3: La toma que no puede faltar en las comedias de maduración: la banda caminando hacia la cámara.
______________________________________________________________
Bridesmaids:
Título en Argentina: Damas en Guerra
Dirección: Paul Feig
Guión: Kristen Wiig, Annie Mumolo.
Basado en la historia de: Tom Holland
Música: Michael Andrews
Fotografía: Robert D. Yeoman
Edición: William Kerr y Michael L. Sale
Con: Kristen Wiig (Annie). Rose Byrne (Helen). Chris O'Dowd (Oficial Nathan Rhodes)
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 75/100
ARG: Todaslascríticas: 62%
IMDb: 7.2/10
______________________________________________________________

Hay dos grandes aciertos en Damas en Guerra, película-hermana de aquellas dirigidas por Judd Apatow (Virgen a los 40, Ligeramente embarazada): el primero es que es una película de mujeres pero no exclusivamente para mujeres. Es como si los groseros, brutos y chiquilines protagonistas de aquellas películas ahora tuvieran su equivalente femenino. Hay dosis por igual de situaciones donde los personajes deben tomar decisiones y madurar (como en Supercool, también producida por Apatow) que se alternan con otras de humor decididamente grotesco y poco sutil. Esto permite que, salvo algunas pequeñas situaciones, no nos riamos de los personajes sino con ellos. Sufren, sí, pero anhelamos que puedan superar sus problemas.
En este caso, todo pasa por un casamiento, y cómo dos amigas de toda la vida se ponen a prueba. La protagonista es Annie, una ex-cocinera de pasteles (con local propio) que ahora vive en un departamento alquilado con otros inquilinos, su relación amorosa no parece estar mejor (está con un hombre que la trata como un objeto sexual) y su vida no parece encontrar un buen rumbo. Su madre le dice que lo mejor de tocar fondo es que no se puede caer más bajo, pero parece que el fondo todavía está unos kilómetros más abajo.
Ella, con el advenimiento de la boda de su mejor amiga, se pone celosa con la inclusión de otra de las "damas de honor": Helen es la chica perfecta. Esa mujer snob que habla en inglés y francés, planea la boda de la amiga (con todos los detalles tan edulcorados y costosos) y en definitiva, es insoportable para la mayoría de los mortales. Es, como la describe uno de los afiches de personajes, "Little Miss Perfect". A partir del encuentro entre ambas, la película toma un rumbo distinto a la primera media hora y empieza a utilizar los mejores gags (algunos de ellos poco originales, hay que decir). Más tarde se transforma en una película de compañeros: todas las películas de Apatow duran mucho más que las comedias normales (siempre de una hora y media, mientras que estas, al menos, de dos horas). Pero también es cierto que hay "varias" películas en una. Esta no es la excepción.
El otro gran acierto de la película, uno que de por sí solo vale el film, es Kristen Wiig. La comediante de Saturday Night Live hace suya la historia: construye un personaje multifacético, capaz de hacernos reír y emocionar. Es simpática e insegura, y ella es Annie, la chica que deberá encarrillar su vida mientras compite, digamos, con la mujer perfecta. No vale la pena arruinar las sorpresas que depara el film, pero uno casi nunca ve a la actriz, sino al personaje. Eso es muy bueno.

Entrevista: Santiago Palavecino director de La Vida Nueva

2011-09-22T20:43:00.000-07:00

Santiago Palavecino es ante todo, un cinéfilo que adora hablar de cine en general, ya sea de clásico o de la tecnología. Mientras comenta sobre su película, La Vida Nueva (hoy estreno en los cines argentinos) la relaciona con otras películas, directores y distintas visiones del cine. En estas entrevistas, pudimos conversar con él y con el trío protagónico: Martina Gusmán (la actriz de Leonera y Carancho, y reciente jurado del Festival de Cannes), Germán Palacios y Alan Pauls. Más que una entrevista fue una charla entre cinéfilos sobre su película, la industria del cine, y el cine en general.

La Vida Nueva es la historia de Laura, una mujer que vive en un pueblo alejado de Capital Federal, y sueña con escapar del ahogo que le produce ese lugar. Se siente más confinada cuando se da cuenta que está embarazada y Juan, su marido veterinario, quiere que ella tenga al bebé.

En la película, eventualmente, el trío protagónico se ve envuelto en un triángulo amoroso. Alan Pauls, Martina Gusmán y Germán Palacios. "Los actores aportaron mucho. Germán hace de músico y es músico. En la película la música que se escucha está compuesta por él. No hay un disco que lo haga por ellos. Todo sucedió de verdad". Al decir esto, recuerda la frase de Jean-Luc Godard (el cine son 24 mentiras por segundo) agrega: "Nosotros trabajamos un poco así: documentando todo para después finalmente inventar un pueblo ficticio. Un pueblo que evidentemente queda cerca de Capital, pero que tampoco es realista. Se parece a la cabeza de los personajes". ¿Estaríamos hablando de un personaje más? "Si la relación entre los personajes y el paisaje no dice algo, es porque el plano no funciona. Es como un rompecabezas. Implica importantes decisiones para los personajes". Por eso el personaje de Martina Gusmán se siente ahogada por ese pueblo, que está en los márgenes de Buenos Aires, pero aún así representa un mundo totalmente diferente del centro neurológico de Argentina. "Yo nací en un pueblo a 200 kilómetros de Buenos Aires. Hora y media en auto y ya estás ahí. Pero es otro mundo: el modo de relacionarse y ver el mundo es otro."

Santiago comenta que para esa relación entre personajes y ambiente la película de Fritz Lang, Clash by Night (1952) fue una inspiración. "Mis modelos para la escritura fueron películas americanas de los '40 de género, aunque en La Vida Nueva hay contaminación de géneros. Hay un problema policial pero no tiene una solución moral clara. ¿Cómo repercute eso en la vida de los personajes? Parte del policial, pero se desarrolla de una manera no convencional para ese género"

Al hablar con Santiago y, luego, con los actores principales, se nota que todos tienen mucho aprecio por los personajes centrales. Eso nos recuerda a Hitchcock y su "desprecio" por los actores. "Vértigo es su mejor película; aunque se quejaba de la edad de James Stewart (por la edad), y aunque en verdad estuviera grande él estaba perfecto para el papel. Hitchcock es uno de mis directores favoritos, como tantos otros. Hasta las películas suyas que no serían mis favoritas, como Rebecca, tienen algunas cosas increíbles".

Cada color, cada tono y lugar, está directamente involucrado con lo que sucede a los personajes de La Vida Nueva. "Siempre hay algún manual de cine que dice "Montaje: la base de la película" o "Guión: la base del cine". A mí me sería muy difícil elegir cuál es la parte más importante. A mí me encanta trabajar la banda sonora. El sonido es el 50% de la película, como dice muy bien el sonidista de esta película. Para mí todos los aspectos son esenciales."

Una de las preguntas que responde Santiago Palavecino, es si su película estaba pensada para ver en fílmico (el clásico 35 mm.) o en digital, ya que muchas de las últimas producciones nacionales fueron concebidas para un sistema u otro.

"Nosotros rodamos en digital, con las cámaras RED, pero desde el minuto uno pensamos en ampliarlas a 35 milímetros. El director de fotografía (Fernando Lockett) había hecho pruebas muy precisas al respecto. Teníamos el precedente de Carancho (la película del productor, Pablo Trapero), que también fue filmada con cámaras RED y luego ampliada. Creo que estas películas unen las ventajas de filmar en digital con las ventajas del fílmico: esa textura granular, por ejemplo."

Palavecino no es un director de cine cerrado; se muestra entusiasmado al hablar de las nuevas tecnologías. Ante la inminencia del cine en 3D, dice que tiene muchas ganas por investigar ese formato. "Ya sea una película expresionista alemana o una en 3D moderna, siempre hay algo para investigar, para encontrar. No descarto nada a priori".

"Una de las cosas que me propuse antes de filmar fue ver las películas de mi adolescencia. Cuando era todavía más cinéfilo". Menciona desde Tron (la película de Disney de 1982) hasta el cine de David Lynch, "siempre fui muy fan de Lynch: aunque en la película no haya ninguna referencia a él. Es un director inimitable. Yo fui fanático del cine de Antonioni toda mi vida: queda en la película más allá de uno".

Hablando de las referencias, se hace inevitable preguntar si La Vida Nueva sigue una línea estética similar a la de los films de Trapero, el productor y director de El Bonaerense y Leonera. "Para mí Pablo (Trapero) es uno de los mejores directores en el mundo. Él puede juntar la sofisticación formal con la popularidad. Eso viene con vos o no viene con vos. Él lo tiene."

Terminamos la charla comentando algunas de las películas más nombradas de los últimos años. "Red Social (The Social Network, 2010) me encantó: esperaba algo grandilocuente, pretenciosa y me encontré con una película muy personal. Me encanta el cine de David Fincher. El curioso caso de Benjamin Button es medio floja, pero Fincher siempre tiene ideas". ¿Y el blockbuster del 2010, El Origen (Inception)? "No me gustó nada. Tiene la idea de los niveles de sueño pero nada más... En cambio El caballero de la noche (The Dark Knight, 2008) es genial. El cine es tan complicado que a veces las cosas no salen. El personaje del Guasón es increíble".

Así cierran las charlas cinéfilas con Santiago Palavecino, director de La Vida Nueva, la película argentina protagonizada por Martina Gusmán, Germán Palacios y Alan Pauls, actualmente en cines.

Estrenos 22/9/11

2011-09-21T23:24:00.000-07:00

Identidad Secreta (Abduction, 2011, de John Singleton)

Con: Taylor Lautner, Lily Collins, Sigourney Weaver.
Comentario: Como si fuera una versión para chicos (o adolescentes, mejor dicho) de la saga de Bourne (curiosamente, titulada "Identidad Desconocida" en Argentina) esta historia sobre un héroe de acción adolescente involucra persecuciones en coches, motos, subtes y hasta saltos por los techos de un edificio. ¿Es buena? Es aceptable, si uno espera nada más que pura fórmula de cine de acción. Lo peor de todo es que Taylor Lautner no puede actuar: cualquiera de los personajes secundarios es, lejos, más carismático e interesante que el propio protagonista. Puntaje: 2/5

Winter: El Delfín (Dolphin Tale, 2011, de Charles Martin Smith)

Con: Ashley Judd. Morgan Freeman.
Comentario: Todos los clichés de las películas con animales, de principio a fin: Winter es el delfín del título, rescatado por el joven Sawyer, cuando se encontraba malherido en la costa. Ambos crearán una relación especial y el delfín -con la aleta amputada- será una luz esperanzadora no sólo para la familia del chiquito, sino para todos los discapacitados que lo vean. Decir que es una película simpática (los dos protagonistas pequeños están bien dirigidos, y se agradece la participación de Morgan Freeman), que sirve para ver con los más chicos y pasar un buen momento no está mal. Esas son las intenciones de la película. Puntaje: 3/5

Top Gun: Reto a la Gloria (Top Gun, 1984, de Tony Scott)

Con: Tom Cruise. Val Kilmer.
Comentario: Muchos años han pasado ya del estreno de Top Gun, dirigida por el hermano menor (para algunos, en más de un sentido) de Ridley Scott. También se ha criticado mucho a esta película (por ser "propagandística"; por estar llena de clichés, por tener ritmo de videoclip) pero nada ha podido evitar el impacto cultural que ha dejado en generaciones de cinéfilos. Es verdad que acaso donde más se destacó esta producción fue en la banda sonora ("Take my breath away" de Giorgio Moroder) pero re-verla en la pantalla grande nos permite entender y comprender la verdadera potencia del film. El cine tiene la capacidad para aumentar los defectos -aquí los clichés se miran con cariño- y potenciar los aciertos -las persecuciones entre aviones son impactantes-. Top Gun es el clásico ridículo (placer culpable, para algunos) que tanto nos gusta. Puntaje: 3.5/5

Damas en Guerra (Bridesmaids, 2011, de Paul Feig)

Con: Kristen Wiig, Rose Byrne.
Comentario: Esta es una de las grandes (y mejores) comedias del año. Escrita y protagonizada por Kristen Wiig, que es una de las grandes revelaciones (su talento para la comedia es fabuloso). Producida por Judd Apatow (Virgen a los 40, Ligeramente Embarazada) se centra alrededor de los problemas de una mujer que es la "dama de honor" de su mejor amiga, futura novia. Más allá de todos sus problemas personales (económicos, amorosos) la protagonista deberá competir por el cariño de su eterna amiga con otra dama de honor, una coqueta, simpática y más sofisticada persona. Llena de buenos gags, la película es un logro a la vez que logra que nos importen sus personajes, resulten creíbles, y podamos reírnos con ellos. Puntaje: 3.5/5

El disfraz de los vampiros

2011-09-16T18:24:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Colin Farrell como el villano de la película. Claro: es el vampiro.
2: Imogen Poots es más que la chica rubia y tonta de turno.
3: David Tennant se roba la película, especialmente en la secuencia en la que se saca el disfraz.
______________________________________________________________
Fright Night:
Título en Argentina: Noche de miedo
Dirección: Craig Gillespie
Guión: Marti Noxon.
Basado en la historia de: Tom Holland
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Edición: Tatiana S. Riegel
Con: Anton Yelchin (Charley Brewster). Colin Farrell (Jerry). Toni Collette (Jane Brewster). David Tennant (Peter Vincent).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 64/100
ARG: Todaslascríticas: 67%
IMDb: 6.9/10
______________________________________________________________

Noche de miedo, en parte, recupera el encanto y la nostalgia por films como La hora del espanto (Fright Night, 1985). Aquella era una de las últimas películas sobre los monstruos clásicos (agotados ya por tanto cross-over y auto-parodias) antes del advenimiento de las slasher movies (cuando los asesinos seriales ocuparon el puesto de los clásicos seres de Universal y Hammer). En este caso, Noche de miedo es una película más dentro de la época de las remakes. Por suerte está hecha con suficiente cariño y respeto como para saber congeniar secuencias de suspenso genuino con situaciones cómicas.
La primera media hora del relato combina el estilo cómico de las películas de adolescentes norteamericanos con el suspenso in-crescendo que provoca la llegada de un misterioso vecino. No es casualidad que uno de los amiguitos del protagonista sea Christopher Mintz-Plasse (McLovin de Supercool), y que ahora los jóvenes sean los típicos nerds sufridos de la Universidad. Charley, el chico que descubre que su vecino es un vampiro, podría haber sido Michael Cera o Jesse Eisenberg. Es Anton Yelchin, que cumple con el psyche du rol. La madre es Toni Collette y la novia, Imogen Poots. Atención: porque las mujeres aquí son de armas tomar. Nada de salir gritando histéricas cuando haya peligro.
Hay muchas persecuciones, hectolitros derramados por aquí y allá, y aunque los efectos visuales "baratos" probablemente produzcan la sensación de nostalgia que produce el film original, en unos cuantos años más, los efectos de maquillaje de la película de 1985 se ven todavía más creíbles que los vampiros por computadora.
Si hay algo en lo que esta remake sale favorecida en comparación con la original es en el elenco. Además de los ya mencionados, Colin Farrell pone el carisma y la gracia que el villano de la película original no supo tener. Está bien: es un vampiro afectado por la moda de Crepúsculo (¡había una época en que los vampiros eran feos!), pero hay que admitir que aquí funciona. El otro gran pilar del film es David Tennant, es que una suerte de Chris Angel mezclado con el Peter Vincent (personaje nombrado en homanaje a Peter Cushing y Vincent Price, eternos cazadores de vampiros). La mejor secuencia de todo el film cuando este estafador se va sacando todos los disfraces que lleva encima. Es casi un comentario sobre las películas de terror moderna: pura estética, nada de corazón. Noche de miedo es pura estética: pero también tiene corazón.

Estrenos en DVD 9/9/11

2011-09-16T17:34:00.000-07:00

La noche del demonio (Insidious, 2011, de James Wan)

El director y el guionista de El juego del miedo se unen para invocar al demonio.

Sello editor: AVH
Idiomas: Inglés (5.1 Dolby Surround)
Subtitulos: Castellano
Formato: Widescreen anamórfico (2.35:1)

Extras: Ficha artística. Ficha técnica. Sinopsis. Avance.

Comentario del DVD:
El director y guionista de El juego del miedo se reúnen para contar la historia de un demonio que toma el cuerpo de un niño. Más allá de eso, la atmósfera del film está muy bien lograda: parece una de esas películas de casas embrujadas que hace rato no se hacen. El niño poseído trae complicaciones para una familia que debe recurrir a especialistas, médiums y demás para poder contrarrestar el poder maligno. Claro que hasta que deciden pedir ayuda pasan varias noches en la casa...
____________________________________________________________________

Gnomeo y Julieta (Gnomeo & Juliet 2011, de Kelly Asbury)

Gnomos, Shakespeare y Elton John.

Sello editor: AVH

Idiomas: Inglés, portugués y castellano (5.1 Dolby Surround)

Subtitulos: Castellano, inglés, portugués.

Formato: Widescreen anamórfico (2.40:1)

Extras: -

Comentario del DVD:
Una impensada adaptación de la obra de Shakespear protagonizada por gnomos de jardín. La eterna lucha entre los gnomos rojos y azules parece tener una pequeña tregua cuando dos de ellos se enamoran. La directora de Shrek 2, relata esta historia con un ritmo vertiginoso y muchas referencias pop. Los temas de Elton John forman la banda sonora, y el mítico pianista termina cantando un tema con Lady Gaga.

Estrenos 15/9/11

2011-09-14T15:51:00.000-07:00

Splice (Splice, 2009, de Vicenzo Natali)

Con: Adrien Brody, Sarah Polley.
Comentario: En la ciencia ficción/fantasía existe un subgéneroque es el de los monstruos. De Frankestein de James Whale, a Alien: el octavo pasajero, de Ridley Scott, Splice rinde homenaje a varias de ellas, incluidas las dos mencionadas. La historia de dos científicos que traspasan la línea moral y dan a luz a una criatura humanoide que pronto se les irá de las manos. El comienzo es promisorio: parece la típica película clase B que tanto divierte a los amantes del género (cercana al gore visual de La cosa, de Carpenter). Pero las ideas pronto se diluyen cuando el film quiere tomar vuelo propio. Es como si la propia criatura fuera la película. Al principio es simpática, pero a medida que la gestación avanza, se hace cada vez más incontrolable. Puntaje: 2/5

Invasión a la privacidad (The Resident, 2011, de Antii Jokinen)

Con: Hilary Swan, Jeffrey Dean Morgan, Christopher Lee
Comentario: Hilary Swan es una doctora que se muda a su nuevo apartamento en Brooklyn. Ninguno sería el problema a no ser porque el propietario original, que desconoce, está obsesionado con ella. Este no es ningún adelanto: el film plantea otros sospechosos que rápidamente descarta. El suspenso, así, se reduce a lo más básico. Tan básico que uno duda si realmente es suspenso: deduce que va a pasar y al poco tiempo sucede lo que uno dedujo momentos antes. No es adivinanza: el espectador avezado -y no tanto- ya vio varias películas así. Puntaje: 2/5

El significado del amor (Le nom des gens, 2010, de Michel Leclerc)

Con: Sara Forestier, Jacques Gamblin.
Comentario: Una comedia romántica francesa que lleva el sello de Hollywood en su concepción. Basada en el juego de los opuestos, recrea situaciones donde los protagonistas tienen que aguantar al máximo los comportamientos de los demás si es que quieren ganar. En este caso, estamos hablando de una activista de izquierda que no duda en dormir con sus enemigos políticos para convertirlos a su causa. Eso, claro, hasta que conoce al hombre que hará mucho más complicada su tarea. Sara Forestier, la activista, es lo mejor de la película. Puntaje: 3/5

Paul (Paul, 2011, de Greg Mottola)

Con: Simon Pegg, Nick Frost, Seth Rogen, Jason Bateman, Kristen Wiig.
Comentario: Después de Supercool y Adventureland: Un verano memorable, Greg Mottola entrega otra simpática comedia capaz de capta la atención de grandes y -no tan- chicos. Sus películas siempre hicieron mucho hincapié en el costado humano y esta no es la excepción: la historia es sobre dos nerds que, viajando por Los Angeles, encuentran a Paul, un extraterrestre fumador, fiestero y malhablado. Los dos nerds son Simon Pegg y Nick Frost el dúo ultra-mega-efectivo de Shaun of the dead y Hot Fuzz. El E.T. tiene la voz de Seth Rogen (Ligeramente embarazada). A este trío tenemos que sumar algunas apariciones agradables y otras más funcionales (más como comediantes que al argumento en sí) como las de Kristin Wiig y Jason Bateman. Puntaje: 3/5

Noche de miedo (Fright Night, 2011, de Craig Gillespie)

Con: Colin Farrell, Anton Yelchin, Toni Collette.
Comentario: Remake de La hora del espanto (1985) el film de terror donde un vampiro se mudaba a un suburbio norteamericano, y su vecino, el protagonista, era él único que lo descubría, aunque nadie creía en él. En esta ocasión la premisa es la misma: la mayor novedad a priori es que el vampiro es Colin Farrell. Más allá de eso, la película mezcla con gracia géneros tan disimiles como el terror y el subgénero de comedias de adolescentes. Hay momentos de suspenso de verdad y otros graciosos, como para aliviar tanta tensión acumulada. Por momentos la mezcla es eficaz, por otros, sólo correcta. Más allá de eso, todo se vive como un cine matinée: un festival de cine de clase B. Divertido. Puntaje: 3/5

Las 10 mejores películas del 2010

2011-09-13T12:43:00.000-07:00

10: El Escritor Oculto (The Ghost Writer, de Roman Polanski)

Este es uno de los trabajos más clásicos de Polanski. parte de la grandeza de El escritor fantasma reside en su sencillez. Es un thriller elegante, una sátira política, y un relato siniestro, donde Ewan McGregor es un "escritor fantasma" que debe escribir las memorias de un político norteamericano involucrado con la guerra en Irak. Para hacerlo, se debe mudar a la fortaleza de Adam Lang (el político en cuestión, un muy convincente Pierce Brosnan) que es uno de los grandes set-pieces del año. El cuarto del redactor mezcla la fantasía con la realidad, la naturaleza salvaje con la perfecta geometría (esos ángulos tan afilados...) del interior de la mansión. Mientras el fantasma -perseguido, paranoico, encerrado en la prisión mental que él mismo crea- reconstruye la imagen de Lang, desenvuelve capas y suma otras sobre el hombre que debe conocer. Hacia el final, todo se revela como un relato simple que devela la complejidad no de una persona, sino de las relaciones que establece.
________________________________________________________________________

9: Temple de Acero (True Grit, Ethan Coen, Joel Coen)

"Rooster" Cogburn no es el personaje principal, pero tiene dos presentaciones más memorables que las del resto de los personajes. La primera vez que lo "vemos" está en una letrina. A partir de ese momento su voz -como raspada, gastada, de tanto whisky- será inconfundible. El segundo momento está más sobrio, y los movimientos de la cámara (y la iluminación de Roger Deakins) son casi perfectos. John Ford sabía que sólo había que mover la cámara cuando fuera absolutamente necesario. En esta secuencia, la joven Mattie Ross descubre al U.S. Marshall en un juicio. Adoptamos su punto de vista y vamos descubriendo que esa silueta es un hombre con un parche. Todo lo que dice, los movimientos de su cuerpo, la mirada, su traje, lo definen para el resto de la historia. Cada personaje -hasta los secundarios más secundarios- se siente real, como una parte integral de la historia, que empieza y termina como si fuera un cuento.

________________________________________________________________________

8: Exit Through the Gift Shop (Exit Through the Gift Shop, de Banksy)

El documental comienza casi como si fuera una mirada antropológica sobre el mundo de los artistas callejeros. Hombres que salen de noche para hacer suya la ciudad y dejar una marca en ella. Pero más tarde se vuelve una historia de ficción, con un héroe y hasta un posible villano para identificar. Todo el tiempo oscila entre el documental y la ficción (si bien todos los films, documentales o no, son 24 mentiras por segundo).
Siempre divertido e interesante, transforma la historia de los artistas callejeros en una reflexión no sólo sobre el cine, sino sobre el arte en general. Banksy representa al rebelde que cree que el arte no debe ser una mercancía, pero a la vez, él es el mentor (in)directo de Mr. Brainwash, un personaje más grande que la vida misma, o al menos más grande que Thierry Guetta, el ¿talentoso? francés que supo comercializar el arte punk del graffiti y vender sus obras (copias, clichés, de otras) en millones de dólares.
________________________________________________________________________

7: Mi Familia (The Kids Are All Right, de Lisa Cholodenko)

No me gusta el término "feel-good movie" que se utiliza para recomendar un film "alegre". Pero Mi Familia es una de las más agradables comedias que haya visto en mucho tiempo. Muchas de las secuencias tienen lugar alrededor de un mesa. Increíblemente, algunos personajes de Hollywood (o del cine independiente) también comen, beben, hablan de temas que les interesan a ellos, tienen relaciones sexuales, lloran, sufren, se emocionan. Mucho gracias a la inteligente pero sutil dirección de Cholodenko, y a los actores en pantalla. Annette Bening y Julianne Moore son las lesbianas que forman un pareja y tratan de criar de la mejor manera a sus hijos (Mia Wasikowaska se roba la atención) mientras atraviesan la crisis de la edad media. El conflicto se desata cuando los chicos quieren conocer al donante de esperma, el bon-vivant Paul (Mark Ruffalo) que se toma todo demasiado tranquilo. Es un tipo cool, que duda bastante mientras habla y cree que todo saldrá bien. Parecen hacer una familia distinta y moderna, todos juntos. Pero Mi Familia es muchísimo más conservadora de lo que aparenta. Al final, lo mejor es la sensación que nos deja: queremos charlar de ella con amigos, conversar, disfrutar. Sí: es una película alegre.
________________________________________________________________________

6: De Dioses y Hombres (Des Hommes et des Dieux, de Xavier Beauvois)

Siempre hay algún film -la mayoría de las veces, europeo- que nos recuerda la importancia del silencio. Aquí la banda sonora está compuesta por las oraciones de un grupo de curas cristianos. Están recluidos en un templo en Argelia, mientras esperan el avance de unos rebeldes musulmanes, que posiblemente acaben con ellos. ¿Deberían quedarse por el pueblo que necesita de ellos y sus medicamentos? ¿Esa es una actitud de mártires y de egoísmo, sabiendo que en otros lugares los pueden necesitar tanto o más como allí? Muchas interrogantes afectan a los 12 miembros del monasterio. Atraviesan crisis de fe, mientras realizan tareas cotidianas y el tiempo parece agotarse segundo a segundo. Esta es una película sobre cómo el silencio es creador y la música, salvadora (dos de los momentos más emocionantes y tensos están directamente relacionados con la música o el silencio). Es una historia emocionante.
________________________________________________________________________

5: El Discurso del Rey (The King's Speech, Tom Hooper)

Hay momentos donde El discurso del rey es una película enorme, donde es puro cine. Relata la historia a través de las imágenes: es la típica producción inglesa cuidada (y pensada) hasta en el más mínimo detalle. Es cuando la cámara logra captar la angustia de George VI; cómo enfoca y deforma todos esos micrófonos, esos rostros que miran al piso, decepcionados, y principalmente, cómo capta los ojos vidriosos de Colin Firth. Incluso siendo una persona fría y con una paleta de colores tenue (parece uno de esos films europeos que carecen de color aún subiendo el contraste al máximo) se las ingenia para conectar emocionalmente con el espectador. Su estructura es bastante clásica: utiliza el arquetipo de Hollywood, el underdog, el perdedor que termina siendo la sinécdoque de una nación para relatar la historia de un personaje relativa mente desconocido en la Historia universal. En esa película mucho más convencional, el trío cómico de actores (esta es más una comedia inglesa que un drama) brilla, principalmente Geoffrey Rush como el inolvidable Lionel Logue. Saquemos la discusión del Oscar (o si es o no el mejor film del año) es una gran película que vale la pena verla y disfrutarla.
________________________________________________________________________

4: El Ilusionista (L'Illusionniste, Sylvain Chomet)

La mejor película animada del año es otro gran homenaje a los más grandes comediantes: el humor físico de Buster Keaton, la comedia romántica de Charles Chaplin y la sensibilidad del cine de Jacques Tati. La mayoría de las películas animadas, cercanas a la perfección, tienen a los dos primeros como referentes. Esta suma a Tati, una referencia tan necesaria como las otras. Él (bueno, no directamente Tati, aunque esté basada en una historia suya) es un ilusionista que pasa sus noches haciendo trucos frente a una platea cada vez más vacía. Pero para los ojos de una niña escosesa, él realmente es un mago. Es la relación entre los espectadores y el cine: están los que creen que el cine es apenas un mecanismo frío, accionado por máquinas complejas pero no imposibles. Y están los románticos, no los inconscientes, que saben que la vida sin magia no puede ser más que gris. Aquí hay pocos grises y abundan los colores cálidos. Lo mágico no necesita de explicación. Hay una diferencia enorme entre quien ve un truco, una ilusión y magia. Yo vi el truco, disfruté la ilusión y creí en la magia.
________________________________________________________________________

3: Scott Pilgrim vs. Los Ex de la Chica De Sus Sueños (Scott Pilgrim vs. The World, Edgar Wright)

En esta época la estética es lo primordial. No importa tanto qué se cuenta sino cómo se cuenta. En ese sentido, Scott Pilgrim es uno de los films más coherentes y sinceros, lleno de referencias pop, generacionales, acompañadas por un asombroso despliegue visual y un ritmo frenético tan característico de un director que ya da signos de firmas de autor. Las referencias no están mal ni anclan la película al pasado: a nadie se le ocurriría decir que el cine de Tarantino es anticuado. Tampoco se puede pensar que Viaje a la Luna, de George Meliés, está mal porque es puro efecto visual. Ambas son, en sus respectivos casos, testamentos.
El animé, los cómics, los videojuegos, las películas de maduración, y otros tantos estilos se dan la mano aquí, donde el mayor riesgo era perder el contacto humano. Por suerte el equilibrio está y la película se puede disfrutar porque todo se siente orgánico, divertido, entretenido, feliz. Es como un gran homenaje de Wright no a un sinfín de contenidos, sino a una manera particular de ver y sentir le mundo. Una aglomeración de estilos e influencias, donde puede convivir el musical, el cine de acción y la comedia romántica.
________________________________________________________________________

2: El Cisne Negro (Black Swan, de Darren Aronofsky)

Es raro ver que una producción tan cuidada y si se quiere, clásica (con grand finale y todo) sea un retrato caótico -como se debe- del cine trash (cine basura, si prefieren), un homenaje al cine de terror, tan desprestigiado por los académicos. Para mí la mixtura entre dos concepciones de cine antagónicas es efectiva: El Cisne Negro es un film endiabladamente seductor, pasional. La sutilidad nunca fue el punto fuerte de Aronofsky, quien con The Wrestler y Black Swan -dos películas hermanas- parece haber encontrado una manera de focalizar la energía de su desregular filmografía. Por eso tanto primer plano de Natalie Portman (en la sobreactuación favorita del año) con su exageradísima y tenebrosa Nina Sayers, la ballerina con pulsiones oscuras. No hay doble significación, no hay que hurgar demasiado intelectualmente: se trata de disfrutar y dejarse llevar por lo que aparenta ser cine basura, cine de exploitation (la secuencia de sexo con Mila Kunis; Winona Ryder perforando su cara sin necesidad), pero que trata de ocultarlo bajo las aristas del cine de qualité. Por eso toma la danza clásica, el ballet, y la transforma en un circo de revulsión.
________________________________________________________________________

1: Red Social (The Social Network, de David Fincher)

No es una película sobre Facebook. La red social es una excusa para la creación del mito, la fábula del excéntrico genio. Siempre nos gustaron los personajes épicos en el cine, aquellos que son más grandes que la vida misma. Charles Foster Kane dirigía un periódico y se recluía en una mansión enorme, pero era la reconstrucción de sus historias pasadas las que lo transformaban en un ser trágico y verdaderamente complejo. Salieri era incapaz de vivir con el talento que poseía: amaba y odiaba a Mozart. Daniel Plainview era un magnate petrolero, pero era capaz de arrastrarse kilómetros por el desierto para conseguir oro. Mark Zuckerberg (el personaje, su símil real no nos interesa aquí) contiene características de todos ellos. En un mundo controlado por jóvenes, que se desenvuelve a una velocidad vertiginosa (como los diálogos, la estructura narrativa e incluso la música) él sabe que manipulará la suerte de sus amigos y enemigos. La red social es una ironía, un triste vestigio de proporciones épicas -dramáticas, claro- que podría ser reducido a la banal historia del hombre que añora tener un millón de amigos, pero no tiene ninguno. Red Social tiene muchísimos elementos para hablar y justificar su calidad de obra maestra (del director y de la década), donde apenas esto es una muestra. Podríamos hablar de cada uno de sus componentes por separado (desde los rubros técnicos hasta la sutil interpretación de Jesse Eisenberg) pero ellos convergen en un todo orgánico, que es cine puro.

* Carlos, de Olivier Assayas, no formó parte de la lista, aunque bien podría hacerlo. Aunque en algunos países (Argentina incluida) se estrenó en el cine, en IMDb está catalogada como TV Movie. Sé que tiene que ver con los métodos de producción, pero me propuse no incluir ese tipo de películas.

Estrenos DVD/BD: 7/9/11

2011-09-09T16:53:00.000-07:00

Piratas del Caribe: Navegando aguas misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, 2011, de Rob Marshall)

Johnny Depp vuelve a interpretar al Capitán Sparrow. Se suma Penélope Cruz...

Sello editor: Disney
Idiomas: Inglés y castellano (5.1 Dolby Surround)
Subtitulos: Inglés y castellano
Formato: Widescreen anamórfico (2.40:1)

Extras: Errores de grabación en el Caribe. Lego de Piratas del Caribe: Los cuentos en bloque del Capitán Jack.

Comentario del DVD:
Una vez más, Jack Sparrow y sus amigos se lanzan en busca de la aventura y el peligro. O eso suponemos que encontrarán en el viaje a la Fuente de la Juventud: deberán enfrentar zombies, sirenas, barcos encantados y al mismísimo Barbanegra (Ian McShane). Lo peor de todo para Sparrow está por venir: Angelica (Penélope Cruz) la hija del corsario, de quien alguna vez estuvo enamorado, también está en la carrera por la fuente. Ambos se suman a los estables del elenco (Geoffrey Rush entre otros).
La cuarta instancia de la serie inspirada en una monaña rusa de Disney, es la primera en no ser dirigida por Gore Verbinski (quien optó por realizar el film animado Rango). Esta vez, el "capitán" es Rob Marshall: el director de Chicago y Nine: una vida de pasión, quien incursiona por primera vez en el género de las aventuras.
____________________________________________________________________

Priest: El vengador (Priest, 2011, de Scott Charles Stewart)

Paul Bettany, otra vez, como un abnegado religioso.

Sello editor: Sony

Idiomas: Inglés, tailandés y castellano (5.1 Dolby Surround)

Subtitulos: Castellano, inglés, coreano, tailandés y mandarín.

Formato: Widescreen anamórfico (2.40:1)

Extras: Escenas eliminadas y extendidas. La frontera sangrienta: creando el mundo de Priest. Las herramientas de trabajo: las armas y los vehículos. Comentario con los realizadores y actores.

Comentario del DVD:
Paul Bettany vuelve a interpretar a una suerte de cura (la vez anterior fue como el sicario del Opus Dei, Silas, en El código Da Vinci) en esta película de acción retro-futurista, donde los monjes son la última esperanza de la humanidad contra una raza de vampiros. Obviamente, el agua bendita y las cruces necesitan de la ayuda de todas las balas y explosiones que puedan encontrar los personajes. Acción a raudales. Maggie Q acompaña al héroe mientras que Karl Urban es el villano. Cine clase B en cada fotograma.

La serie de los tornillos flojos

2011-09-07T19:01:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Caras de susto. Pésimos actores, claro. Pero las secuencias son divertidas.
2: El señor muerte. No: tampoco actúa bien.
3: Pero cuando a uno le abren el ojo como en una película de Buñuel y le apuntan con un láser, como que se olvida de la actuación.
______________________________________________________________
Final Destination 5:
Título en Argentina: Destino final 5
Dirección: Steven Quale
Guión: Eric Heisserer
Basado en los personajes de: Jeffrey Reddick
Música: Brian Tyler
Fotografía: Brian Pearson
Edición: Eric A. Sears
Con: Justin Timberlake (Dylan). Mila Kunis (Jamie). Patricia Clarkson (Lorna).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 50/100
ARG: Todaslascríticas: 60%
IMDb: 6.4/10
______________________________________________________________

La serie de Destino Final se basa en una premisa simple: un grupo de personas -destinadas a morir- se salvan de una catástrofe. A la muerte no le gusta que la engañen, por eso lo único que logran, en definitiva, es posponer lo inevitable. Ciertamente estas raíces orientales (la creencia en el destino) parecen amedrentar a la cultura occidental en los films de Hollywood. En este caso, un grupo de jóvenes escapa con vida del colapso de un puente. Mueren, pero en una premonición. Cada personaje muere dos veces en estos films: una vez es falsa. La otra, no.
Esta falta de suspenso agotó a la serie en primera instancia. Los personajes son seres unidimensionales interpretados por jóvenes no muy afectos a la dramatización (o por el contrario: excesivamente teatrales) que no logran el mínimo de simpatía, ni siquiera entre ellos. Para más, cuando el terror (¿terror?) toma ribetes cómicos, ahí es donde se nota más la incompetencia. En 4 películas hemos tenido dos mediocres y dos malas. Era hora de tener una, al menos, aceptable. Esa es Destino Final 5 que, por su flojo desempeño en taquilla, parece ser la última.
Esta cuenta con muchos de los problemas de las anteriores. Lo más notorio, una vez más, son los actores. Dejando de lado eso, hay un interés genuino por generar acción y tensión en la pantalla. La mayoría de las veces, las tragedias se desatan por tornillos flojos (el 90% de las muertes más cruentas se generan porque un tornillito estaba mal ajustado). Aquí una secuencia juega con eso, y nos muestra como los pies de una bailarina de danza pueden terminar muy mal clavándose un tornillo en el talón. No morirá, es cierto: pero el dolor insoportable es lo que nos genera nervios.
Por otro lado, algunas secuencias están matizadas con buenos intentos de comicidad. A la muerte no le gusta que la engañen, pero tampoco quiere tomarse las cosas tan seria. La aparición de la muerte personificada le agrega un matiz más: el villano que nunca debería haber faltado. Con todos estos agregados, la serie encontró el rumbo: es casi un cómic, un pulp, del cine. Lástima que es demasiado tarde. A estas alturas, el destino final parece ser más bien profético para la propia franquicia.

Me río porque te quiero

2011-09-07T16:57:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Además de la pareja protagónica, Richard Jenkins, Patricia Clarkson y Emma Stone tiene cortas -pero buenas- participaciones.
2: Mila Kunis y Justin Timberlake demuestran ser más que caras bonitas. Tienen un notable ritmo cómico. Por no hablar de la química.
3: ¿Escenas de sexo en una película romántica? Bueno, casi.
______________________________________________________________
Friends with Benefits:
Título en Argentina: Amigos con beneficios
Dirección: Will Gluck
Guión: Will Gluck, David A. Newman, Keith Merryman.
Basado en la historia de: Keith Merryman, David A. Newman, Harley Peyton.
Fotografía: Michael Grady.
Edición: Tia Nolan
Con: Justin Timberlake (Dylan). Mila Kunis (Jamie). Patricia Clarkson (Lorna).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 63/100
ARG: Todaslascríticas: 75%
IMDb: 6.8/10
______________________________________________________________

[Atención: Se revelan detalles del argumento]

Los dos amigos (bueno, no tanto: más bien compañeros de trabajo) están tirados en el sillón mirando televisión. La situación es rara porque no hay nada que impida que en pocos momentos tengan sexo: no tienen lazos de amistad que cuidar. La idea aflora y los dos, más propicios que reacios, se comprometen a tener relaciones sexuales, pero sin ningún tipo de ataduras. Lo que sigue son, claro, en clave cómica, escenas de sexo. Ante tanta pacatería por parte de los estudios de Hollywood, es llamativo ver una secuencia así. No es que ninguno de los actores tenga un desnudo frontal, pero en este tipo de comedias románticas livianas, el sexo significa qué el montaje nos muestra como llegan a la cama y cómo se levantan. Nunca lo que pasa en el medio. Hay algo de "rebeldía" en esta producción. Claro: entre comillas.
Mientras los dos están viendo una película (falsa, que reúne todos los clichés del género), él se pregunta por qué siempre se siguen los mismos y notorios lineamientos. El chico que espera a la chica en la estación de trenes, el beso final y la música pop celebradora para terminar (un esquema que repite sin sutilezas Slumdog Millionaire, por ejemplo). Ambos se burlan: no es la única referencia metatextual. Se nota que al director de Se dice de mí (Easy A, la película que llevó a la fama a Emma Stone) le interesa demostrar que sabe -o al menos vio- varios clásicos del cine. Un dato no menor, en otro de los tantos géneros bastardeados aquí y allá. Pero debajo de esa capa de cinismo, casi como el personaje de Justin Timberlake (el varón que sabe que está frente a "la" chica pero que le cuesta asumirlo en público) se esconde un gran amor y aprecio por todos esos lugares comunes que tanto critica. Es como el personaje cool (y de vuelta: volvemos a Timberlake-Dylan-SeanParker) que nunca admitirá que tiene debilidad por lo cursi.
Hay algunas secuencias que definitivamente, no funcionan (el baile coreografiado en Nueva York) pero muchas otras sí. Principalmente, porque el film respeta mucho a sus personajes y siempre trata de hacernos reír con ellos y no de ellos. Es una diferencia notable. Por ejemplo: el niño que hace magia y todo le sale mal. En la mayoría de las comedias (románticas, especialmente) no se dudaría en burlarse de él, casi siempre con un humor físico bastante burlón. Aquí se consigue la simpatía con el chiquito, que es lo que a la mayoría le falta.
Todos estos clichés, que el film cumple casi a rajatablas, demostrando ser mucho más conservador de lo que aparenta -incluso en la idea de sexo casual: no pueden tener relaciones sin enamorarse-, no serían tan funcionales si los dos actores frente a la pantalla no tuviera tanta química. Timberlake lo probó en The Social Network y Mila Kunis, a su modo también, en Black Swan. Pero aquí los dos tienen un excelente timing cómico. Se llevan de maravilla y eso se agradece. Se podría haber hecho toda una crítica (laudatoria, también) sobre ellos dos, que nos compran con apenas unas sonrisas. Porque en el fondo, son la piedra basal del film: gracias a ellos compramos la reiterada historia una vez más. Y gracias a ellos, la reiteración se vuelve algo más fresca, algo simpática. Nos reímos con ellos, pero no de ellos.

Estrenos 7/9/11

2011-09-07T15:47:00.000-07:00

Apollo 18 (Apollo 18, 2011, de Gonzalo López-Gallego)

Con: Warren Christie, Ryan Robbins.
Comentario: Tres astronautas son enviados a la Luna, luego de la llegada de la NASA en la década del '60. Parece haber una razón por la cual nunca regresaron. Algo, en el lado oscuro del satélite, los está acechando. No sabemos qué es, pero sabemos que es aterrador. Otra prueba más del terror 2.0: el terror formateado para las audiencias más jóvenes que crecieron con El proyecto Blair Witch o [Rec]. Aunque esta está más cerca de Actividad Paranoral que de cualquiera de las otras dos.
Puntaje: 2/5

Sin límites (Limitless, 2011, de Neil Burger)

Con: Bradley Cooper, Abbi Cornish y Rober DeNiro
Comentario: Eddie es un escritor fracasado. No tiene ideas para su próxima publicación, se está separando de su novia, y en lo económico tampoco tiene mucho éxito. Hasta que un día toma una pastilla -una droga- que parece potenciar su intelecto y sus habilidades cognitivas. Es como si fuera una suerte de Matrix (más allá de las referencias explícitas, hasta puede aprender karate en pocos segundos). Hay muchas tramas que se desenvuelven en una historia que a priori parece complicada, pero no lo es. Buen thriller de acción.
Puntaje: 3/5

Amigos con beneficios (Friends with benefits, 2011, de Will Gluck)

Con: Mila Kunis, Justin Timberlake, Emma Stone, Richard Jenkins.
Comentario: La historia de dos compañeros laborales que deciden olvidarse de las ataduras que deberían tener en un compromiso real, y tener una relación armoniosa... pero sólo sexual. Claro que con el tiempo, la relación no es tan poco profunda como parece y las cosas no serán tan fáciles. Si bien la película se burla con cinismo de muchos de los clichés del cine romántico, se nota que en realidad, los ama. En Amigos con beneficios no se revoluciona el género de la comedia romántica, sino que se cumple con lo establecido, muy bien. Pero por sobre todo, Mila Kunis y Justin Timberlake tienen mucha química y mucha garra como actores de comedia.
Puntaje: 3.5/5

Estrenos en DVD 30/8/11

2011-09-01T00:07:00.000-07:00

Agua para elefantes (Water For Elephants, 2011, de Francis Lawrence)

Reese Witherspoon hace que Christoph Waltz y Rober Pattinson se saquen chispas por ella.

Sello editor: Fox
Idiomas: Inglés y castellano (5.1 Dolby Surround)
Subtitulos: Inglés y castellano
Formato: Widescreen anamórfico (2.40:1)

Extras: -

Comentario del DVD:
Basado en el best selles de Sara Gruen, esta es una historia romántica bien clásica. Está el chico bueno, pobre y trabajador (Rober Pattinson) que llega a un circo ambulante y es el encargado de cuidar a los animales. Especialmente a una elefante que establecerá un vínculo muy especial con él y con la mujer del dueño del circo (Reese Witherspoon). Obviamente, es un amor no correspondido. El malo es el presentador y dueño de la farándula, en este caso, Christoph Waltz (el nazi de Bastardos sin gloria). Él es lo mejor -un villano que se divierte con su papel- de un film que apuesta a lo más clásico de lo clásico.
____________________________________________________________________

Cuarentena 2: Terminal (Quarantine 2: Terminal, 2011, de John Pogue)

Terror en el aeropuerto. Un virus que transforma a la gente en zombies se desata en un avión...

Sello editor: Sony

Idiomas: Inglés, tailandés y castellano (5.1 Dolby Surround)

Subtitulos: Castellano, inglés, coreano, tailandés y mandarín.

Formato: Widescreen anamórfico (1.78:1)

Extras: -

Comentario del DVD:
Cuarentena (2008, John Erick Dowdle) es la remake norteamericana de [Rec] la película de terror española donde un virus que transformaba a la gente en zombies se esparcía por un edificio. Cuarentena 2 no es un remake de [Rec] 2 y toma caminos muy distintos. Esta vez, la enfermedad se suelta en un vuelo aéreo y los pasajeros luchan por sus vidas una vez llegado el avión a la terminal. Obviamente, los agentes del gobierno no los dejan salir de la zona.

La fiesta inolvidable

2011-09-01T00:06:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Daniel Hendler es Adrián, a punto de perder el anillo y desencadenar el caos.
2: Natalia Oreiro como la simpática Leonora, rodeada por el villano seductor.
3: El rabino y el cura, interpretados por dos Les Luthiers.
______________________________________________________________
Mi Primera Boda:
Título en Argentina: Mi Primera Boda
Dirección: Ariel Winograd
Guión: Patricio Vega.
Basado en la historia de: Ariel Winograd y Nathalie Cabiron.
Fotografía: Félix Monti.
Edición: Francisco Freixá
Con: Daniel Hendler (Adrián). Natalia Oreiro (Leonora). Imanol Arias (Miguel Ángel). Martín Piroyansky (Fede)
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: --/100
ARG: Todaslascríticas: 79%
IMDb: 6.7/10
______________________________________________________________

Adrián (Daniel Hendler) juega tirando el anillo al aire. Está en un balcón y la cámara nunca nos mostró cómo se ve el suelo desde esa altura. Nosotros suponemos (sabemos) que momentáneamente perderá el anillo y dará lugar a todo tipo de situaciones increíbles para esconder tamaño error. Sí, es un cliché: la película rinde homenaje a la comedia norteamericana de los años '50 y '60, haciendo principal referencia a la screwball comedy (la comedia de enredos: algo así como Muerte en un funeral) y al slapstick (el humor físico en estado puro), en menor medida. No es un film revolucionario, pero no no todos tienen que serlo. En este caso estamos hablando de una producción cómica inteligente, con suficiente espíritu y actores carismáticos que logran que la alegría se transmita hacia el público. Porque de eso se trata: como si fuera un musical, Mi Primera Boda es una película feliz.
Natalia Oreiro es, aún más que Hendler (quien está bastante bien como el torpe -pero bienintencionado- joven judío) el alma de esta película: bella, simpática y carismática. La cámara sabe captar sus gestos y potenciarlos. El cine, la pantalla grande, potencia todo: por eso los actores teatrales que no tienen en cuenta las dimensiones del nuevo formato tienden a sobre-actuar. Algo similar ocurre con los actores que vienen de la televisión. Oreiro logra ser fiel a su estilo y encandilar cada vez que aparece en escena.
Es cierto que los buenos films establecen el ritmo y el tono en los primeros minutos. Mi Primera Boda abre con una secuencia de títulos (animada por el caricaturista Liniers) que resume la vida y la personalidad de los dos protagonistas. Él, un chico judío que se la pasaba jugando a los videojuegos. Ella, una chica católica que estudiaba para recibirse. La música, los colores vívidos y el resumen se adecuan perfectamente al meta-relato.
Hendler y Oreiro se complementan de tal modo que nos creemos todas las situaciones que los involucran. Aparece un villano: el seductor Miguel Ángel (Imanol Arias), un hombre con ínfulas de intelectual. De esos que no bailan en un casamiento pero se la pasan criticando a los que sí se divierten, como si estuvieran en una posición más elevada. Él será uno de los tantos desafíos que tendrá que atravesar la pareja. También están los mismos familiares, algunos de los cuales están, sí, sobreactuados (principalmente la madre alcohólica, Soledad Silveyra). No es el caso del sidekick, el compinche, el potz: Martín Piroyansky como el joven primo que quiere ayudar pero termina entorpeciendo aún más los desastres de Adrián. El triángulo cómico que forma con los novios es totalmente eficaz. En un casamiento donde todo puede salir (y saldrá) mal, este tipo de personajes no ayudan para remontar las cosas. Nosotros estamos agradecidos.
Hay algunas pequeñas secuencias que no funcionan del todo (breves insertos de humor físico, como Natalia Oreiro corriendo a su ¿futuro? marido con una motosierra) pero son más los aciertos. Entre tanta comedia que va al lugar común y se olvida que es cine, se agradece que esta producción no sólo tenga ingenio, humor y chispa, sino también mucho profesionalismo. Una película no es la sumatoria de sus partes sino el sentimiento psicológico que provocan. En ese caso, estamos hablando de un film que logra contagiar alegría. Como si fuera un musical.

Estrenos 1/9/11

2011-09-01T00:05:00.000-07:00

Destino Final 5 (Final Destination 5, 2011, de Steven Quale)

Una serie agotada hace rato, se renueva con suficiente energía como para crear momentos de tensión genuinos. Sí: esos que nunca aparecieron en los films anteriores. Eso sin abandonar el humor -macabro- disparatado y revulsivo que fue la marca indeleble a lo largo de estas películas. Si bien los personajes de esta película no son muy importantes (siguen siendo estereotipos que caen, uno por uno, muertos de las maneras más inverosímiles) se agradece que las secuencias se hayan filmado con nervio y profesionalismo. Puntaje: 3/5

Mi Primera Boda (Mi Primera Boda, 2011, de Ariel Winograd)

Daniel Hendler y Natalia Oreiro son el rostro y el alma de esta comedia argentina. Él es un muchacho de ascendencia judía, y ella, católica. El casamiento entre las dos religiones es el menor de los problemas: la pérdida del anillo por parte del novio sólo lleva a más y más problemas. Cada situación cómica lleva a una más disparatada, al tiempo que se presentan personajes entrañables en la historia. No es revolucionaria (es como un gran homenaje al slapstick y la screwball comedy de Hollywood) pero no todas las películas tienen que serlo. Es uno de esos films que logran transmitir la alegría hacia la audiencia. Puntaje: 4/5

Un Año Más (Another Year, 2010, de Mike Leigh)

El prolífico director inglés de Topsy-Turvy, El secreto de Vera Drake, y La felicidad trae suerte, regresa con otra película sobre personajes felices contrastados con otros infelices, solitarios y excluidos. En este caso, Jim Broadbent y Ruth Sheen conforman una pareja que recibe, en cada estación (Primavera, verano, otoño e invierno) a amigos y familiares. El fuerte del film está en la narración, lenta y constructiva de Leigh, y su poder para escribir diálogos que nunca suenan artificiales (recibió su séptima nominación al Oscar como guionista por ello). Además, los actores están en lo más alto de su nivel. Puntaje: 4/5

Novedades de Agosto 2011

2011-08-31T01:41:00.000-07:00

Novedades:
- Estrenos 25/8/11
- Estrenos en DVD/BD 24/8/11
- Crítica de No le temas a la oscuridad

Novedades:
- Estrenos 18/8/11
- Crítica de Cowboys & Aliens
- Afiches minimalistas de series de TV

Novedades:
- Estrenos 11/8/11
- Crítica de Linterna Verde

Novedades:
- Estrenos 4/8/11
- Estrenos en DVD/Blu Ray
- Crítica: Capitán América: El primer vengador
- Crítica Super 8

Cuento de hadas perverso

2011-08-28T13:20:00.000-07:00

Looking Closer:
1: La pequeña Sally es una heroína con la que podemos simpatizar: es inteligente y valiente.
2: Katie Holmes es la madrastra que, lejos de ser mala, es la única que le cree a Sally.
3: Nada peor que monstruos que atacan cuando uno se está bañando. Eso es trampa.
______________________________________________________________
Don't be afraid of the dark:
Título en Argentina: No le temas a la oscuridad
Dirección: Troy Nixey
Guión: Guillermo del Toro, Matthew Robbins.
Basado en el guión de: Nigel McKeand.
Música original: Marco Beltrami y Buck Sanders.
Fotografía: Oliver Stapleton.
Edición: Jill Bilcock
Con: Bailee Madison (Sally). Katie Holmes (Kim). Guy Pearce (Alex).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 57/100
ARG: Todaslascríticas: 58%
IMDb: 7.0/10
______________________________________________________________

No le temas a la oscuridad es una remake de un telefilm de 1973 donde una pareja se mudaba a una vieja mansión, pero pronto descubrían que estaba habitada por una suerte de duendecillos demoníacos. El terror que no se explica siempre es el más efectivo: simplemente porque tememos a lo que desconocemos. Poco se explicaba sobre esas criaturas. Sólo sabíamos que hacían lo imposible para atrapar a Sally.
La versión 2011 se explaya sobre la mitología de los monstruos. Es un acierto, en parte, porque uno de los guionistas es Guillermo del Toro, quien además produjo el film. Se nota la mano del director de Mimic y El laberinto del fauno: Sally es ahora una chiquita que se muda con su padre y la madrastra (Guy Pearce y una muy linda Katie Holmes) a la mansión embrujada. Los duendes comen dientes humanos y son más bien hadas malignas que parecen divertirse aterrorizando a los visitantes. Lo terrorífico siempre estuvo ligado a lo fantástico y allí es donde esta nueva versión de No le temas a la oscuridad es efectiva. Si bien la original era mucho más inquietante, esta opta por expandir el universo fantástico. Incluso se anima con unas bienvenidas secuencias cómicas.
Por ejemplo, la misma secuencia -la cena con los inversores- en ambos films es bastante distinta. En la versión para televisión, no veíamos a los duendes y por eso resultaba escalofriante. En esta película los duendes ya no nos causan miedo, porque gracias al CGI ya hemos visto varias veces, pero resulta cómica y en cierto sentido, inquietante: sabemos que la protagonista tiene evidencias sobre ellos (obviamente, nadie le cree) pero también sabemos que los duendes se la quieren sacar.
Los duendes fueron el principal atractivo de la versión '73 y lo siguen siendo ahora. Porque no son simples máquinas de matar, sino que parecen tener personalidad propia y disfrutar sembrar el pánico. Las voces que escucha Sally al principio son amistosas, pero luego se pondrán más y más violentas. Además, ver cómo se las ingenian para atacar a los humanos, mucho más grandes y fuertes que ellos, siempre es interesante.
Ver cómo mutilan a un hombre, no nos asusta ni nos impresiona. Pero cuando la habitación de Sally está apenas iluminada por una lámpara, y distinguimos la figura de un duende detrás de un oso de peluche, sí nos asusta. Principalmente, porque la heroína es una niña. Allí es donde la magia aparece y la película se salva de terminar sepultada en el cine de terror mundano. La dirección de arte logra que la mansión tenga vida propia (ok: no es el Hotel Overlook) y nos muestra dibujos demenciales sobre criaturas del inframundo acechando a los niños. Del Toro había hecho algo parecido en la breve -pero memorable- secuencia del hombre pálido en El laberinto del fauno.
Se nota que el género no sólo está en decadencia, sino que además sufre una crisis de identidad: este mismo año Wes Craven se auto-parodió con Scream 4. Tuvimos dos estrenos -atrasados- de maestros del terror: pero ninguno demostró estar a la altura de lo que alguna vez fueron. Ahora otra remake, que apenas es efectiva cuando se trata de impresionarnos y dejarnos con escalofríos. Por suerte, el cine de terror no se trata sólo de asustar: tiene que ser una buena propuesta artística, antes que nada. No le temas a al oscuridad lo es.

Estrenos en DVD 24/8/11

2011-08-25T19:29:00.000-07:00

Venganza letal (Faster, 2010, de George Tillman Jr.)

Dwayne Johnson (o The Rock, si prefieren) planeando una cruenta venganza.

Sello editor: Columbia Pictures
Idiomas: Inglés y español (5.1 Dolby Surround)
Subtitulos: Inglés, mandarín, coreano, inglés SDH, y castellano
Formato: Widescreen anamórfico (2.40:1)

Extras: Escenas eliminadas presentadas por el director. Final alternativo.

Comentario del DVD:
Dwayne Johnson (The Rock) maneja un auto a toda velocidad antes de su paso por la franquicia de Rápido y Furioso. Esta vez, para perseguir a los asesinos de su hermano y culpables de sus 10 años de prisión. La acción a toda velocidad no tiene freno cuando se suman a la cacería un policía veterano (Billy Bob Thornton) y un asesino a sueldo (Oliver Jackson-Cohen). Es una película que estética y conceptualmente recuerda a los films baratos "de venganza" (todo un subgénero) de los años 70. El protagonista ni siquiera tiene nombre: es llamado "El conductor".
____________________________________________________________________

Amigos con derechos (No strings attached, 2011, de Ivan Reitman)

Natalie Portman es amiga de Ashton Kutcher. Sólo sexo. O eso creen...

Sello editor: AVH

Idiomas: Inglés, francés y castellano (5.1 Dolby Surround)

Subtitulos: Castellano, francés e inglés closed caption.

Formato: Widescreen anamórfico (2.40:1)

Extras: Escenas eliminadas. Amigos con derecho: reunión. Dentro de los atrevidos pasillos de Secret High. Comentario del director Ivan Reitman.

Comentario del DVD:
El director de Los cazafantasmas (Ghostbusters, 1984) dirige esta simpática comedia romántica sobre dos amigos (Natalie Portman, antes del Oscar, como la doctora que recibe y acepta la propuesta, Ashton Kutcher como el amigo que la propone) que deciden tener sexo sin ningún tipo de ataduras. Ya se sabe: así la relación sexual es mucho menos complicada que siendo novios. Pero lo que comienza como algo casual pronto se descubrirá más complicado, cuando cada uno sienta algo de celos por el otro.

____________________________________________________________________

Los ojos de Julia (Los ojos de Julia, 2010, de Guillem Morales)

Belén Rueda en otra película de terror española.

Sello editor: AVH

Idiomas: Español (5.1 Dolby Surround)

Subtitulos: Castellano, portugués e inglés.

Formato: Widescreen anamórfico (2.35:1)

Extras: La realización de Los ojos de Julia.

Comentario del DVD:

En la última década España ha conseguido alzarse con algunas de las mejores películas de terror. Podríamos contar Los otros (The others, 2001, de Amenábar), [Rec] y El laberinto del fauno, por sólo citar algunos. Esta vez es el turno de Guillem Morales quien dirige a Belén Rueda (la actriz de El orfanato, otro de los exponentes de terror español) quien investiga el asesinato de su hermana, mientras empieza a perder, poco a poco, la vista.

____________________________________________________________________

El diablo bajo la piel (The killer inside me, 2010, de Michael Winterbottom)

Casey Affleck tiene un pequeño problema de bipolaridad.

Sello editor: AVH

Idiomas: Inglés (5.1 Dolby Surround)

Subtitulos: Castellano e inglés.

Formato: Widescreen anamórfico (2.35:1)

Extras: Avance. Ficha artística y técnica. Sinopsis.

Comentario del DVD:

Basada en la novela de Jim Thompson, esta es la historia de Lou Ford, un sheriff de una ciudad de Texas que descubre que detrás de su faceta de hombre de la ley, respetuoso y bueno, se encuentra un cruel y despiadado asesino. Lou es Casey Affleck (Robert Ford en El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford), el hermano menor de Ben, quien parece haber heredado toda la gracia para la actuación. Lo acompañan Jessica Alba y Kate Hudson.

Estrenos 25/8/11

2011-08-24T17:36:00.000-07:00

Quiero matar a mi jefe (Horrible bosses, 2011, de Seth Gordon)

Kevin Spacey, Colin Farrell y Jennifer Aniston son los jefes que el trío protagónico (Jason Sudeikis, Charlie Day y Jason Bateman) debe sufrir... hasta cierto punto. Cansados de los abusos de sus superiores, deciden que es hora de hacerse cargo de ellos. Para hacerlo, contratan a un asesino (los consejos, mejor dicho) interpretado por Jamie Foxx. Lo que sigue es una serie de situaciones disparatadas (nada sale como lo planeado, obviamente) donde cada uno intentará eliminar a su abominable jefe. Hay persecuciones, chistes-estornudos con cocaína, (in)corrección política... muchas cosas ya vistas. Sigue (demasiado cerca) la línea cómica establecida en parte por ¿Qué pasó ayer? (The Hangover, 2009). Puntaje: 2.5/5

No le temas a la oscuridad (Don't be afraid of the dark, 2010, de Troy Nixey)

Remake del telefilm de culto de 1973, esta película cuenta con el mayor atractivo de ser "producida por" Guillermo Del Toro. Se nota que el director de Cronos y El laberinto del fauno estuvo involucrado: la historia (actualizada) trata sobre una chiquita que se muda con el padre y la madrastra (Guy Pearce y Katie Holmes) a una antigua mansión. Pero allí aguardan unas criaturas demoníacas que parecen duendes. Hay buenos climas, algunos sustos son efectivos, pero no mucho más. Es como si la fantasía y el terror no terminaran de congeniar como sí lo hacen en una película de Del Toro. Quizás resulte terrorífica para los niños, pero para los adultos, no. Puntaje: 3/5

Balada triste de trompeta (Balada triste de trompeta, 2010, de Álex de la Iglesia)

La historia de dos payasos que luchan por el amor de una trapecista. Nada es tan simple como parece (y a la vez, lo es) en este escenario enmarcado por el régimen de Franco. Un relato caótico, revulsivo, grotesco, con mucho humor negro: como la mayoría de las películas del director de El día de la bestia y La comunidad. Quien no sea amante del cine de de la Iglesia encontrará otra buena excusa para mantenerse alejado. Para los que sí gusten: esta no es la obra más lúcida. Es como si se quedara sólo en la estética (payasos masacrando gente, violencia fuera y dentro de la carpa) mientras que los sucesos que acompañan (y el susodicho comentario político) más bien empalidecen. Puntaje: 3/5

Afiches minimalistas de series de TV

2011-08-17T20:42:00.000-07:00

Hace un tiempo publiqué una serie de posters (afiches, si prefieren) de películas nominadas al Oscar. Una serie de ellos eran minimalistas. Con el tiempo, empezaron a surgir afiches conceptuales parecidos: un objeto representativo de la película sobre un fondo colorido.
Alejandro Goldin comparte con nosotros su trabajo: diseños de afiches de series de TV, con ese estilo minimalista tan característico en las recreaciones de películas. Esperamos que lo disfruten:

House M.D.

Friends

Lost

Buffy: The Vampire Slayer

Grey's Anatomy

The X-Files

Fringe

The Nanny

Dollhouse

Geek Nirvana

2011-08-17T19:52:00.000-07:00

Looking Closer:
1: James Bond tirando rayos como Iron Man, peleando contra aliens, con ayuda de Indiana Jones. ¿Qué más podemos pedir?
2: Ah, sí. La chica de Tron: El legado.
3: Caballos contra naves voladoras. Los nerds están de fiesta.
______________________________________________________________
Cowboys & Aliens:
Título en Argentina: Cowboys & Aliens
Dirección: Jon Favreau
Guión: Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby.
Basado en la historia de: Mark Fergus, Hawk Ostby, Steve Oedekerk.
Basado en el cómic de: Scott Mitchell Rosenberg.
Música original: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Matthew Libatique
Edición: Dan Lebental, Jim May.
Con: Daniel Craig (Jake Lonergan). Harrison Ford (Woodrow Dolarhyde). Olivia Wilde (Ella Swenson).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 50/100
ARG: Todaslascríticas: 58%
IMDb: 6.7/10
______________________________________________________________

Por la red circula uno de esos afiches falsos que se "burlan" de las películas. Cambian el título original por el título fiel al sentido de la película. Así, The Tree of Life se llama Oscar, protagonizada y dirigida por Oscar (ya que todo parece indicar que es una de esas películas a las que a la Academia le gusta premiar). El de Cowboys & Aliens no podía ser más certero: Geek Nirvana. Si Sucker Punch era un mediocre rejunte de fantasías nerds, C&A no se queda atrás: faltaban los monstruos clásicos de Universal entrando en el tercer acto, para la batalla final, y estaban todos.
La conjunción del título es una "y" pero bien podría haber sido un "vs.": quizás no lo usaron ya que hace unos años los aliens habían tenido que enfrentar a los monstruos. Un poco de paz no viene mal, cada tanto. Esta vez llegan a la Tierra, pero desconocemos sus intenciones. Las caballos de sangre pura no son competencia para las naves espaciales, así que los vaqueros son rápidamente dominados por los extraterrestres. Entra en escena Jake Lonergan, uno de esos tipos con un pasado violento y desmemoriado (otro héroe amnésico: y van...) que tiene un brazalete sofisticado con el que puede darle batalla a los invasores. Esto es apenas el inicio: lo que viene será un viaje entre los clásicos personajes del western: hay un Doc (y por ende, se escucha un "Hey Doc!) protagonizado por el versátil Sam Rockwell, un alguacil que quiere arreglar las cosas para bien con el desaforado, una extranjera, un tipo racista, un indio bueno, un indio no-tan-bueno, y claro, aliens que desliegan brazos del interior del exoesqueleto.
Daniel Craig es un tipo bravo, como ya probó en Casino Royale, así que este rol encaja a la perfección con su piel curtida y su rostro temerario. Harrison Ford es una presencia mayúscula en cualquier film que aparezca y sabe como hacer de malhumorado (los que tuvieron la oportunidad de entrevistarlo, dicen que él es realmente así). Olivia Wilde no tan sexy como en Tron: El legado, pero igualmente deslumbrante (casi tanto como las lens fleres que parecen salidas de J.J. Abrams). Ya con sólo mencionarlos uno sabe que además de todos los personajes antes nombrados, se podrá encontrar con James Bond e Indiana Jones salvando a la chica de Tron de los aliens. Es la fantasía nerd, bien hecha.
Mezclar géneros tan diversos y disímiles como estos no es tarea fácil. A lo largo de los años, estos crossovers demostraron ser casi imposible. Cualquier neo-western retro-futurista es desastrozo. Vean Wild Wild West, sino. Pero el director de Iron Man se las ingenia bastante bien: consigue crear atmósferas dignas del western (con personajes que recuerdan un poco al cine de John Ford) y que la mixtura no sea tan chocante. Matthew Libatique, el cinematógrafo de El cisne negro, ilumina los salones como homenajeando a Los imperdonables (de Clint Eastwood) y las luces de las naves espaciales, como en Star Trek. Los condimentos están, la preparación está bien hecha, pero hacia el final, Favreau apura la cocción: el último acto, la escaramuza entre terrícolas y seres espaciales, no está filmado con mucha dedicación (demasiada cámara "inquieta") y la conclusión es más bien abrupta. Una lástima. Sin los aliens, quizás hubiese sido un producto más formidable.

El color de la (des)esperanza

2011-08-17T19:04:00.000-07:00

Looking Closer:
1: Ryan Reynolds es una mala elección como Linterna Verde. ¡Pero queremos ver a Blake Lively como Starfire!
2: Mark Strong (¡otra vez villano!) es lo mejor del film. Igual al final lo arruinan.
3: Parallax. El villano (uno de los tantos). Una nube. ¿No aprendieron nada de Los cuatro fantásticos?
______________________________________________________________
Green Lantern:
Título en Argentina: Linterna Verde
Dirección: Martin Campbell
Guión: Greg Balanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg.
Música original: James Newton Howard
Fotografía: Dion Beebe
Edición: Stuart Baird
Con: Ryan Reynolds (Hal Jordan / Linterna Verde). Blake Lively (Carol Ferris). Peter Sarsgaard (Hector Hammond). Mark Strong (Sinestro).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 39/100
ARG: Todaslascríticas: 47%
IMDb: 6.2/10
______________________________________________________________

Habría que investigar por qué los superhéroes verdes definitivamente no funcionan en Hollywood. Hulk (en sus dos fallidas y recientes versiones), el Avispón y ahora Linterna Verde. Un estudio simplista, llano y rápido concluiría afirmando que fallan (tanto en la taquilla como en recepción crítica) porque, mirándolos con benevolencia, son films mediocres. Pero... ¿no hay acaso películas peores, nocivas incluso, que terminan siendo éxitos mundiales? Despejar la incógnita de la ecuación no es tan fácil como parece. No es la intención aquí analizar por qué Linterna Verde es un fracaso (más allá de la tibia recepción en taquilla, dudo que hagan una secuela; mucho menos planes para Justice League, donde se reúnen todos los héroes de DC).
En primer lugar, lo que hace que Linterna Verde sea un film fallido son las posibles secuelas. Aquí toda la mitología del humano que es reclutado por guardianes intergalácticos para convertirse en un protector del universo, se siente demasiado reciclada, apurada, e infradimensionada. Comienza como si fuera un cuento: oímos la voz de Tomar-Re (Geoffrey Rush) quien nos informa sobre la historia de la Green Lantern's Corp. Luego vemos a Hal Jordan (Ryan Reynolds) durmiendo con una chica mientras se da cuenta que está llegando tarde al trabajo. El tono parece ser el de Iron-Man: un film más bien cómico, con un mujeriego empedernido, bastante irresponsable, que descubre que hay cosas más importantes que uno mismo. Pero luego cambia, y se intercalan imágenes muy torpes sobre su pasado (esos flashbacks demasiado explicativos y poco prolijos) con momentos que difícilmente tengan correlación con el cuento de hadas que se proponía al principio.
Green Lantern: First flight, un film animado lanzado a video, resume y narra mucho mejor los inicios del héroe. Hay más ideas en los primeros minutos de esa película, que en toda esta. Comparemos: en First Flight, Hal Jordan están volando, literalmente, en imágenes generadas por una computadora (aunque nosotros, al principio, creamos que es el cielo real). Aún así avergüenza a su compañera de equipo. Abin-Sur (el extraterrestre malherido) llega a la Tierra y el anillo hace que la máquina simuladora de vuelo realmente despegue, en busca del anillo. En Linterna Verde, Abin-Sur se estrella contra la Tierra, y tenemos que ver secuencias de la vida cotidiana de Hal (donde se subraya lo que ya sabíamos: que es un tipo irresponsable) para que, en plena luz del día, un globo verde lo encierre y lo haga volar hasta el lugar del aterrizaje. Pero la fantasía en ningún momento funciona: no llegamos a creer que eso puede pasar.
Linterna Verde debería abrazar una amplia gama de colores en pantalla. En cambio, se las ingenia para ser realmente fea de ver. No sólo porque el CGI es bastante malo (¡la cara de Reynolds flotando sobre un cuerpo digitalizado!) sino porque la fotografía de Don Beebe no parece ayudar a otra cosa más que al caos tonal. Cuando está con la chica: atardecer romántico. Cuando pelea contra el villano: habitaciones oscuras.
Todavía no hablé de los villanos. Hay dos. Hitchcock decía que si hay más de uno, es porque uno de ellos debería suplir las falencias del otro. Así tenemos los dúos: el cerebro y los músculos. Pero acá no: Parallax (una nube -¿no aprendieron de Los cuatro fantásticos y Silver Surfer?- con tentáculos) sería el villano principal. Pero casi no aparece. Entonces, es Hector Hammond (Peter Sarsgaard) pero... aparece muy poco también. Entonces es Sinestro (Mark Strong). Pero tampoco: si bien Mark Strong y su personificación de Sinestro es lo mejor, los guionistas se guardan un as bajo la manga, tan arbitrario, que lo arruina por completo. Y es lo mejor del film.
Hay muchísimos errores en Linterna Verde: la estructura del superhéroe se siente no cansada, sino agotada La primera pelea entre Hal y Hector carece de imaginación, emoción y conflicto genuino. Sospechando estas cosas, se agregan personajes innecesarios (con grandes actores, como Angela Basset y Tim Robbins) y para peor, tríos amorosos que más que aportar, restan.
Martin Campbell es un buen director de cine de acción. Pero aquí no tiene idea de dónde está parado: lo suyo es el realismo "sucio" (si así se puede decir de una superproducción cuidada hasta en el más mínimo detalle) de Casino Royale o El Zorro. No filmar secuencias donde un sujeto está parado frente a una pantalla verde. Él no es el único que falla: vean el elenco, los créditos del montajista, director de fotografía, compositor y hasta diseñadora de vestuario para entender cómo la suma de individualidades no hace un todo.
No hay mucho para halagar, de verdad. Las secuencias en Oa se pasan demasiado rápido -como si algún productor gritara pensando en el presupuesto- con cameos de personajes clásicos de la serie (Kilowog merecía un mejor trato que este) y los aciertos pronto son sepultados bajo la misma torpeza de los creadores.
En definitiva, Linterna Verde, y no sólo por la (sobre)carga de efectos visuales, es un film feo de ver. Y en el cine no hay peor crítica que decir que una película se ve fea. Es el mundo de las imágenes bonitas y la fantasía. Ninguna de las dos existen en Linterna Verde.

Estrenos 18/8

2011-08-17T17:29:00.000-07:00

Cowboys & aliens (Cowboys & Aliens, 2011, de Jon Favreau)

Daniel Craig, Harrison Ford y Olivia Wilde (la chica de Tron: El legado) se unen para detener una invasión alienígena en el Lejano Oeste. Adaptación del cómic de título homónimo, es casi el sueño de cualquier nerd/amante del cine de ciencia ficción: vaqueros contra extraterrestres (que se suman a la larga lista de "vs" de la historia del cine: Monsters vs. Aliens, en los últimos años...). El mayor riesgo es la premisa en sí: mezclar uno de los géneros más clásicos e icónicos de la pantalla grande (el western) con uno de los más fantasiosos (el cine más de fantasía espacial que ciencia ficción) parece ser un trabajo imposible. Pruebas de los errores (u horrores) hay muchas (sin ir más lejos, Wild Wild West terminó por sepultar la idea). Aquí el resultado es bastante bueno, recuperando por momento, lo mejor de ambos mundos. Hacia el final todo es más desparejo (batallas filmadas como a desgano) pero se aprecia que al menos, la atmósfera sea creíble. Puntaje: 3/5

Cerro Bayo (Cerro Bayo, 2011, de Victoria Galardi)

La directora de Amorosa Soledad (2009) regresa con una película sobre la vida de una familia en torno a la muerte de la matriarca, la abuela que acaba de suicidarse. El padre tiene la oportunidad de vender el terreno de su inestable suegra, una de sus hijas no termina de recuperarse de la noticia (Adriana Barranza, de Drag me to hell), la otra (Verónica Llinás) quiere encontrar el dinero que su madre ganó en el casino, y su sobrina está preocupada por ganar un concurso de modelos, cuando su gracia y desenvoltura ante los demás no parece ser su mayor fuerte.
No es un melodrama; es posible rastrear en la película influencias del cine independiente norteamericano (algo de Noah Baumbach, el director de Historias de familia) pero dentro de la misma línea estética minimalista de la ópera prima de Galardi. En un film así, los actores son la piedra basal para que el relato resulte creíble. De Inés Efron a Verónica Llinás (las dos grandes protagonistas, o al menos, las que se roban la pantalla) todos están bastante bien. Puntaje: 3/5

El planeta de los simios: (R)evolución (Rise of the planet of the apes, 2011, de Rupert Wyatt)

No es tanto una remake de Conquista del planeta de los simios (1972), sino más bien una "precuela" de El planeta de los simios, el film original (y hasta ahora, el mejor) con Charlton Heston. Hay muchas referencias a ese film (algunas sutiles, otras mucho más obvias) pero lo mejor es que recupera el espíritu lúdico que la serie parecía haber perdido.César (captura de movimientos en Andy Serkis: Gollum en El señor de los anillos y King Kong en... King Kong) un simio superdotado, planea una revuelta en el mundo de los humanos. Claro que nada es tan simple como parece, y el mono tiene un gran corazón, especialmente con su amo (¿o padre?) interpretado por James Franco. César es el corazón de la película, mientras que los humanos son personajes que parecen estar para acompañar o desatar los acontecimientos de turno. Los efectos visuales son tan buenos que nadie se equivocaría en afirmar que esta película, ya tiene un Oscar (ganado y merecido) en su haber. Puntaje: 3.5/5

Estrenos 11/8/11

2011-08-10T12:16:00.000-07:00

Linterna Verde (Green Lantern, 2011, de Martin Campbell)

Salvo por la (nueva) franquicia de Batman, DC Comics no ha tenido suerte con las adaptaciones de sus historietas al cine. Esta vez es el turno de Linterna Verde, aunque los resultados son desastrosos: se nota que mucha de la mitología del personaje quedó truncada (es la historia de Hal Jordan, el humano elegido para ser un guardián espacial en una alianza de superhéroes extraterrestres). El problema se agudiza porque tampoco logra encontrar un tono: ¿es una comedia al estilo Iron Man? ¿es más serie como Batman? Y ni hablar de los incontables problemas técnicos (lo más notorio: los pobres -pobrísimos- efectos visuales) y artísticos. Hay que ver sólo el reparto técnico (Dion Beebe, Ngila Dickson, Stuart Baird) para darse cuenta que hay talento involucrado. Pero casi todo sale mal. Ni siquiera Ryan Reynolds logra aportar algo de carisma a su rutinario personaje. Puntaje: 2/5

La oscuridad (Vanishing on 7th Street, 2010, de Brad Anderson)

El director de El maquinista (esa película donde Christian Bale enflaquecía a niveles anoréxicos) dirige una película de terror donde las luces se apagan y unas sombras se apoderan de las personas. La premisa es interesante y los primeros veinte minutos prometen: pocos diálogos, situaciones tensas, y hasta momentos climáticos bien armados. Pero cuando los personajes empiezan a hablar todo se va por la borda. Con Hayden Christensen (Anakin en Star Wars II y III) gritando enfurecido (cuando, desde su primera aparición en pantalla, sabemos que la actuación no es lo suyo), mientras trata de liderar a un grupo de refugiados de las sombras mortales. Allí la película comienza un declive tedioso que no acaba hasta que... bueno, se acaba. Puntaje: 2/5

Larry Crowne (Larry Crowne, 2011, de Tom Hanks)

En un mundo mejor (In a better world, 2010, de Susanne Bier)

La famosa directora de Dinamarca ganó su primer Oscar (Mejor film extranjero) por esta película multicultural sobre la violencia en el Primer y Tercer Mundo. Es tan abarcativa (trata temas actuales de la agenda política, como los chicos abusivos en las escuelas, la enajenación juvenil y las guerras políticas en África) como imprecisa: hay algún que otro golpe bajo y mucho, mucho, cálculo. Algunas cosas se ven venir a leguas de distancia. Por cada acierto del film (principalmente en la dirección de actores) hay un lugar común hecho a puro cálculo. Parece un film hecho para ganar el Oscar en esa categoría (correción política, choques culturales, violencia, pobreza, etc.). No es que eso haga que el film sea malo: lo hace predecible y menos eficaz. Puntaje: 3/5

La emoción de vivir el cine

2011-08-07T17:49:00.001-07:00

______________________________________________________________
Super 8:
Título en Argentina: Super 8
Dirección: J.J. Abrams
Guión: J.J. Abrams
Música original: Michael Giacchino.
Fotografía: Larry Fong
Edición: Maryann Brandon, Mary Jo Markey.
Con: Joel Courtney (Joe Lamb). Kyle Chandler (Jackson Lamb). Elle Faning (Alice Dainard). Riley Griffiths (Charles).
Promedio de críticos:
USA: Metacritic: 72/100
ARG: Todaslascríticas: 81%
IMDb: 7.6/10
______________________________________________________________

Super 8 es el intento de J.J. Abrams de recrear, revivir u homenajear el espíritu de ciertas películas clásicas de fines de los años setenta y principios de los ochenta. Las referencias sustanciales, estéticas y obligatorias son E.T., Encuentros cercanos del tercer tipo y también otros clásicos como Cuenta conmigo. Películas donde los efectos visuales eran funcionales a la historia: hoy en día la historia parece ser una mala excusa para acompañar un despilfarro -no necesariamente bueno- de CGI. Una película no debería ser evaluada por la suma de sus partes sino por el efecto (emotivo, psicológico) que produce en nosotros. En líneas generales Super 8 es formidable, principalmente porque sus personajes resultan creíbles. Aún cuando en el tercer acto las cosas no tengan la misma intensidad emocional y uno termine por descubrir el artificio.
Joe Lamb (una actuación casi imperceptible y pura de Joel Courtney) es el hijo del comisario de un pequeño pueblito. La primera imagen de una película generalmente es la más importante de cualquier película porque debería establecer el tono y el ritmo. Aquí vemos un cartel que anuncia los días sin accidentes en una fábrica metalúrgica, pero lo están cambiando: una tragedia ocurrió y allí falleció la madre de Joe. Los vecinos, en el velorio, lo miran por la ventana. Hablan de él y de su padre: no podrá asumir la responsabilidad ahora que están solos.
Es cierto que esta película está basada en estereotipos, y ciertamente los clichés contienen una carga peyorativa. Walter Llypman usó el término en su análisis socio-político para designar las posiciones antagónicas que se crearon en el contexto de la Guerra Fría. Según el periodista, estas imágenes pre-concebidas coexisten todo el tiempo con el pensamiento social. A quienes hayan visto las películas antes mencionadas les resultará más fácil tener empatía por los personajes. Pero aún estando basados en estereotipos, se sienten reales.
La película es consciente de ello: los jóvenes están filmando una película de zombies casera. Una baratija que homenajea al cine de George Romero. Charles, el pequeño director, habla sobre valores de producción, y sobre la inclusión de un interés romántico para el protagonista. Allí entra Alice, una joven a la cual Joe, en secreto, ama. Esto nunca se pone en palabras, pero lo sabemos desde el instante en que los ojos de él se iluminan al verla llegar. Los estereotipos tendrían una consideración negativa aquí y en cualquier otro film si el artificio quedase al descubierto. Es decir: podemos suponer qué sucederá al final (incluso nos lo pueden contar) pero lo importante es cómo sucederá.
El padre de Joe debe asumir la responsabilidad de cuidar a su hijo y a su pueblo sin apoyo (los ojos Kyle Chandler mezclan dureza con un costado sensible). Charles quiere filmar su película. Joe, superar la muerte de su madre y también estar con Alice. Alice (Elle Faning, quien ya se había probado en Somewhere), reconciliarse con su padre, un hombre alcohólico y derrotado. En El ladrón de orquídeas (Adaptation.) el personaje de Brian Cox resume todos los clichés del cine de Hollywood. Personajes que debe vencer obstáculos y tienen éxito al final. Cuando está bien hecho, en esta caso, se produce la magia del cine.
No sólo por eso es que Super 8 es una experiencia pensada para ver en el cine. Sino también porque los tan mencionados efectos visuales y sonoros son impresionantes. El descarrilamiento del tren, la invasión de las fuerzas armadas al pueblo (en E.T. los agentes del FBI perseguían al chico con pistolas, que luego Spielberg cambiaría por walkie-talkies en la edición en DVD: aquí un tanque aplasta juegos de niños en una plaza) todos son momentos verdaderamente climáticos e impresionantes.
Hasta ahora no hablé del extraterrestre. Y es que ese es el punto más flojo (el único, para quien escribe) del film. En el tercer acto, las revelaciones y conclusiones relacionadas con el alienígena no son del todo emocionantes. O no al menos si la comparamos con las inolvidables imágenes del cine de Spielberg. ¿Recuerdan las siluetas recortadas por la luz de la Luna? ¿La melodía y las luces que aparecían tras la montaña? El misterio y los ataques del monstruo aquí están muy bien construidos, pero cuando llega la hora de que él también resulte emocionante, se convierte en un cliché. A Abrams le importa más que pasa con los humanos, y no hay nada de malo en eso. Pero cuando una historia se construye alrededor del alienígena y esa parte resulta la más débil, algo no funciona del todo bien. Creo que el decorado donde se empiezan a resolver las cosas tampoco ayudan: ni la iluminación ni el ambiente son muy espectaculares.
Detalles. ¿Detalles?. En una película formidable, emocionante y grande como esta, sí, eso puede pasar por alto. Descubrí que incluso los personajes que están para ser comic-relief (el alivio cómico, que le dicen) tiene peso y personalidad propio. También hay un militar de stock, pero por más raro que parezca, su arco emocional nos remite a Moby Dick, como un Capitán Ahab furioso tratando de capturar a la bestia.
Super 8 funciona como una película sobre el crecimiento y la maduración, como un espectáculo visual y sonoro (con una de las más hermosas partituras de Michael Giacchino, el hombre de la música de Ratatouille), una película de compañeros (las buddy-movies), una película sobre el cine (según André Bazin, algo que hacen todas las grandes películas: reflexionar sobre el cine mismo) e inclusive como una romántica (con una de las secuencias más conmovedoras del año, aún cuando no sea del todo genuina). Donde se nota el artificio es en el invasor espacial, y allí pierde un poco de brillo. No es descabelleado que eso suceda en una película de J.J. Abrams, ese director que puso en escena a las lens fleres (los reflejos de las luces que vemos en pantalla), ya que no importa tanto el cuidado extremo y calculado, sino la puesta en escena de las emociones. Todo pasa por el impacto emocional. Conmigo funcionó.
Una cosa más: el Super 8 es una tecnología considerada más bien obsoleta y anticuada hoy en día. La película nos recuerda que el cine clásico está lejos de pertenecer a un museo. Está más vivo que nunca.

Estrenos 4/8/11

2011-08-01T16:39:00.001-07:00

Los pitufos (The Smurfs, 2011, de Raja Gosnell)

Mejor suerte merecían las caricaturas europeas creadas por Peyo. En esta adaptación a la pantalla grande, Gargamel persigue a los pitufos y por accidente terminan en Nueva York. Algo así como sucedía con la película Encantada. Pero más que copiar los méritos de aquel film, copia todo lo feo y malo de Alvin y las ardillas: animalitos (o pitufos) animados por computadora que interactúan con seres humanos. Nada funciona: ni siquiera la mezcla entre animación y texturas reales está, al menos, disimulada. Puntaje: 1/5

El mundo según Barney (Barney's version, 2010, de Richard J. Lewis)

Estuvo nominada al Oscar en la categoría Mejor Maquillaje. Al verla uno entiende por qué: Paul Giamatti es un perdedor, alcohólico, gordo, y solitario, que se da cuenta que él mismo se llevó a esa situación. Su egoísmo y la manera en que se relacionó con todos a su alrededor -especialmente con su padre, interpretado por Dustin Hoffman, y sus mujeres- se ven como si fueran una retrospectiva de su vida. Giamatti, conocido por roles bastante similares (Esplendor Americano, Entre copas) es lo suficientemente bueno como actor para aportar una presencia real a su personaje, más allá de las capas de maquillaje que simulan el paso del tiempo. Es una historia emocionante, pero trata tantos temas -la búsqueda de redención, la lucha contra el olvido, las memorias de un enemigo, un supuesto crimen- que al final las dos horas y diez minutos de duración se resienten. Puntaje: 3/5

Super 8 (Super 8, 2011, de J.J. Abrams)

El director tan versátil y eficaz de Lost (los primeros episodios, los pilotos), Misión: Imposible III, y Star Trek (2009), y productor de Cloverfield, realiza ahora un homenaje al cine de Steven Spielberg de los ochenta (principalmente a E.T. y Encuentros cercanos del tercer tipo) y a Los Goonies. El resultado es el mejor film de su carrera: emocionante, con efectos visuales y sonoros impresionantes que ameritan (más que cualquier otra película con efecto 3D) verla en el cine. Ese es justamente el punto: Super 8 es una película concebida para ser vista en la pantalla grande y no en otro formato.
La historia es simple, y está basada en estereotipos, pero nunca deja de ser eficaz: un grupo de niños que quieren hacer una película de terror con su cámara Super 8. El protagonista es uno de esos niños, que tiene una relación un tanto complicada con su padre, y está enamorado en secreto de una de las chicas del rodaje. Todo cambia cuando presencia el descarrilamiento de un tren que lleva un extraterrestre enorme. Puntaje: 4/5